Los belgas dEUS arrancaron ayer con su concierto en Madrid una mini-gira española que les llevará mañana 7 de febrero a Bilbao (Kafe Antzokia) y el miércoles 8 de febrero a Barcelona (sala Bikini). Todo viene justificado por la presentación de Keep You Close (escúchenlo en Spotify), sexto disco del quinteto, publicado a finales del año pasado casi cuatro años después del anterior, el desafiante Vantage Point. Con motivo de esta visita, pues, nuestro compañero Oriol Rodríguez interrogó brevemente a Mauro Pawlowski, guitarrista de la banda desde 2004 (que completan Tom Barman a la voz, Klaas Janzoons a los teclados, Stéphane Misseghers a la batería y lan Gevaert al bajo), acerca de este sexto disco más reposado y orquestral, de cómo se mantiene un grupo tras 20 años de trayectoria, y de su último y accidentado concierto en Barcelona.

Keep You Close es un disco que suena cálido comparado con el anterior, Vantage Point, algo más distante. ¿Os propusisteis conseguir esta evolución antes de hacer el disco?

Mauro Pawlowski: “Sí, porque aunque quedamos muy contentos de cómo salió Vantage Point, sí que pensamos que era un poco más duro para los oídos que los otros discos de dEUS. Nos acabó por dar la impresión de ser un disco demasiado frío y directo. Cuando lo escuchamos ahora, creo que hay canciones que no estaban terminadas del todo, y es por eso que decidimos hacer el siguiente, Keep You Close, más cálido y más libre en cuanto a estructura de canciones”.

Habéis dicho que decidisteis hacer este disco juntos, haciendo jams y más jams. ¿Podríamos decir que este no es el disco de Tom (Barman, cantante del grupo –ndr.) sino de dEUS como un grupo al uso?

“Los últimos tres discos fueron escritos al 50% por Tom, y el otro 50% por la banda. Pero de cara a Keep You Close, hicimos la regla de que cada canción debería evolucionar a partir de un proceso colaborativo. Eso implica mucho tiempo, pero después de muchas pruebas salió un montón de buen material, del cual solo una pequeña parte acabó incluida en el álbum tal y como lo conocemos hoy. Fue realmente interesante ver la simbiosis de ideas y personalidades de los 5 miembros del grupo, porque todos somos distintos. Ya sabemos que eso es algo que millones de bandas han hecho antes, pero para dEUS era la primera vez”.

De hecho, habéis comentado que grabasteis más de 30 canciones para el disco, todas ellas de estilos muy diferentes. ¿Es cierto que la ideal original era publicar dos discos?

“En un inicio sí, porque después de haber estado improvisando durante casi un año teníamos toneladas de material dando vueltas, y nos dimos cuenta de que no había manera humana de poder meter tantas atmosferas en un solo álbum. Teníamos baladas, temas más rock, cosas más épicas, etc… Y no veíamos cómo encajaba el puzzle. Así que un día Tom llegó al ensayo diciendo ‘tios, ¡hagamos un disco doble!’. El problema fue que en ese momento llevábamos ya más de un año y medio de trabajo, la fecha de lanzamiento estaba a solo seis meses, y ni siquiera habíamos empezado a grabar. Así que al final no lo vimos muy factible…”.

¿Y qué haréis con todo el material que os ha sobrado?

“En algún momento de este año sacaremos EPs con algunas de las canciones. Contendrán tanto descartes de Keep You Close como canciones que pese a no estar terminadas merecen ver la luz del día. ¡Pronto tendréis más noticias!

Muchas de vuestras canciones hablan de amor. ¿Es el amor el motor de la creatividad?

“El amor es probablemente el tema que inspira prácticamente a todos los artistas al menos durante la mitad de su existencia. Creo que todo depende de cómo de lejos quieras llegar a la hora de compartir esos siempre con tus oyentes. Algunos lo hacen de forma reservada, y otros con una admirable extroversión. Sin duda proporciona la dirección y el mensaje que cada canción necesita, pero de ahí a decir que determina la calidad de la creatividad me parece algo excesivo”.

Greg Dulli de The Afghan Whigs es una de las muchas colaboraciones del disco. En él, canta en un par de canciones. ¿Cómo le conocisteis y cómo acabó en el disco?

“Greg tenía concierto en Amberes y después del bolo él, Tim Vanhamel y Tom se fueron de copas. Tom sencillamente le preguntó qué iba a hacer el próximo día y lo próximo que supimos fue que lo tendríamos en nuestro estudio delante del micro. Realmente es una de las voces más grandes del rock, y fue un auténtico honor tenerle con nosotros”.

¿Cuál creéis que es la clave para la longevidad de una banda?

“La habilidad de escuchar lo que otra persona tiene que decir, el respeto mutuo, la amistad en general”.

Después de veinte años de giras y discos, ¿qué hace que sigáis en la música?

“Ser capaces de dedicarnos a esto es un privilegio. Imagina conseguir el trabajo perfecto, el que siempre habías soñado. ¿Lo dejarías en algún momento? Ya sé que no somos los Rolling Stones y que esto terminará algún día, pero por ahora seguiremos haciendo música”.

¿Cómo combinais esas ganas de evolucionar con las giras en directo? Especialmente cuando dEUS tocáis ‘Suds & Soda’ y otros clásicos cada noche…

“Nos aseguramos de tener suficientes canciones con nosotros cuando estamos en la carretera, para no tener que hacer el mismo setlist dos veces. Eso nos mantiene siempre alerta y, además, los fans nos lo agradecen mucho”.

¿Algún recuerdo especial de vuestros conciertos anteriores en Barcelona?

“El pasado verano tocamos en un festival aquí al lado del mar (se refiere al Cruïlla –ndr.). Debíamos tocar a las 23h pero por culpa del retraso de nuestros instrumentos en la aduana, tuvimos que retrasar el concierto hasta que llegaran. Acabamos tocando finalmente a las 2 de la mañana delante de solo 100 personas que, a pesar de la hora, se volvieron locas. El concierto acabó siendo uno de los mejores del verano”.

Texto: Oriol Rodríguez.

Tres escuchas. Es lo que tardó ‘El mort i el degollat‘, primer single del segundo disco de Nacho Umbert & La Compañía, en seducirme. Quizá, puede ser, fui un poco tardío. Puede ser. Pero una vez las canciones de Nacho Umbert te atrapan, no te dejan escapar. Umbert apareció, o más bien dicho reapareció, en el mundillo musical el año pasado, 2010, con Ay…, su primer disco en solitario. Pero no su primer disco absoluto, porque el tipo ya había grabado, allá por 1996 y con su grupo Paperhouse, un reivindicado disco llamado Adiós. Tocaron en el FIB, en el BAM… y lo dejaron. Por falta de ganas, por juventud, quién sabe. El resto es historia: Nacho Umbert se dedicó “a vivir“, como él mismo afirma un poco extrañado por la pregunta, y no fue hasta 14 años después que, por casualidades de la vida, volvió a coger una guitarra acústica y a escribir canciones-historia, esta vez en solitario. Lo hizo, y le salió tan bien que Acuarela publicó Ay…, un disco susurrado, costumbrista y tímido, muy cálido, hecho con la indispensable ayuda de Refree a la producción, y recibido con los brazos abiertos por la crítica musical. Ahora, apenas un año después, Umbert llega con una segunda colección de canciones, con una conexión con Refree renovada y en su punto justo, y la sensación de que empieza a creerse esto. De que ya no titubea. Aunque la declaración de intenciones viene ya en el título: No os creáis ni la mitad. Él dice que con un grupo de canciones bastante continuistas. Pero las escuchas desvelan que están mucho más limadas, con más mano de Refree (y resultados espectaculares, claro) y con una clarividencia lírica fuera de toda duda. En tres escuchas, el disco te ha seducido por completo, te han engatusado delicias como ‘El mort i el degollat‘, ‘No os creáis ni la mitad‘ o ese anti-hit que es ‘Súperhéroe‘. Y es entonces cuando nos citamos con Umbert para hablar sobre sus dos discos, hace ya algunas semanas. Y lo publicamos ahora, aprovechando que este próximo miércoles 14 de diciembre presenta el disco por todo lo alto en Barcelona (Music Hall). Así que hablemos.

