A Still Corners les gusta el cine. Mucho. Hace unos días, cuando escribimos la previa del Primavera Club (puedo garantizarles que hay un post en borrador con una crónica que verá la luz, eventually), sabíamos poco o nada de ellos. Y tras verles la verdad es que nos han entrado muchas ganas de investigar. El proyecto, que ahora es un cuarteto comenzó siendo cosa de dos: Greg y Tessa. En realidad antes que nada fue cosa de Greg, al que ven en la foto en último plano, cerebro fuera de foco. La historia de cómo conoció a Tessa es de lo más cinematográfica y una de esas cosas que sólo le pasan a los demás. A ver si se lo creen. Era una noche con niebla. Greg trataba de enfocar la oscuridad al otro lado del cristal de un tren que debía llevarle a London Bridge. Pero el férreo destino le hizo bajar en otro andén y allí, compartiendo escalera de descenso, estaba ella, la angelical Tessa. No cuentan cómo acabó la noche, pero no debió ir mal. Ya me imagino ese desayuno: “ah, ¿cantas?, pues yo tengo un proyecto en mente… ¿por qué no te vienes mañana a mi estudio de Londres y probamos?”. El resultado fue una colección de canciones que encandiló a Sub Pop y que han acabado en un álbum, Creatures of an Hour, que cuánto más se asoma al lado pesadillesco del dream-pop más me gusta.

En Still Corners los pantalones creativos los sigue llevando Greg Hughes, americano afincado en Londres (esta historia de americano en Londres conoce a vocalista angelical rubia y monta grupo con visos de éxito me suena) que pone las canciones, los arreglos, la grabación y mucha de la producción de los temas. Claro que estos no serían nada o casi nada sin las melodías vocales y los suspiros que se escapan de la boca de fresa de Tessa Murray. En directo también es ella protagonista. Acaso con las proyecciones que utilizan. Decíamos al principio que estos dos son cinéfilos empedernidos (de los que se quedan en casa viendo películas clásicas de terror), así que no sorprende que los videos de sus canciones los cuiden. Aquí abajo tienen unos cuantos. El primero, para ‘Into The Trees’, acaba de salir, aunque mi preferido es el de ‘Cockoo‘, sensual y algo pertubador. También les dejamos de propina al final una versión acústica de ‘Endless Summer‘. Será por cosas.

Que ustedes lo disfruten.

Into The Trees

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Wish

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Cockoo

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Don’t Fall in Love

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Endless Summer

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Si buscan en Youtube el video de ‘Chair’ se encontrarán que el primer comentario dice “Dedos arriba si desean que la tensión sexual no haga implosionar esta banda”. Es lógico: joven de buen ver, rubia magnética de voz limpia, los dos cantan, tocan, componen y escriben juntos. Cosas como “You only want me for my lungs / only want me for the songs I write about about you / about how I like you”. Blanco y en botella. Pero no, Alice Costelloe y Kacey Underwood (vayan quedándose con esos nombres) no son pareja, son “best friends”. O eso dicen. Él es californiano, tiene 28 y algo de experiencia en bandas que no llegan muy lejos. Ella tiene 18 (en serio) y va camino de saber bastante de todo lo contrario. Su historia merece unas líneas. Kacey era profesor de guitarra en el colegio en el que trabajaba la madre de Alice, muchacha que desde los 13 andaba dándole al mismo instrumento y que en aquel momento tenía una banda . Ya se imaginan cómo, la cosa terminó con Kacey de ayudando a Alice a sacarse ‘Teen Age Riot’, de Sonic Youth, y “some song by Dinasaour Jr.”, según cuentan en The Guardian. “Escribimos una canción juntos y fue muy fácil, así que simplemete seguimos haciéndolo”. El resultado es Lights Out, un disco fresco, libre y desacomplejado sobre el que cae esa luz espesa como puré de zanahoria que inunda su portada. Una colección de canciones que vuelven a inyectarnos esa tan necesaria dosis de nostalgia distorsionada, escritas como para no salir intimidad de una habitación en sombra, compuestas y cantadas como si fuesen a quedarse ahí, en el quicio de la puerta, sin más. Tras el salto tienen ‘Chair’ y mucho más.