¿Te hace ilusión ver tu disco en las tiendas todavía a estas alturas?

“Sí… claro. El primero me hizo ilusión, en el Fnac estuvo recomendado durante un tiempo. Hace ilusión, pero no soy muy fetichista con el tema. Las primeras semanas hace gracia, pero luego dejo de mirar”.

Estuviste 14 años sin hacer un disco. El año pasado sacaste el primero… y ahora, un año después, sale el segundo. Se te despertó el gusanillo, ¿no?

“Bueno, la composición del primer disco llevó más tiempo, aunque para hacerlo tardamos un año. Pero para este segundo no hemos tardado tanto, nos animamos con Raúl (Fernández, Refree –ndr.) a raíz de que saliera una canción, ‘El Sr. Esteve’, y a partir de ahí supimos que había que hacer un segundo disco. También es práctico escribir y trabajar canciones, y una vez coges el ritmo y el truco es muy natural seguir haciéndolo. Este segundo disco es muy continuista, es otra colección de cuentos, de historietas, de postales o como le quieras llamar; pero es como un hermano del primero, al fin y al cabo”.

¿En qué se diferencian?

“La producción es muy distinta esta vez. Dejamos un poco la austeridad del primero. Hay más cosas, pero también hay muchos vacíos. Pero sí que hay más dinámica, más potencia a nivel emocional… el otro pasaba más de puntillas. Este es más potente. Yo estoy muy contento de cómo se relacionan los dos discos”.

¿Cómo lo has compuesto?

“He ido haciendo canciones mientras pasaba la vida. Las presentaciones y entrevistas del primer disco han durado mucho, porque a mí no me conocía ni mi abuela cuando salió el primer álbum (risas). Y todo ha ido lento, pero ha sido muy chulo. Ha ido funcionando muy bien, y poco a poco ha ido interesando más, a un ritmo muy tranquilo. Y como iba tranquilo, yo seguía con mi trabajo (como no puede ser de otra manera) e iba haciendo canciones”.

Curiosamente, esta primera canción que hiciste es en catalán, pero en el disco solo hay otra en este idioma (‘El mort i el degollat’, el primer single)…

“Bueno, ‘El Sr. Esteve’ es mitad en catalán y mitad en castellano. Es un homenaje a mi familia: el ‘Sr. Esteve’ es como mi padre llamaba a los señores con Mercedes. Al final ha quedado como figura dentro de la iconografía familiar… Yo los llamo Sr. Esteve. Y pensé que, ya que hablaba de la burguesía catalana, sería significativo utilizar dos idiomas, el catalán y el castellano. Cuando paso a castellano es porque hablan los hijos…”.

De hecho, esta canción precisamente y el resto del disco recuerda bastante al último álbum de Refree, Matilda. Al ser el productor de los dos discos, ¿hasta qué punto tiene influencia en tus canciones?

“Quizá te recuerda a ‘Sr. Beltran’… Pero es que no puede ser de otra manera, es el productor, hace los arreglos y toca casi todos los instrumentos del disco. ¡Lo grabamos en su casa, de hecho! Excepto las baterías y los vientos, el resto lo hemos hecho él y yo quedando tardes y noches. Las canciones son mías, esa es mi identidad, pero es normal que se note a Refree, y yo ya juego a eso. Él tiene mucha personalidad, y yo le doy mucho espacio para que haga y deshaga. Es como un dúo creativo, yo le llevo la canción en su estado más puro (guitarra y voz) y él trabaja a partir de ahí. Ya me han dicho que recuerda a Matilda… pero es que son muy cercanos, y Refree está muy dentro de los dos discos. Son diferentes, porque las canciones están hechas por personas diferentes, pero tenemos muchas cosas en común”.

¿Cómo os conocisteis, de dónde viene esta relación?

“Le mandé una maqueta de cuatro canciones del primer disco, porque me lo habían recomendado como productor del disco. Yo no conocía a nadie aquí, y en Acuarela mostraron interés en sacar el disco, propuse a Refree y me dijeron que era la mejor opción que podía haber escogido. Así que le envié la maqueta, le gustó, y ahí empezó todo”.

¿Ya te has reinsertado un poco en el mundo de la música en este año?

“(risas) Sí, claro, voy conociendo a gente, aunque tampoco te creas que mucha. Al venir tan de fuera y al estar empezando con la edad que tengo, todas mis amistades no tienen nada que ver con la música. Pero es curioso porque me he encontrado con Antonio Luque (Sr. Chinarro) o a Jota (Los Planetas), a quien conocía de mi época en Paperhouse, y que ahora son como tótems. Aunque yo soy un poco un satélite”.

Te sigue planteando esto de la música como algo paralelo, ¿no?

“Sí, una doble vida. Sin demasiados planes. Estoy contento, y estoy a verlas venir. Si me va bien, adelante; pero me gustaría seguir con la libertad que tengo ahora, de hacer discos cuando tengo algo que contar. No me gustaría que pasaran otras cosas, ni estar forzado. Mientras me lo pase bien… al final todo se reduce a esto. Yo estoy muy contento, no me esperaba que en un momento así estuviera haciendo eso. Ahora ya hace tres o cuatro años que estoy metido en esto, pero me llegas a decir hace cinco o seis años que ahora estaría subiéndome a escenarios, haciendo discos, con Facebook, con fans y todo eso, y me hubiera reído. Es como una aventurilla”.

¿Quizá porque ya pasaste por todo eso en Paperhouse?

“En realidad no. Con Paperhouse no nos lo creímos nunca, y por eso lo dejamos. Mi experiencia musical con Paperhouse fue limitada. Sí, grabamos un disco y dos singles, fuimos a Nueva York a grabar, tocamos en Benicàssim y el BAM… pero era tan amateur que en ningún momento tuvo mucho futuro”.

Volviendo al disco, el título de este disco (No os creais ni la mitad) da bastante juego. Ya el primero me pareció muy entrañable (Ay…), ¿qué quieres transmitir con este?

“Los dos títulos tienen sentido en su contexto, pero el enfoque es diferente. El título del primer disco transmite una cierta inseguridad, un “¿en serio? ¿A estas alturas?” provocado por el vértigo de sacar un disco después de tanto tiempo. No tenía muchas expectativas, aunque tenía a Refree, a Acuarela detrás… Y ahora el título tiene más que ver con lo que ha pasado a raíz del disco. En ciertas entrevistas sentí un poco de pudor al ver que me daban mucha bola como escritor, también me invitaron a un festival de poesía como Cosmopoética en Córdoba… Quizá un poco demasiado. Lo que hago yo es sencillo, quizá tengo una cierta gracia para explicar historias… pero poco más. Por un lado hay el tema de que me pregunten constantemente si lo que explico en las canciones es verdad o me lo invento (que ya lo digo ahora, me lo invento casi todo), y por el otro es una especie de reflexión sobre mí: no me toméis tan en serio. A veces me incomoda un poco que se me tome demasiado en serio”.

De hecho, tus letras tienen un punto muy cercano, de estar por casa, mezclado con elementos de fantasía o magia. ¿Cómo las afrontas?

“Sí… bueno, no sé, el tema mágico está presente en algunas canciones, especialmente de este segundo disco, como la primera y la última. Pero es un tema de contraste, para que esto no sea una gran chapa… Y sí, empecé con la canción ‘No os creáis ni la mitad’, que no es la primera canción que hice pero sí fue la primera en la que entré en ese punto onírico. Es una historia que empieza pareciendo personal y gira en una serie de personajes de historias mías del anterior disco que se cuelan en la canción y cobran vida. Supongo que son influencias que no había tocado todavía, pero ya me gusta este contraste. Me gusta desengancharme un poco de la realidad”.

Eres diseñador de interiores (“decorador”, para tu padre), y supongo que a eso te dedicaste los 14 años que no hiciste música, ¿no?

“Sí, claro. ¡Que no es poco! Me hace gracia porque la gente me pregunta ‘¿y qué estuviste haciendo esos 14 años’… ¡pues vivir, coño! (risas) Ni que yo hubiera sido un Rolling Stones antes, y lo hubiera dejado… Sí, hice un simple disco, del que vendimos diez copias… Eso sí, lo llamamos Adiós, ahí lo hicimos bien (risas). Además está muy bien porque como no existía Internet no se pueden encontrar fotos apenas… aunque el disco está en Spotify. Y han colgado los singles, que me tiraría por el balcón casi. Hay uno hasta en inglés… infumable”.