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Menudo hit. Pero es que la que sigue también lo es. Todas con los mismos elementos: dos guitarras, una acústica y una eléctrica bien distorsionada; y dos voces, una bellísima, limpia como agua de manantial, y otra mundana pero cálida, que arropa a la primera y le sirve de red para no caer y hacerse añicos. En ‘Cold Like Kurt‘ vuelven a cargar el ambiente de tensión sexual, de deseo insatisfecho. “Take me to your bed / Don’t take me home / I wanna be old / I wanna be older”.

La mayoría de las letras parecen, por la temática, escritas por ella. De hecho las primeras que vieron en su myspace fueron ‘Homework‘ y ‘Lunch Money’ (esta no está en el álbum), que parecen temas bastante adecuados para una chica, no lo olviden, que acaba de salir del instituto. Las letras, directas, están implícitamente llenas de vulnerabilidad y deseo. “I wanna lose my keys again / so you’ll let me sleep inside your bed / All I wanna do is talk / But seeing you fucks me up / (…) /Perfect morning / Your arms holding“, cantan en ‘Talk‘.

En los cinco primeros temas la imagen de la cama aparece tres veces. Será que es lo más obvio, pero las letras parecen escritas, no sólo ya por ella, sino de ella para él. Ella enamorada de él, queriendo ser más mayor, queriendo perder las llaves para quedarse a dormir en su casa, no queriendo volver sola a su cama. Es por esto que lo de si son o no pareja tiene cierto interés musical. Si es como parece y estas canciones hablan de ellos, de pronto uno puede imaginarlo todo. Si es como dicen, siguen siendo grandes canciones sobre los primeros pasos de una relación compleja. La tensión queda intacta.

En cualquier caso, Alice va para diva. Es una chica de un atractivo indudable. Así lo han entendido también algunos fotógrafos, hechizados por esa boca rojísima y el aura nórdica y frágil que la rodea.

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Su voz también tiene esa fragilidad. Es limpia y oscura a un tiempo. Cuando no cuenta con el respaldo de él, como en ciertos fragmentos de la íntima ‘Locked Up’, que se atreve con unos hipnóticos arreglos de fondo, de pronto se desnuda. El alma de las canciones está ahí, en esa forma pesada de cantar, sin estridencias, con una infinita corrección, pero a la vez con ese algo que sólo lo da el creer lo que se dice y sentir lo que se canta. En su esqueleto, las canciones de este álbum son insultantemente simples, pero a la vez brillantes, efectivos. Los “I know, I know” de  ‘With the World at My Feet’, su sólo de guitarra, el muteado de después con las voz voces fundiéndose… “You don’t have to say it’s done / I know, I know”.

Musicalmente hay comparaciones obvias pasarían por bandas como Best Coast. Si les gustó ‘When I’m With You‘ es casi imposible que no encuentren en Lights Out, más de una canción de la que enamorarse. Eso sí, ya les decimos qué no encontrarán: ni bajos ni baterías.

Teniendo como tienen base en Londres y considerando la alta carga de tensión sexual que tienen los temas, el nombre que viene a la cabeza es The XX (escuchen ‘Seraphine‘, con ese estribillo mágico). Olvidándonos del apartado formal, no es descabellado colocarlos uno junto al otro. De hecho, si escuchan a aquellos desprovistos de máquinas comprenderán lo que digo.

En fin, estos amores a primera vista ya saben cómo son: uno no duerme durante noches y luego la costumbre apaga el ansia de roce. Podría pasar esto con un álbum que tiene un pero evidente: la economía de medios y la reiteración de temas lo convierte en un trabajo algo lineal. Lo excepcional es que, siéndolo, haya en cada canción una sensación, una latido al que agarrarse, una frase a la que rendirse, una imagen a la que mirar y decir: ahí estoy yo. Por eso hay esperanza. Les dejamos con ‘Distant Neighborhood’, la que abre el álbum.