Ahora que dices esto del inglés, ¿por qué sigues escribiendo mayormente en castellano si el catalán es tu primera lengua?

“Fue por una especie de inercia. Con Paperhouse no escribía en catalán por prejuicios, porque era la época del rock català y era muy duro. El castellano no era fácil pero era poco común, y en ese momento era lo que molaba, mucho más que el inglés. Y con estos dos discos de ahora fue por inercia. Yo leo mucho más en castellano que en catalán, y por eso tengo más facilidad de palabra en castellano. Pero en este segundo disco me he sorprendido mucho al escribir ‘El mort i el degollat’ y la primera parte de ‘El Sr. Esteve’ en catalán… me han salido del tirón. Es fácil escribir en catalán. Es una lengua muy tierna y muy puta a la vez… tiene expresiones y mucho juego para escribir. Eso no quiere decir que tire por este camino, todo se verá”.

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De hecho, ‘El mort i el degollat’ ha quedado tan bien que es algo así como la carta de presentación de este segundo disco…

“Sí, y hemos hecho el videoclip, que ha quedado precioso. Aunque están haciendo un videoclip para ‘Una chica espectacular’ que tiene muy buena pinta. Pero ‘El mort i el degollat’ es una canción que me encanta, y busqué a Gloria Vilches, una chica valenciana, para que hiciera el clip, porque es una expresión popular valenciana (“Li diu el mort al degollat: qui t’ha fet eixe forat?”). De hecho el videoclip lo encargué hace diez meses con una maqueta grabada con el iPhone… porque es stop motion, es collage, han tardado diez meses en hacerlo, ¡en una jornada de diez horas sacaban 15 segundos!”.

¿Algún secreto del disco para terminar?

“Por ejemplo, ‘Superhéroe’ duraba el doble, es una canción capada. De hecho es la parte final de una canción. Cosas del productor. Estuvimos una semana discutiendo y me convenció… y ahora reconozco que ha quedado mejor. La parte de antes contaba toda una historia bastante larga sobre las primeras citas: todos hemos sido un superhéroe alguna vez. Me imaginaba una primera cita en un restaurante con la chica o el chica, con toda la artillería que podemos llegar a sacar, en dos horas. Y la canción iba de esto. Y ha quedado muy abierta al final, pero me gusta mucho”.

Ezra Furman comienza esta noche en Zaragoza (La Lata de Bombillas) su incursión española dentro de la gira europea en solitario en la que está inmerso. Mañana tendría que haber ido a Bilbao pero el concierto se ha cancelado, así que la segunda oportunidad para verle será este mismo domingo 27 de noviembre en la sala Music Hall de Barcelona, inauguración del ciclo Blogged By Indiespot y acompañado de los dos grupos más votados de nuestra selección: Louisiana y Estúpida Erikah. La visita de Ezra Furman servirá a modo de presentación de su tercer disco junto a The Harpoons, el formidable Mysterious Power, un trabajo maduro pero igual de incisivo, en el que Ezra despliega todo su potencial como compositor y magnético intérprete. Pero servirá para presentar más cosas: primero, un maravilloso nuevo single compuesto por ‘Doomed Love Affair’ y ‘Penetrate’, de marcada influencia dylaniana y que pueden escuchar y descargar al precio que quieran aquí; y segundo, para comprobar cómo se desenvuelve el amigo Furman en solitario, puesto que para 2012 tiene previsto editar, pues eso, su primer disco completamente en solitario. Y la cosa, ciertamente, promete. Para hablar de todo ello le hemos hecho algunas preguntas a Ezra Furman, y este es el –surrealista– resultado.

¿Por qué decidiste girar por Europa en solitario si tienes que presentar un disco que grabaste con banda?

Hemos hecho muchos conciertos ya como banda. Siempre está bien recordarle al mundo que soy un artista que puede valerse por sí mismo. A veces tienes que tomarte algunas semanas y reducir la música a su esencia más pura. Esquilar al animal y quedarse solo con los huesos, como si dijéramos.

¿Cómo lo has hecho para trasladar las canciones de Mysterious Power a un formato acústico?

La mayoría de las canciones nacieron como versiones acústicas, que escribí yo solo en una guitarra acústica. Así que lo que estoy haciendo es simplemente mostrar a la gente qué había antes de que el grupo hiciera su magia con ellas. Creo que tienen otro tipo de magia completamente distinta, pero la siguen conservando. De hecho, hay algunas canciones que no puedo hacer sin la banda, pero al mismo tiempo hay muchas que solo puedo hacer yo solo. Se trata de derrotar a la canción, de conseguir llevarla a tu terreno, logrando que haga lo que tú quieras que haga. A veces las cosas se ponen feas.

También preparas un disco en solitario para el próximo año. ¿Por qué hora, y cómo lo planteas?

El disco en solitario es el resultado de mi tiempo libre alejado de las giras, de cuando fui a vivir a una casa llena de freaks, músicos, exconvictos y gente rara. En el ático había un estudio de grabación. Así que simplemente no pude esperar. Tenía que ver de qué era capaz. Y eso me gusta. En ese tiempo, me sentía un poco estancado en el ‘modo rock n roll’, y quería tener la habilidad de usar todo tipo de instrumentos y conseguir algo raro que sonara como algo completamente distinto. Esa es la manera en la que surgió el disco. Podrás juazgar por ti mismo cuando se publique en febrero.

¿Cuánto tardas en escribir una canción?

A veces tardo quince minutos. A veces tardo tres años. Literalmente. Hay una canción en el disco en solitario que estuve escribiendo durante tres años. En realidad es la canción la que decide cómo de duro tienes que trabajar en ella. La canción está al mando. Yo solo me esfuerzo para tratar de esta a la altura. Es un pulso duro, y cuando estás escribiendo, normalmente es la canción la que gana.

¿Y dónde escribes mejor?

En el tejado de una central nuclear de la zona. Así todo sale bien deformado y con mutaciones. Justo como me gusta.

Más allá de Bob Dylan, ¿qué dirías que hay en tus canciones?

Bob Dylan está muy dentro de mi cerebro, sí. También Buddy Holly y los Sex Pistols. Pero creo que mis primeras canciones estaban muy influenciadas por Billy Joel y Limp Bizkit. Era joven. De alguna manera, todo lo que has escuchado alguna vez en tu vida acaba asomando en la música que haces.

¿Recuerdas la primera canción que escribiste?

Antes de tocar cualquier instrumento, hacía pequeñas canciones y escribía las letras en el ordenador de mi madre. Planeaba discos enteros repletos de canciones. Me inventé una carrera imaginaria entera que cambiaría el mundo. Era terrible.

¿Lo mejor y lo peor de estar de gira?

Me gusta la sensación de estar en movimiento. Saber que no hay vuelta atrás: vas donde te toca, y te vas a mostrar a ti mismo enfrente de la gente te guste o no. Lo malo de todo ello es la soledad más absoluta y viciosa, y el aburrimiento.

¿Estar de gira sin banda es mejor o peor de lo habitual?

Es mejor porque tengo más tiempo para mí. Es peor porque tengo más tiempo para mí.

¿Qué recuerdas de tus pasos por Barcelona y del Primavera Sound?

Todo lo que recuerdo son nubes de humo, españoles medio desnudos y un bombardeo continuo e imparable de rock and roll. Bueno, y que algunos monumentos de Gaudí eran bonitos.

¿Y bandas de Chicago que debamos escuchar?

Empezad por Umbra and the Volcan Siege. Seguid con David Safran. Avanzad hasta la mitad con Joe Pug y quizá girad a White Mystery si os sentís con ganas de aventura. Y para los días verdaderamente duros, siempre está el legendario Hubert Sumlin.

“Ahora lo mejor que puedes esperar es que te coja Subterfuge y te lo roben todo”. Ir de cañas por Madrid es la mejor manera de analizar las particularidades de la fauna humana que habita tan demente ciudad. Un buen contexto para despotricar contra las multis, reconocer el amor de madre y admitir que son malos tiempos para la lírica y, ya que estamos, que La Movida no fue tan buena idea. ¿Dónde se cuecen estas conversaciones? Fácil: en una de las infinitas tascas que florecen en las inmediaciones de Plaza de España. Allí se observa una peculiar escena. El lugar parece bastante castizo. En la barra, pinchos de tortilla. Mesas de madera oscura. Barriles vacíos de cerveza que hacen las veces de asiento. Un puñado de parroquianos, de entre 40 y 60, degustando sus dobles, y a mi izquierda un hombre le enseña al barman unos discos. “Mira, éste es fantástico”. En mi cabeza flotaban cientos de posibles, pero jamás hubiera pensado que podría ser el Let’s get out of this country, de Camera Obscura. Fíjate tú. La conversación pinta interesante, y justo entonces aparecen por la puerta Edu García (guitarra y efectos, primero por la derecha en la foto de arriba) y Mario Zamora (teclado y sintetizadores, segundo por la derecha), de Lüger. Para los despistados: grupazo nacional, de canciones orgánicas. Aquí su bandcamp para más información.

Después de saludar al camarero (“es colega, tiene un poster nuestro en la puerta”), buscamos un sitio para sentarnos y empezar la entrevista. Les pregunto por qué han elegido ese lugar para charlar:

Mario: El tabernero es un buen amigo, además es coleccionista de discos. Radio City está aquí al lado, mucha gente compra discos allí y se viene aquí a tomar unas cañas y hablar de música.

Edu: Eso, el que tiene dinero para comprar discos.

Mario: El que no tiene dinero para discos viene aquí y se emborracha. Y luego dice que no tiene dinero para comprar discos.

Así son Lüger: relajados y con humor. La compañía perfecta para irse de cañas. Aunque no todo es tan amable como la hora del vermut. Edu: “Madrid te ataca. Si no viviéramos en Madrid no haríamos esta música tan esquizofrénica”. Esquizofrénica como en ‘Dracula’s Chauffeur Wants More’, uno de los temas de su último disco, Concrete Light: teclados espídicos, explosiones de guitarra. Muy peliculero todo.

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Precisamente el cine deja su particular huella en la forma que tiene Lüger de hacer música. Edu: “Mi madre siempre lo dice, que lo que hacemos es música para pelis”. Mario: “Mi madre también, ella dice que las canciones más ambientales que tenemos son muy de banda sonora”.

¿La opinión de vuestras madres es importante a la hora de sacar adelante canciones?

Mario: La opinión de una madre es importante para todo.

Edu: A la mía le enseño las entrevistas y los vídeos de Youtube. Me echa broncas cuando digo algo que no debía. Es como un manager al que no se le hace caso.

Mario: La mía viene a conciertos, aunque no aguanta la música y luego dice que es bastante ratonera.

Aceptamos ‘ratonera’ como la mejor definición, signifique lo que signifique. Sintetizadores pinkfloydianos, sítares, Dráculas y monos en las letras… y se llaman como un arma del ejército alemán, fetiche de miles de pelis bélicas. Esto sólo es una parte: también han girado por los principales festivales nacionales, y han sacado  dos discos. Dato importante, empezaron en 2009: “Nunca hemos estado más de un mes sin tocar desde que empezamos, eso no te da tiempo a pensar cosas nuevas, ni a pensar en general. Necesitamos un parón. Llevamos todo, aparte de la música: promo, distribución… las canciones no suponen ni el 10% de nuestro tiempo”.

Pero así sabéis dónde queréis llegar. No le rendís cuentas a nadie.

E: Claro, pero a veces nos gustaría tener a alguien que se ocupe de la gestión para poder ensayar más tiempo.

¿Lüger tendría lugar fuera de la autoedición?

E: Este último lo hemos autoeditado a medias con Marxophone, que son nuestra agencia de contratación. Cumplen con su papel, aunque queremos controlar ciertas cosas de nuestro trabajo. Por un lado está la parte artística, y por otra está lo que funciona para la gente.

M: Hemos tocado techo, este año hemos estado en muchísimos sitios: Primavera Sound, El Día de la Música, Sonorama… ahora nos toca pensar si tiramos por otro lado o qué hacemos. No creo que esto tenga más chicha en cuanto a promoción.

E: Teniendo en cuenta el tipo de grupo que somos, sabemos que no nos vamos a convertir en Vetusta Morla pasado mañana. Hay que ser realistas.

M: Alucinamos un poco con la repercusión que hemos tenido, dentro de nuestros límites. Bastante es que se hable de nosotros, haciendo este tipo de música. No hacemos nada rarísimo, pero para ser España es arriesgado.

Imaginad que algún día sois el grupo más conocido de España. ¿Os sentiríais cómodos?

M: No tiene que molar nada, lo único sería si la condición fuera seguir haciendo lo que queremos. Y tener mucho dinero.

E: Para comprar discos, venir aquí de cañas…

Vuestras canciones suenan muy orgánicas, como un extraño animal que se mueve y respira.

E: Nuestras canciones son muy simples, las tocaría un niño de cinco años. Lo que pasa es que mezclamos más instrumentos de los habituales. Técnicamente somos muy limitados. Menos es más siempre; si somos limitados, más; y si además somos cinco, más aún. Porque si no, se hace un batiburrillo.

M: Soy de los que creen que tener mucha técnica te termina por limitar. Estás juzgando en todo momento si lo que haces es académico o no, si los acordes son correctos según tal o cual escala… y ojo, que a mí me gustan Soft Machine y me escucho encantado su discografía.

E: Pero por cada Soft Machine hay cincuenta Pat Metheny o George Benson, que no hay quien se los fume. Hay mucho jazz-fusión chungo de ascensor por ahí.

¿Qué estilo jamás adaptaríais?

M: Precisamente el jazz, porque no lo sabemos tocar.

En otra entrevista comentáis que vuestra forma de tocar y grabar es muy democrática. Muchos dicen que vuestras influencias son psicodélicas o del krautrock, pero esa visión tan horizontal de la música, donde todos los instrumentos aportan lo mismo, es claramente jazzística…

E: Más que el jazz, el free jazz. Muchas veces en el jazz clásico es el piano o la trompeta quienes llevan la voz cantante. En el free jazz se ve más el rollo de “Todos a una, Fuenteovejuna”.

M: “O follamos todos o la puta al río”.

E: También, también, no quería ser soez.

M: El rollo democrático en nosotros viene porque llegamos al local de ensayo y no tenemos nada preparado desde casa. Se pone uno a tocar y el resto le sigue. Por eso es sencillo: si separas las partes y oyes la batería o la guitarra por separado ves que no estamos haciendo nada.

Vuestro directo es bastante fuerte a veces, y coquetea con el metal progresivo de grupos como Tool. ¿Es una influencia?

E: No.

M: Más cerca de Black Sabbath, quizá…

E: De pequeño escuchaba mucho metal, pero el rollo este más moderno… de Tool, hasta el Ænima. Después no hay quien se los trague. El Lateralus lo veo muy frío. Me pasa lo mismo con Nine Inch Nails. La idea no está mal, pero el sonido es tan perfecto y tan frío que pierde la gracia.

Dos discos en dos años. ¿Habrá tercero el año próximo?

E: Seguramente. Todo el mundo nos dice que es mala idea.

M: Si viviéramos de esto, sacaríamos tres discos al año.

E: No, al revés, si viviéramos de esto e hiciéramos caso a la gente que sabe del negocio…

M: Si tuviésemos la pasta suficiente para darnos el capricho de no tener que vivir de esto, habría tres discos al año. Al final sale el 10% de la música que pensamos. El problema es el tiempo.

Habéis hablado de la necesidad de crear un organismo como la SGAE pero que defienda el copyleft.

M: La Fundación Robo está haciendo historias, y luego David Aristegui está defendiendo el copyleft a través de nodo50.org. Trabaja con un pequeño manifiesto, una llamada a los artistas españoles a usar Creative Commons. Nosotros mismos difundimos nuestro trabajo a un precio libre, incluso gratis.

E: No vamos a ganar dinero haciendo esta música. Regalamos nuestro primer disco, y se agotó. Quinientas copias en vinilo. A las pruebas me remito. Funcionó a un nivel pequeñito, pero, por ejemplo, las multis no sacan muchas más copias en ese formato.