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Sallie Ford podría perfectamente ser la hermana pequeña de Peggy Olson. En esta foto, maquillada y con el pintalabios a juego con el vestido, parece hasta mona. No ayudan esas gafas de secretaria, con esa curva como pellizcada de los extremos superiores. Si la escuchan hablar, la cosa no mejora. Tiene un tono nasal y cuando termina las frases, sonría o no, deja la dentadura expuesta hasta la encía. Sallie no es el sueño de un entrevistador. A su familia la despacha con un palabra: “hippies” (al parecer, este es su padre, no se lo pierdan). A su música con pocas más: “rock and roll”. Hace unos años, esta muchacha de Carolina del Norte, que ahora tiene 23 años, cogió el petate y se cruzó sin billete de vuelta los 3.000 kilómetros que separan su estado natal de la ciudad de Portland, Oregon. Allí se metió en un hostal, consiguió un trabajo de camarera, conoció a un grupo de músicos y formó una banda con su nombre en letras grandes: Sallie Ford & the Sound Outside. En 2009 sacaron un EP bajo el título de Not and Animal y en 2011 se han plantado con su primer álbum, Dirty Radio. Y, cosas de la vida, hace poco más de un mes una cancelación inesperada les puso delante de la mesa de escritorio de David Letterman con su primer single, ‘I Swear’, una bofetada a la música moderna.

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Y entonces, visto el video, dices, joder, (gafas aparte), cómo mola esta tía. Para empezar, por la letra, en la que llega a preguntarse qué es “this robot sounding bullshit?” en referencia a eso que ponen las radios. Militancia oldie total. Lo de Sallie es una apuesta por el revival a la altura de la que plantearon en su día Kitty, Daisy & Lewis (estética, musical, espiritual…). Desde luego, son para pincharlos uno detrás de otro. Sallie canta agudo, muy nasal, retorciendo los finales de los versos con aspiraciones, inspiraciones, bajadas bruscas de tono (‘Thirteen years Old’) y demás artificios aprendidos en los vinlos de papá. No es una voz absolutamente espectacular, pero transmite y tiene grandísimos momentos. En ‘Miles‘, por ejemplo, sabe ser todo lo delicada que no quiere ser en ‘Danger‘. En ‘Nightmares‘, que cierra el álbum y este post, impresiona (¿y recuerda por momentos a Amy?). Y en otras, como ‘Write me a Letter’, se come la canción. Se nota que disfruta cantando.

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La letra de esa última da bastante bien la medida. de cómo va la cosa: “Just like they took away the Polaroid pictures / They’re gonna take away everything that means something / Today I think I saw ten thousand cellphones / But not one decent conversation”. En fin, rockabilly, soul lo-fi, blues… Habrá que ver cómo aguanta las escuchas, pero de momento a este que escribe le está haciendo mucho más agradable la llegada del otoño, así que no me resisto a dejárselo caer. Sallie, molas.

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Somos fans desde el nombre. Su debut se cayó por los pelos de nuestra lista de discos favoritos hace un par de años, aunque tanto aquel trabajo como los directos con los que lo presentaron nos dejaron un muy buen sabor de boca. Y ahora confirmamos sensaciones. Lenses Alien, el segundo trabajo de Cymbals Eat Guitars, es el enésimo buen segundo disco de este año (Bon Iver, The Pains of Being Pure At Heart, Lyyke Li, The Drums…) y les confirma como un grupo raro. Capaces de parir fragmentos de lo más pop (‘Wavelenghts’), con guitarras limpias y teclados clásicos, y al minuto romperlo todo en una estructura alambicada y ruidosa que le lleva a uno del disfrute al esfuerzo en apenas segundos. En un movimiento un poco tontorrón el álbum empieza con una pieza que es la quintaesencia de esa fórmula: una montaña rusa de ocho minutos y medio bajo el título de ‘Rifle Eyesight (Proper Name)’. En los primeros compases los de Staten Island le dan la razón a quienes los marcan como primos de Modest Mouse y Built to Spill, pero con la vorágine que sigue, con la esquizofrenia que hace pasar al tema del agobio a las ventanas abiertas, quizás ahuyenten de una tacada a todos aquellos que no tuviesen las agendas para darle a este trabajo más de dos o tres vueltas. Pero que no cunda el pánico.

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Porque las nueve restantes se mueven mucho más cerca de los tres minutos de rigor que de los ocho de esta primera, aunque esa sensación de imprevisibilidad, de no intuir ni por asomo qué pasará en el próximo compás, se mantiene. Por eso las primeras escuchas son un poco desconcertantes, pero cuando uno empieza a conocerse los caminos, empieza también a disfrutar del paisaje. Temas como ‘Keep me Waiting’, (arriba), descargan esa energía rabiosa y juvenil con la que nos conquistaron, por ejemplo, Japandroids. Bajos a púa, guitarras rasgadas, semicorcheas en la caja y ese sonido crudo que también tenía su debut. Receta artesanal, desde 1990.

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Contribuye a ello también D’Agostino, que canta como toca, gritando, con un tono esforzado y duro, como si siempre estuviese a punto de acabársele el aire. Difícil entenderle entre el ruido, la dicción y el vocabulario, pero, para hacerse una idea, en temas como ‘Plainclothes’, (arriba), canta cosas como. “Friends fuck each other in the guest room / I feel the ghost of all the parties still happening / Right on this very spot that I am standing / Kids are blissing in the spare room, light years away”. Parental Advisory.

Las dos que siguen, ‘Definite Darkness’ y ‘Another Tunguska’, (abajo), son probablemente mis favoritas. Los coros del valle que parte la primera son sencillamente perfectos. La manera de escalar la salida, magistral. Por momentos alcanzan el refinamiento del último The War on Drugs. En la segunda, D’Agostino se atreve a cantar, a que se le oiga, y el resultado es más que bueno, especialmente al final. Hedonismo, psicodelia, drogas, skateboards, narices que sangran… las letras hay que leerlas.

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Por desgracia, la recta final del álbum tiene al menos un par de peros. ‘The Current’ es un paréntesis casi instrumental que podrían haberse ahorrado. No por malo, sino por bajonero dentro del ritmo del álbum; y ‘Gary Condit’ (político norteamericano, demócrata, conocido por una relación extramatrimonial con una becaria que fue asesinada en 2001 en extrañas circunstancias…) es una especie de autoplagio estructural con menos encanto que las originales.

Aun así, chapó.

Para mí, es el piano del inicio de ‘What Sarah Said‘, seductor y triste, melancólico y bonito. Es en ese momento en el que Plans se convierte en la joya escondida que cobra sentido completo y te invita a volver a escucharlo otra vez, seis años después de su publicación. “And it came to me then / that every plan / is a tiny prayer to father time“, canta Ben Gibbard en la primera frase de la canción. Después, seis minutos y medio de vaivén pianístico, ondulante y esperanzador, seguramente la continuación más directa de aquella descomunal ‘Transatlanticism‘, sin duda la canción más colosal de Death Cab For Cutie. ‘What Sarah Said‘ llega en la recta final de un disco que, poco a poco, canción a canción, va forjándose un camino en el subconsciente de uno, primero a través de los tres singles potenciales (‘Marching Bands of Manhattan‘, ‘Soul Meets Body‘ y la preciosa ‘I Will Follow You Into The Dark‘) y después con las canciones de verdad, las que convierten este trabajo, el quinto de Death Cab For Cutie, tibiamente recibido por prensa y público en su día –2005, porque esperaban una continuación a su indie rock dócil que explotó con Transatlanticism, y Death Cab se decantaron por un álbum más onírico y con fuerte presencia del piano–, en el disco por descubrir de Death Cab For Cutie. Son ‘Summer Skin‘, una de esas delicadezas susurradas (a lo Yo La Tengo) marca de la casa, el final indietrónico de ‘Different Names For The Same Thing‘, el estribillo incisivo de ‘Crooked Teeth‘ o la euforia contenida al mismo ritmo de la ambigua ‘Your Heart Is An Empty Room‘, otra de las piedras angulares del disco. Es el final del álbum, la plácida ‘Stable Song‘, que te deja en un lugar agradable, justamente como promete la épica ‘Marching Bands of Manhattan‘, que abre el disco repleta de ilusión y energía. Plans es, con todo, un disco redondo que, sí, ha ganado –y mucho– con el tiempo. (Escúchenlo en Spotify).