M: Es una tontería ver la piratería como un problema. Nuestros padres copiaban casetes para recomendarse música de Serrat o de Víctor Jara, y luego iban a los conciertos.

Estuvísteis en EEUU, en Francia… ¿veis mercado allí?

E: Sí, pero estás más en tensión.

M: Quince conciertos en veinte días, es demasiado.

E: Pero la gente se portó genial. Nos acogieron en su pequeño circuito de conciertos, dormíamos en su casa… hasta sonamos en WFMU. Flipante.

M: Las radios generalistas de aquí, e incluso las independientes, como Radio3, que de independiente tiene cero, están centradas en un estilo muy cerrado. En EEUU, en cambio, suena cualquier música.

E: Y luego a esa radio van Yo La Tengo o Sonic Youth a tocar por la cara, porque reconocen la labor que hace esa emisora y el valor cultural que tiene. Todo el mundo apoya: los oyentes con sus donaciones, los grupos, etc.

¿Qué le falta a este país para que pasen ese tipo de cosas?

M: No es que falte, lo que sobró fue el franquismo.

E: Y aquí todo el mundo va al negocio. En Madrid no hay salas que programen ellas mismas, salvo Gruta77, que va a su rollo. No hay nadie que se sienta orgulloso por traer grupos, sino que se sienten orgullosos porque se están forrando.

M: Aquí es un pillaje. Otra forma de hacer dinero. En EEUU se ve como otra forma de vida.

E: Luego hablan de los americanos como los más individualistas. Pero allí la misma gente del público te ofrece dormir en tu casa. Eso no pasa en España.

M: Volviendo al franquismo, durante esos años de cerrojo hubo mucha música que se hacía fuera de España, y que aquí no entró. La gente en Francia controla mejor de música, como lo de Chalon sur Saône, donde tocamos en un matadero antiguo cedido por el ayuntamiento a las asociaciones culturales.

E: Aquí eso se lo ceden a Red Bull, a Heineken… a gente que hace negocio, no cultura. Lo más parecido es la Tabacalera de Madrid.

Habrá quien piense que vuestro sonido pide lugares más adecuados para explotarlo al máximo, como auditorios, aunque vuestra actitud encaja mejor en las salas corrientes… ¿tenéis alguna preferencia?

M: En un teatro me fliparía.

E: A mí con niños, en un colegio.

M: Disfrazados de Reyes Magos, tocando la guitarra.

E: Son el público más auténtico. No saben quién eres, ni la música que haces, les da igual. Si les mola saltan, si no, llaman a su padre para que se vayan a casa. No hay trampa ni cartón.

Últimamente, parece que hay una mini-ola de grupos que, sin tener nada que les una, comparten cierto sonido perturbador (Ornamento y Delito, Odio París, Disco Las Palmeras!). ¿Es casualidad o no?

E: Conocemos a Disco Las Palmeras! y lo único en lo que coincidimos es en meter ruido. Venimos de sitios muy diferentes. No tenemos un pasado común, ni mucho menos.

M: Lo único común es que queremos hacer algo diferente. Hay grupos que no tienen dónde meterse, y terminan juntándose.

E: Con ellos tenemos una relación de hermanamiento. Una vez se nos jodió la furgoneta, y en lugar de cancelar el bolo con ellos, nos consiguieron otra furgoneta, nos la trajeron… se esforzaron. Nos tenemos cariño. En la forma de hacer las cosas vamos del mismo palo. Intentamos apoyarnos.

Si nos salimos de lo musical, hay quien puede ver en el momento actual un buen caldo de cultivo de músicas que transmitan rabia, como en su tiempo pasó con el punk…

M: No nos llama la música politizada de manera explícita. Nos gusta más el trasfondo, la mala leche.

E: Si viviéramos en el Puerto de Santa María haríamos una música más relajada y bonita. No es el caso.

¿Creéis que la música puede cambiar las cosas?

E: A la gente se la suda.

M: El rollo de hacer música diferente se seguirá manteniendo, pero va a ser más clandestino de lo que es. No va a afectar directamente a la sociedad. Los grupos en lugar de buscarse una discográfica se lo montarán por su cuenta, se currarán las portadas a mano, sacarán tiradas de 200 copias….

E: De todos los amigos que tengo metidos en discográficas, ninguno está contento. Todos están pidiéndonos consejos. Mantener una estructura grande donde hay que pagar a gente viviendo de la música no es factible en muchos casos. No es culpa de las discográficas, pero han vivido en un mundo donde esa industria no…

M: (Interrumpe) Con la Movida hubo un boom brutal, y vinieron aquí muchas filiales de las multis. Tenían un huevo de dinero que invirtieron en grupos de mierda que habían tocado dos veces. No digo que fueran buenos o malos, pero de pronto se vieron con un contrato multimillonario. Es curioso porque ahora hay mucho más talento y la gente está más formada, y no hay medios para difundir eso. Ojo, no estoy despreciando para nada la Movida. Derribos Arias eran maravillosos, estuvieron en el momento adecuado, sacaron un contrato para grabar tres discos y vivir guay. Era el todo vale.

E: Ahora lo mejor que puedes esperar es que te coja Subterfuge y te roben todo. Los sellos ahora se meten en temas de management y de contratación, porque vendiendo discos no hacen dinero. Pero seguro que hay otros peores. Las multis están perdidísimas, pasarán de vender música a aparatos que reproducen música. El mundo evoluciona, si no han sabido adaptarse es su problema. No vamos a parar la evolución para que ellos tengan su ranchito.

M: Ahora la gente se limita a sobrevivir. No busca vivir bien. En la música es igual. Sólo tenemos dos condiciones: pasarlo bien y no perder dinero.

Pensaba que las mujeres formarían parte de esa fórmula…

E: Las mujeres son lo mejor que hay, pero no tiene que ver con esto.

M: Volvemos a hablar de las madres. Tienen un peso importante. Hasta para opinar de las mujeres.

Entrevista – Álvaro Ramírez
Fotos – Mariano Regidor

El pasado 21 de noviembre de 2010, coincidiendo con la visita de Arcade Fire a Barcelona, tuvimos la ocasión de pasar 15 (estrictos) minutos con uno de sus miembros, Richard Reed Parry (en la foto, el más alto), para elaborar un artículo que aparece en la revista Rock Zone de este mes (por cierto, acaban de estrenar televisión). Gracias a ellos, sin embargo, ahora que la revista lleva algunos días en la calle, nos han permitido publicar la entrevista íntegra en indiespot, aprovechando que se trata de Arcade Fire, sin duda el grupo del año. No en vano, su reciente The Suburbs fue coronado como mejor disco internacional de 2010 para nosotros, y el susodicho concierto, en el Palau Sant Jordi de Barcelona, como el mejor (también) del año. Una buena manera de culminar un año espectacular, de hacer balance de su ya notoria trayectoria, y de conocer un poco mejor a Richard Reed Perry, multiinstrumentalista (toca desde la guitarra a la batería, pasando por el doble bajo, los teclados o el acordeón), que según cuentan es el miembro más cercano al núcleo duro del grupo, que forman el cantante Win Butler y su esposa, Régine Chassange.

¿Qué tal fue el concierto de anoche en Madrid?

Genial, el público fue increíble.

¿Tenéis malas noches vosotros también? ¿De qué dependen?

Claro que las tenemos. Depende de todo… el público ayuda mucho. En España es increíble.

The Suburbs es un disco realmente ambicioso, ¿estáis sorprendidos de que haya sido tan bien recibido?

No sé si sorprendido… supongo que sí. No acostumbro a leer muchas revistas, pero sé que las críticas han sido positivas. No diría que estoy sorprendido, pero es genial que la música esté conectando con la cultura y la gente. Tiene sentido para mí, viendo lo que ha pasado hasta el momento.

¿Ha sido un disco difícil de hacer? Veníais de una gira larguísima, es un disco grande, con 16 temas…

Fue difícil, y largo. Hacer discos es complicado. Este grupo se vuelve bastante microscópica sobre algunas cosas, y es un disco largo… demasiado largo. Pero está bien, tiene sentido que sea tan largo, creo. Básicamente, en vez de hacer un disco, hicimos dos álbumes llenos de canciones: así que sacrificamos algunas, y el resto están en The Suburbs. Podría haber sido más largo de lo que es. Pero es complicado, sí, estar en este grupo es complicado. Mucha gente. Muchas ideas.

¿Cómo trabajais las canciones con tanta gente?

Trabajamos las cosas en pequeños grupos de gente, de tal manera que no haya más de tres personas dándole vueltas a algo a la vez. Y sí, cuando improvisamos y lanzamos ideas, somos más gente (nunca todos), y todo se vuelve un poco más caótico (risas). Pero lo dividimos en grupos más pequeños y nos funciona.

Y el hecho de que el álbum tenga 16 canciones, divididas en bloques de cuatro en el vinilo, ¿eso es intencional?

Sí, lo es. Completamente. No desde que empezamos, claro, pero queríamos que fuera largo y cuando empezamos a trabajar con las canciones, empezó a ser bastante claro que se podía dividir en mitades y cuartos, y que se podía escuchar bien en pequeños trozos.

Es vuestro disco más diverso, además…

Sucede naturalmente en este grupo lo de escribir canciones diferentes y de diferentes estilos. Y sí, tampoco es que sea nuestra misión hace un disco súper diverso, pero es algo que sucede.

¿Y quizá ahora estáis más liberados para hacer lo que os venga en gana?

Claro. Funeral es un poco caótico también, estilísticamente diverso, aunque no tanto como The Surburbs. Y Neon Bible… no. Ese disco es como un túnel.

¿Cómo encaja tu rol como multiinstrumentalista en el grupo?

No creo que tenga solo una función dentro del grupo, y por eso creo que funciona. Personalmente tengo muchas capacidades diferentes, y las canciones son tan diferentes unas de otras que siempre acabo tendiendo a hacer algo distinto en cada una de ellas. No planeé que las cosas fueran de esta manera, pero así salió y ya me va bien (risas). Me gusta tocar diferentes instrumentos, y siempre intento aportar el que mejor encaje con cada canción.

¿Tu instrumento favorito?

El doble bajo. Es muy divertido y no lo toco demasiado. Y también me encanta tocar la batería.

¿Habéis notado un gran cambio en popularidad, un salto adelanta real con este disco?

Sí, sin duda. Es imposible no darse cuenta de ello. Estamos tocando para cantidas de público enormes.

¿Y cómo lo lleváis en cuanto a dinámica de grupo, de giras, etc?

Es raro, las cosas son distintas ahora. Es duro conectar personalmente con una gran cantidad de público que te está mirando, así que durant emucho tiempo lo dimos por imposible y nos tuvimos que retraer un poco y tocar centrándonos mucho en nosotros. Era mucho más fácil cuando tocábamos en clubs, porque al ser tantos encima del escenario, conectábamos al instante, transmitíamos esa energía que estábamos dando. Ahora es más complicado, y dejamos que sea la música la que lo diga. Y claro, podemos usar la producción del escenario, los vídeos y las pantallas, etc. Al final dejas de forzar el hecho de intentar conectar con la gente, te relajas y terminas acostumbrándote. Y esperar que al final se consigue algo.

¿Y eso es lo que pasa con los festivales y vuestra reticencia pasada a tocar en ellos?

Es complicado, aunque ahora que tocamos en recintos tan grandes, la diferencia entre un concierto normal y uno en un festival es más pequeña, son menos diferentes. Cuando tocábamos en salas para 2.000 personas todo era muy intenso, y luego nos plantábamos en un festival y había demasiada gente, era una locura. Pero ahora que nuestros conciertos son ya bastante grandes, no nos cuesta tanto. Durante un tiempo fue un inconveniente, pero igual que todo lo demás, lo vamos asumiendo.

¿Tienes miedo de que esto se haga todavía más grande?

No sé si puede hacerse más grande… Bueno, supongo que sí. Podría ser más grande, pero seguiríamos tocando en los sitios que tocamos ahora, solo que lo haríamos dos veces, y tomaríamos un avión después del concierto en vez de un autobús. No creo que cambie gran cosa de cómo es ahora. Tenemos una suerte inmensa ya de por sí de haber llegado hasta aquí, y vamos a tratar de usarlo de la mejor manera posible. Por ejemplo, pienso en U2, y ellos son el grupo más grande del mundo. Y pienso: ‘vale, genial, están tocando en el mismo sitio que tocamos nosotros, pero ellos lo hacen tres noches’. Una vez estamos detrás de la cortina en el mundo del rock de estadio, solo nos queda asumirlo y tratar de hacerlo lo mejor posible.

Tras el pelotazo que supuso ‘Future Sex‘, la canción del “orgasmatron” que acabó sonando en todas las discotecas indie durante un buen tiempo; tras la extensísima gira que los llevó por toda la geografía española e incluso del extranjero; tras haberse aburrido de su primer disco, con temas que ya tenían escritos años atrás; tras haber sido calificados como un simple ‘grupo del momento’ que todo el mundo olvidará pronto… los barceloneses Mendetz han vuelto. Y lo hacen con un auténtico disco, profundo, con matices, capas, colores y texturas, luces de neón, playas y camisetas de recuerdo, que rememora abiertamente la vena más fluorescente y hortera de los ochenta pero en forma de homenaje sincero, real y pensado. Souvenir es la respuesta a todo lo anterior, un gran disco que llevará a Mendetz al lugar que se merecen, que no es otro que a la cima de la música de baile hecha en este país, y todo gracias a un laborioso trabajo de meses en su estudio casero, y a un posterior viaje para grabar con el productor de United de Phoenix. Llega el verano, vuelven Mendetz, y nosotros charlamos con ellos al respecto. ¡A bailar!

¿Qué ha pasado en Mendetz desde que sacasteis el primer disco hasta este segundo?
Pablo: “Han pasado muchas cosas. Estuvimos muchísimo tiempo de gira con el primer disco, casi un año y medio sin parar, y acabamos destrozados. Hicimos como 100 conciertos, y de repente paramos en seco, nos olvidamos de la música. Hasta el punto de que casi no tocábamos ni nuestro instrumento. Luego llegaron los dos episodios de México (en abril y septiembre), y entre tanto nos montamos nuestro propio estudio en casa. Íbamos componiendo nuevos temas, pero nos ha costado muchísimo volvernos a poner”.
Stefano: “Es que el primer disco estaba compuesto en 2003 la mayoría, y salió en 2006. Dos años tocando con la maqueta, dos años más con el disco,… y de repente vimos que teníamos que componer otra vez, y nos entró el pánico. En tres años y medio hicimos 10 canciones, y esta vez tuvimos que hacer otras 10 pero en seis meses”.

¿En algún momento pensasteis que este disco no saldría?
S: “No, en ningún momento. De hecho, más allá de nuestra propia presión, no tuvimos ninguna externa”.
P: “Teníamos una fecha marcada pero desde muy temprano sabíamos que no llegaríamos, y desde Sinnamon preferían que hiciéramos un buen disco que diez ‘Future Sex’ para sacarlo corriendo”.

Y mientras escribíais el disco, ¿no hubo momentos de ofuscación?
Jan: “Sí, muchísimos. Al principio, sobre todo. Fue una decisión arriesgada decidir que lo grabábamos nosotros, que confiábamos en lo que sabíamos a nivel técnico y de producción y que haríamos el disco con un ordenador, un Pro Tools y nuestros instrumentos”.
S: “El primer disco es un disco de local, teníamos los temas ensayadísimos, alquilamos un estudio durante dos semanas y lo grabamos tal cual. Este segundo ha sido un disco de estudio. En este caso optamos por disponer quizá de menos material profesional, pero al mismo tiempo tener mucho más tiempo para desarrollar el disco, ir componiendo mientras grabábamos, etc…”.

¿Cómo fue el procedimiento?
S: “Básicamente decidimos que íbamos a grabarlo nosotros y entonces nos pusimos a componer. Abríamos un nuevo proyecto en el Pro Tools, completamente vacío, y lanzábamos allí todas las ideas. Había un momento en que teníamos seis canciones empezadas, pero sin letra, sin melodía, sin estribillo,…”.
P: “Este funcionamiento también ayudaba de cara a hacer más electrónica, porque puedes entretenerte en más cosas, producirlo, y al fin y al cabo divertirte más probando cosas”.