Y llevo algunas semanas volviendo a escuchar Plans con mucha asiduidad, y resulta que hace un par de días aparecieron dos nuevas canciones de Death Cab For Cutie, interpretadas en vivo y en solitario por Ben Gibbard. Una, ‘When The Sun Goes Down On Your Street‘, forma parte de una banda sonora de película en la que Ben Gibbard participará, así que tampoco es tan interesante. Pero la otra, ‘Codes And Keys‘, sí lo es. Porque así precisamente se llama el sexto disco de Death Cab For Cutie: Codes And Keys, y saldrá el 31 de mayo de este año. Al parecer el single será otra canción, pero de momento esta ‘Codes and Keys‘ deja un sabor de boca muy… Plans. Es una canción con piano (aunque seguro que en la versión de estudio participa todo el grupo), y aparte de a ‘The Greatest‘ de Cat Power, transporta a la melodías sinuosas de Plans. Y de manera muy agradable. La tienen aquí debajo para escuchar, y de regalo también ‘When The Sun Goes Down On Your Street‘, sencilla y bonita, esta con guitarra. Y mientras esperamos a este Codes And Keys, seguiremos con la degustación de Plans.

Death Cab For Cutie – ‘Codes And Keys’

Ben Gibbard – ‘When The Sun Goes Down On Your Street’

¿Será 2011 el revival del indie rock noventero? Si hacemos caso al debut de Yuck, que lleva ya algunos días en reproducción continua en nuestros reproductores, y de la habitual predicción de la BCC que los incluye como una de las promesas de este 2011 que acabamos de inaugurar, puede que sí. No han sido los ganadores (lo ha hecho la peculiar Jessie J, por delante de James Blake, The Vaccines u otros como Warpaint), pero eso a nosotros nos da igual. Yuck. No hace falta que se los presentemos porque ya pusimos las cartas sobre la mesa tras el Primavera Club 2010: fueron el grupo revelación del festival y seguramente su mejor concierto. Y ahora que nos llega Yuck, el debut, que sale en febrero, nuestras ilusiones se multiplican por diez. De la etiqueta que les colgaron a rebufo de The Pains of Being Pure at Heart apenas queda ‘Georgia‘, ese hit infeccioso y feliz que se ubica en el ecuador de un disco diverso, maduro y a ratos espectacular. Riffs de los Placebo de los 90 (‘Get Away‘, ‘Operation‘), distorsión sonada en la línea de Dinosaur Jr. (estos nunca han bajado el listón), inflexiones vocales a la Pavement (ese delicioso estribillo de ‘Get Away‘), ese sentido del pop que desprenden Yo La Tengo (con esa maravilla que es ‘Shook Down‘ y su final distorsionado, la relectura delicada de ‘Suicide Policeman‘, o ‘Sunday‘), e incluso la osadía final de colocar la instrumental ‘Rose Gives A Lilly‘ delante de la estratosférica ‘Rubber‘, que cierra el disco con aroma a Mogwai y My Bloody Valentine y que aupamos al tercer puesto en nuestra lista de mejores canciones del 2010. Así que den la bienvenida a su grupo favorito de 2011. Deben estar en el Primavera Sound 2011. ¡Qué bien empieza esto!

Mes de recapitulación y nos entran las prisas. No es un secreto que en este mes florecen candidatos sobre los que otros medios que consideramos de referencia arrojan luz en sus respectivos ránkings. Es el caso de la banda que nos ocupa, Buke and Gass, un dúo afincado en Brooklyn cuyo álbum ha sido escogido por el bueno de Bob Boilen (director del programa All Songs Considered, de la NPR) entre sus cinco favoritos del año. Una rareza que bien merecía más de una escucha, pues el señor Boilen suele tener un gusto exquisito para los debuts. En este dúo que adora ella, Arone Dyer, canta y toca una suerte de gran ukelele electríficado (“Buke”) y él, Aron Sánchez, le da a un bombo (clave en su sonido) mientras toca un instrumento hecho a mano que es una mezcla entre un bajo y una guitarra (“Gass”, así que ya tienen el por qué del nombre). Sus canciones suenan frescas y eléctricas, contundentes y salvajes, como con falda y botas de montar. Transmiten energía y felicidad. Vienen a la cabeza los Dirty Projectors por la voz (llega hasta ahí, sí) y las estructuras complejas; y PJ Harvey por algo en la actitud. Su debut lleva por título Riposte y la verdad es que apunta a discazo. Pueden escucharlos en Myspace y Bandcamp. Allí, además, pueden bajarse gratis ‘Medulla Oblongata’, tema que abre su debut, o pagar 6 euros por +/-, un EP de 7 canciones que publicaron el año pasado. En su web, por el módico precio de 12 euros (gastos de envío incluidos) pueden encargar una copia física de este EP, que les llegará con la portada estampada a mano por ellos mismos (no kidding). Riposte lo tienen via Amazon. Creo que van a convertir en adicto a más de uno. ‘Outt’ es un hitazo. Abajo un tema. Aquí, su Tiny Desk Concert. Por cierto, entre otros ilustres valedores tienen a The National, con quienes este año han girado por Europa. Casi nada.