Souvenir es un disco que suena completo, maduro y con mucho bagaje. Cuando os lo poneis ahora, ¿de alguna manera os sorprende en plan ‘joder, esto lo hemos hecho nosotros’?
S: “A mí me sorprende muchísimo que me guste. Me lo pongo porque tengo ganas de escucharlo. El primer disco, en cuanto salió, dejamos de escucharlo, pero este nos gusta mucho cómo ha salido”.

Entiendo que sacrificasteis la grabación en un estudio a cambio de que lo mezclara Alf (productor de Air, Phoenix). ¿Qué toque creéis que le dio al disco?
J: “La idea era esta, como en teoría no gastábamos con la grabación, podíamos elegir a una persona externa e importante para que nos mezclara el disco. Alf nos gustaba especialmente por el primer disco de Phoenix, y nos lo pudimos permitir sólo para la mezcla. Fue algo completamente nuevo, porque era la primera vez que una persona externa opinaba e influía en nuestra música. Le traíamos las canciones crudas y él las reinterpretaba: le llevábamos la canción por la mañana, nos íbamos, y cuando volvíamos él ya se había fumados seis o siete porros y había interpretado la canción a su manera”.
S: “Luego había dos horas de discusión, y al final decidíamos cómo acababan siendo”.

Ninguna canción baja de los 4 minutos. ¿Entendéis el disco como un reto, de alguna manera, a los oyentes?
P: “Sin duda. Es algo que siempre hemos dicho”.
S: “Es medio reto y medio pega nuestra. No es fácil tener un ordenador delante de ti y tener a cuatro personas aportando ideas sin parar, porque luego te sabe mal no ponerlas. No sabes decir que no, y al final lo acabas poniendo todo”.
J: “Hay canciones que son hijas de otras dos que hemos acabado juntando, y tampoco es fácil unir dos canciones, construir un puente y sacar los puntos en común. Eran aventuras a última hora de la noche en casa de la abuelita (risas). Con Alf también tuvimos discusiones por eso, porque él es más partidario de la sobriedad. De hecho le prometimos que si volvíamos lo haríamos con un disco de cuatro pistas cada tema, ocho canciones y dos minutos por canción (risas)”.

Como dice la nota de prensa, en el disco hay 10 canciones pero en realidad son muchas más. ¿Cómo nace una canción de Mendetz? ¿Cuánto tardáis en completarla?
J: “Hay un tema, ‘Wolfdance’, que está compuesto desde hace tres años, y no te imaginas de cuántos temas ha formado parte ese riff, para al final dar lugar a esta canción… el riff del final”.
S: “Eso es una parte de una canción que a su vez tenía diez partes, y que fue lo primero que hicimos después del primer disco”.
J: “Es una manera de componer bastante extraña, porque componemos la melodía de voz, por ejemplo, al final. Y a veces las cosas nacen de un riff insignificante, o de una base muy pequeña”.
S: “Ha habido tardes enteras tiradas a la basura, y luego en cinco minutos, a las cuatro y media de la mañana, cuando estamos a punto de apagar el ordenador, se nos aparece la canción”.

¿Os prohibisteis de alguna manera intentar repetir la fórmula de ‘Future sex’?
P: “No, ni por un lado ni por el otro. Ni nos prohibimos repetirla, ni nos forzamos en ningún momento a hacerlo. No lo pensamos mucho, de hecho”.
S: “Siempre vas a querer un hit, siempre está bien tener uno, pero en este caso hemos estado más centrados en hacer un buen disco en conjunto, que no juntar todas las fuerzas en una canción o dos. Quizás aquí no hay ningún hit espectacular, pero sí que hay un cuerpo de disco muy sólido”.

La última canción del disco, por ejemplo, destaca bastante del resto por un aire realmente funky. ¿Por qué la escogisteis para cerrar el disco?
J: “Al principio era como un divertimento, teníamos una base como para que se pudiera rapear encima…”.
S: “Luego teníamos una línea de bajo muy negroide de Uri, y buscábamos una de esas canciones de minuto y medio que sirviera de impaso en el disco. Así que las mezclamos, y de repente se nos fue, la hinchamos, la hinchamos… y terminó así”.

Tanto el diseño del disco como las canciones son claramente ochenteras. ¿Lo planteasteis de alguna manera como un homenaje a esa época?
S: “Es como todo un pack, lo principal que buscábamos es que la imagen del disco y de toda esta nueva fase de Mendetz tuviera coherencia, y que encajaran con las canciones. Es un homenaje a la parte de nuestra infancia que no tratamos tanto en nuestro disco, como las camisetas de Souvenir de Mallorca, Sunset Boulevard, con las palmeras y tal…”.
P: “El título se nos ocurrió muy pronto, cuando quizá teníamos tres canciones sólo. Y creo que eso ha influenciado muchísimo el resto del disco”.

En este sentido, ¿cómo sería un concierto vuestro si pudierais tener todo lo que quisierais?
S: “Buf… lo querríamos todo. Ahora fantaseamos mucho con hacer dos conciertos en uno: uno hasta la mitad del concierto, como simulando un atardecer, música más relajada; y que la segunda mitad rompe del todo, y se convierte en la fiesta más radical, llega la noche, el bombo, las sierras del sinte…”.
J: “Yo pondría coristas de house, unos bailarines…”.
S: “Yo pondría una palmera en el centro y encima luces estroboscópicas. Y Pablo subiría hasta diez metros de altura con la batería, y cada vez que tocara el bombo, una luz se encendería…”.
P: “Yo pondría mozos de carga y descarga para que nos hagan las pruebas de sonido… (risas)”.

Escuchándolo, este disco parece complicado de trasladar en directo, sobre todo siendo solo cuatro. Sin embargo me comentaron en el Apolo que sorprendisteis por lo bien que lo adaptais. ¿Es muy complicado?
J: “Nos daba mucho miedo, y al final no fue para tanto. No podemos trasladar todo lo que suena en el disco, eso está claro, pero se compensa con el volumen y la intensidad del directo. Nos sorprendió que llenara tanto sólo tocando cuatro, de hecho”.
P: “Hemos pasado muchísimas horas ensayando en el local, porque estábamos acojonados. Fue terminar el disco y pensar: ‘bueno, ¿y ahora qué?’ Es lo malo de grabar un disco así, llevas un año probando diferentes líneas e ideas, y al final ya casi ni recuerdas la que se ha convertido en la canción final. Eso nos ha pasado”.

¿Creéis que con este disco podéis dar el salto del todo al extranjero?
P: “Lo que salga. Si por nosotros fuera estaríamos girando por todo el mundo todo el año…”.
J: “Con base en París… (risas)”.
P: “Con el primer disco tuvimos mucha suerte, con lo de México, Londres e Italia, pero ya veremos…”.
S: “Lo bueno de este disco es que creo que esta vez no podrán decir que somos la respuesta española a nada (nos dijeron que éramos los Franz Ferdinand o The Rapture de aquí), con lo que fuera eso también puede ayudar”.

The New Year (Touch & Go, 2008) es el peor disco de la banda homónima liderada por los hermanos Matt y Bubba Kadane pero aún así ha dejado prendado a cualquiera que lo haya escuchado. Su actuación en el Tanned Tin fue uno de los mejores conciertos del año pasado y la del Primavera Sound el pasado fin de semana fue (casi) todo lo que esperábamos. Lástima de los tajantes 45 minutos de los que solo dispusieron. A raíz de su primera gira por el estado y la activación de la campaña de promoción, hemos tenido la oportunidad de que nos contesten algunas preguntas acerca de, naturalmente, su música, pero también de la crisis, que se llevó por delante Touch & Go, la discográfica con la que han publicado sus tres álbumes, entre otras apreciadas dudas. Pueden leer la entrevista entera después del salto.

La impresión que da vuestro último álbum, The New Year (Touch & Go, 2009) parece incluir vuestro repertorio más ecléctico de canciones. ¿Es éste el motivo por el cual aún podéis seguir escuchándolo y disfrutándolo al tocarlo en directo?

Bubba Kadane: “Me gusta la diversidad y me gustan las canciones, por supuesto, pero también influyen el directo y sus texturas. El recuerdo y los sentimientos de las sesiones de grabación también me trasladan mucho”.