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Los artistas antes conocidos como The Bewitched Hands on the Top of Our Heads (NT: bewitch = hechizar). La verdad es que, de cara a nombrarles, es una suerte enorme que hayan decidido proceder a semejante amputación. Decían en su día que tan extenso nombre les gustaba porque reflejaba el hecho de que el grupo, lo ven en la foto, lo integran bastantes personas. Quizás el recorte sea de cara al éxito, quién sabe. Probablemente los napoleones de Sony, modesto sello que les ha firmado, tengan algo que ver (ingenuidad). De momento, son la banda (indie) con más proyección de Reims, esa bonita ciudad medieval del noroeste de Francia, célebre por su imponente catedral de estilo gótico. Y si estos muchachos hiciesen música gótica, o pseudogótica, o siquiera medio oscura, ya tendría yo el lacito hecho, pero no. En su música hay más color que oscuridad, más sonrisa que tragedia. Con tanto componente, su pop-folk se agranda, los coros se amontonan y construyen, cuando lo hacen bien, como en su hit, ‘Hard to Cry‘, estructuras sublimes. También hay que decir que no todo lo es. En cualquier caso, estaremos muy atentos. De momento, en Spotify tienen un EP bastante jugoso (genial ‘I’m a slim‘, más coros multitudinarios; delicadamente sesentera ‘End of the night‘). Abajo dejamos dos vídeos: el primero correspondiente a su reciente aparición en la Blogotheque (interpretando la mencionada ‘Hard to Cry’); y el segundo con el videoclip de ‘Sea‘, canción con la que presentan Birds & Drums, su primer álbum, que puede comprarse en Amazon.fr por 8€ (bonita portada). Anoche compartieron el Zénith de Paris con LCD Soundsysem. Nivelón.

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Amigos, compañeros, queridos lectores y lectoras. Queda una semana. Dentro de siete días servidor estará como una moto esperando a que todo salga bien, esperando que ustedes, respetado público, tengan a bien llenar el Nasti. ¿Y por qué deberían hacerlo? Pues sin duda una de las razones ha de ser los chavales de la foto: La Débil, una banda originaria de la toledana localidad Torrijos. Dato este, por cierto, que no escatimamos porque su feroz propuesta musical se sostiene sobre pilares poco o nada metropolitanos, sobre letras, de hecho, en cierto modo, antimetropolitanas, que parecen hablar de alienación, de religión, que están envueltas en una cierta amargura crítica que lo impregna todo (escuchen ‘Caso#1‘ y ‘Caso#2‘). Toda ‘Lucha perro/Vuelve héroe‘ es así: sucia, atávica, primitiva. Como la que abre el álbum, ‘Un nuevo éxito‘, con esa percusión violenta, esas guitarras rotas, esos coros gritosos de herencia indudablemente punk. Como incontestable post-rock es lo que hila los 15 minutos de ‘Karma (Nuevos Traumas)‘. Como folk de la Alameda de Osuna parece ‘El Antropólogo‘. Y todo sin dejar de ser lo mismo, de ser todo pertinente y acertado. Así es su disco debut, Lucha Perro (Everlasting), producido por Carlos Toronado (PAL) y masterizado por Sonic Boom (Spectrum, Spaceman3…). Un álbum con dos componentes esenciales: testosterona e hipnotismo. Dos componentes que inundan también sus directos. Mágicos por litúrgicos, por auténticos. No esperen un set list evidente, 12 canciones de 3 minutos y a casa. Aquí hay improvisación, vida, dos bateristas descamisados, temas que se alargan entre miradas cómplices, actitud infinita, experimentación y, sobre todo, una fuerza descomunal… Nuestros colegas de JNSP ya alabaron esto en su día cuando les vieron teloneando en Madrid a The Antlers. Nosotros les vimos en la sala Sol a finales de Septiembre y el flechazo fue inmediato, definitivo. Eran nuestro Plan A, dijeron que sí y el jueves que viene los tendremos en el Nasti. Confíen en nosotros: es un directo de los que no se pueden perder. Va a ser enorme. Estamos seguros. ¡Y luego pincharemos!

Vamos a contarles una historia. La historia de Nick Launay, una de las personalidades musicales del año como ahora descubrirán. Nick Launay, adelantamos, es un ingeniero de éxito, un mago de la producción, uno de los tipos más solicitados del momento cuando de mezclar se habla. Y ahí le tienen, marcando paquete, sentado sobre su mesa, mirando desafiante. Pero no siempre fue así, claro. Traten de imaginarle en su Londres natal, con ocho años, quizás con el pelo así de largo, más rubio. El chaval acaba de llegar del colegio. Su madre, la guapísima modelo Eve Launay anda con prisas por la casa. Su padre, el (al parecer muy exitoso) escritor francés André Launay está más calmado. Ha tomado una decisión, quizás inspirada por el trabajo de campo realizado para alguno de sus libros de viajes: dejan la city, se mudan al sur de España. A un pueblo diminuto en la montaña malagueña, un lugar bajo el poco esperanzador nombre de Frigiliana. En pleno tardofranquismo, antes de la explosión turística de la Costa del Sol. Dejan la nube por una casa modesta, entre burros y gallinas. Sin agua corriente. Sin electricidad. Allí pasó parte de su infancia este castellanoparlante que ahora, ironías de la vida, vive precisamente de eso, de la electricidad. (¿No van a dejar la historia a medias, no?)

Empezó a hacerlo cuando volvió a Inglaterra, en plena época del punk. Él estaba allí, absorbiendo, cuando The Jam grababan Sound Affects; él estaba allí, mirando, cuando Phil Collins hacía historia de la batería (y de la música) con ‘In the Air tonight‘… y ahí lleva estando, en la pecera, desde entonces, mandando en el sonido de algunos de los discos más potentes de las últimas dos décadas (Talking Heads, Silverchair…). Trabajando con las ideas claras, a la antigua usanza. “Yo sólo grabo en estudios donde los músicos puedan tocar en la misma sala mirándose a la cara. Mi objetivo es basicamante grabar a los grupos en un momento determinado de su carrera haciendo la mejor versión posible de cada canción”, dice. Y nada de digital. “Yo grabo en analógico simplemente porque suena mejor, no hay absolutamente nada en la era digital todavía que suene tan bien como el analógico. Y quien diga lo contrario o no ha escuchado grabaciones en analógico o no sabe hacerlas bien”.

En 2003 Launay se encargó de producir y mezclar el Nocturna de Nick Cave and The Bad Seeds y en 2007 se marcó un doblete espectacular: fue el responsable del sonido del primer álbum de Grinderman y el encargado de una de las mezclas más dificiles del año: Neon Bible, de Arcade Fire. En 2008 volvió a repetir con Nick y compañía en el Dig, Lazarous, Dig!!! y en 2009  produjo el It’s Blitz! de Yeah Yeah Yeahs. Casi nada. Pues bien, este año, Launay ha vuelto a ser el responsable del sonido de Grinderman, en su segunda entrega, y, sobre todo, ha vuelto a cargar sobre sus hombros la responsabilidad de mezclar la masa melódica de Arcade Fire en el que, sin duda, será uno de los álbumes del año: The Suburbs. Hombre del año, ya les decía. Así que, cuando se pregunten de quién son las manos que controlaron la descarga eléctrica de ‘Heathen Child‘, cuando escuchen la caja rompesuelos de ‘Month of May’ y se pregunten quién es el maestro que se esconde detrás de ese golpe descomunal que nos levanta las pasiones, sabrán a quién darle las gracias y, además, sabrán que pueden hacerlo en castellano.

Personaje:

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