La evolución de vuestro sonido parece bastante pautada, ya desde los últimos Bedhead hasta ahora. ¿Habéis pensado alguna vez en dar un giro más pronunciado a vuestra música? El último álbum parece más pausado que los anteriores. ¿Tenemos que esperar un próximo disco más próximo a esta línea?

Bubba: “La verdad es que no tenemos una idea predeterminada antes de la existencia de las propias canciones. Los temas llegan gradualmente y trabajamos en ellos de forma individual hasta que conseguimos lo que queremos extraer de cada uno. Así que tampoco no tengo ninguna idea de cómo va a ser el próximo álbum que hagamos”.

Vuestro material gráfico sigue un poco la línea de vuestra música, sobria y concisa. ¿Esperáis una opinión similar del público en cuánto a la banda? ¿Esta imagen madura, sobria y tranquila?

Bubba: “Madura, sí. Tranquila, a veces, pero no siempre, depende de la ocasión”.

Yendo más allá, normalmente no lanzáis clips con vuestros singles. El vídeo de ‘The End’s Not Near‘ parece ser una excepción. Además, antes de publicar el último disco grabasteis una especie de tráilers, como se suele hacer con las películas pero no con los discos. Pero a parte de ellos, los miembros de la banda no salís en los vídeos por lo general. ¿Qué significan éstos exactamente para vosotros?

Bubba: “Los tres tráilers eran puramente promocionales, pero se invirtió mucho tiempo en ellos y creo que han acabado siendo un complemento a la música. El vídeo de ‘The End’s Not Near’ lo grabó un amigo nuestro, Kevin McAlister, quien ha dirigido varias películas también. Creo que se ajusta mucho a la canción, desde el pedaleo de la bicicleta –acorde al ritmo de la música- hasta el ambiente post-apocalíptico que hace eco al sentimiento de las letras”.

‘Folios’ y ‘The Idea Of You’ son dos canciones que encajan perfectamente como principio y final del álbum respectivamente. ¿Dais especial importancia a la eclosión y la clausura del álbum? Porque las elecciones siguen la misma línea en Newness Ends (Touch & Go, 2001) y The End Is Near (Touch & Go, 2004).

Bubba: “Sí, la verdad es que pensamos mucho en ambas. En el nuevo disco supimos que ‘The Idea Of You’ sería la última en una fase muy temprana del proceso. En cambio, antes de acabar ‘Folios’ habíamos pensado en ‘The Company I Can Get’ como primera canción. Pero después grabamos la última mitad de la primera como enlace a la segunda, y en ese punto la secuencia se solidificó. Tampoco nos lo volvimos a plantear, lo vimos muy claro en cuanto lo tuvimos grabado. De hecho, es la vez que lo hemos visto más claro en un proceso secuencial”.

¿Hay alguna historia detrás de vuestro último álbum que intentéis contar?

Bubba: “No hay una historia en sí, pero sí una unidad temática a transmitir. Aunque en general soy de la opinión que es mejor dejar que el oyente interprete el significado de las canciones libremente”.

Sobre The End Is Near, una pequeña curiosidad: ¿Por qué titulasteis la primera canción, ‘The End’s Not Near’, como la negación al título del disco? ¿Hay algún guiño en eso?

Matt Kadane: “Si miras el título del disco y el título de la canción de manera conjunta, sí que se adivina una especie de contradicción, que es deliberada. Pero la primera línea de la canción dice ‘the end’s not near, it’s here’ (‘el final no está cerca, está aquí’). El título y la primera línea de la canción intentan asemejarse a un diálogo interno, con un ‘no’ probablemente entendido entre el título y la frase: ‘The end is near. No, the end’s not near, it’s here’ (‘El final está cerca. No, el final no está cerca, está aquí’)”.

Una característica constante en vuestras canciones es que parecen muy sinceras. Suponemos que algunas lo son, pero que hay otras que no. ¿Hay alguna en especial que tenga esta pretensión desde la primera hasta la última línea?

Matt: “Si lo que preguntáis es si el significado de las canciones es personal, te diría que la gran mayoría sí. Probablemente cada palabra de ‘MMV’ refleja mi punto de vista, mi perspectiva vital. Pero ‘Seven Days and Seven Nights‘, por el otro lado, se toma algunas libertades artísticas. El personaje de la canción se toma una semana de vacaciones cada año y durante esa semana ve cuánto ofuscado está a causa de su trabajo. Puedo condolerme con el personaje de la canción, aunque por fortuna puedo considerar mi vida bastante mejor. Así que podríamos decir que sí, que hay de todo”.

Vivís en ciudades distintas. ¿Cómo os apañáis para componer?

Bubba: “Para empezar trabajamos separadamente en la música y luego nos pasamos los archivos a través de internet. Algunas veces al año nos reunimos para trabajar juntos en la música y grabar algunas demos si hace falta”.

¿Es esta forma de trabajar la única forma de asegurar vuestra continuidad como banda y como compositores?

Bubba: “Probablemente no sea la única forma, pero lo hemos estado haciendo así durante bastante tiempo y nos va bien”.

Publicáis un nuevo álbum de The New Year cada tres o cuatro años. ¿Tendremos que esperar hasta 2012 para el próximo?

Bubba: “Esperemos que no”.

Nosotros también. En febrero supimos que Touch & Go Records dejaría de lanzar álbumes. ¿Qué vais a hacer? ¿Cómo os ha afectado esta noticia? Recuerdo haber leído que dijisteis que en toda vuestra trayectoria conjunta nunca os habíais planteado dejar de trabajar con el sello.

Bubba: “Todo esto que envuelve el cierre de Touch & Go es un golpe para los artistas del sello. No sabemos qué haremos, pero como no tenemos ningún lanzamiento a la vista y las cosas en el panorama musical parecen cambiar casi cada semana, no estamos especialmente preocupados. Tenemos algo de tiempo para poner las cosas en orden”.

¿Cuál es vuestra principal intención en directo? ¿Queréis reproducir cada sonido del álbum o procuráis comunicar algo más allá cuándo tocáis?

Bubba: “Queremos ser fieles –al menos en espíritu- a lo que consideramos que son las versiones definitivas del disco, pero las cosas son contextualmente distintas en algunos conciertos. No hay piano, por ejemplo… Así que algunas canciones adquieren otro cariz cuando las interpretamos en directo”.

Si pudierais escoger, ¿cuál sería el emplazamiento ideal para que os oyeran tocar?

Bubba: “Creo que hemos dado los mejores conciertos en teatros de aforo mediano con buenos sistemas de sonido. Si tuviera que escoger, me gustaría que el público nos viera siempre en lugares así”.

¿Habéis creído que vuestra banda tiene una consideración errónea? Con eso queremos decir que aunque vuestra música tiende a ser más pausada, hay un enfoque claro a la melodía y un sentido bastante pop por lo general en vuestras canciones, ¿no es cierto?

Bubba: “A todo el mundo le gusta ser apreciado por su arte y sus esfuerzos. Como vosotros decís, no creo que nos limitemos a hacer música pausada o tranquila, así que este juicio quizá sí sea un poco injusto”.

La foto en blanco y negro es de Andrea Valverde.

Estamos en una terraza de un pasaje al lado del Mercat de La Concepció, en el Eixample barcelonés. Seguramente la entrevista sería más adecuada en el campo de la foto, pero Joan Pons vive al lado así que hay que aprovechar. Llega con ligero retraso, ajetreado por el estrés de la ciudad. Joan Pons (El Petit de Cal Eril) es, pues eso, el hermano pequeño de Cal Eril, una casa en Guissona (Lleida) en la que él vivió hasta mudarse a Barcelona. Toda su familia sigue viviendo allí, claro, y pese a que Joan lleva en la capital más de seis años, El Petit de Cal Eril es un grupo de Guissona, porque él es de allí, se nota en sus canciones y, sobre todo, porque graba todos sus temas en el comedor de casa, junto a sus sobrinos, los olores de Guissona y el repique de las campanas. Después de que lo conociéramos gracias a Myspace y su primera maqueta, ahora acaba de editar su disco debut, I les sargantanes al sol, un compendio de canciones inocentes pero profundas, aparecentemente dóciles pero con una inesperada vuelta de tuerca cuando se les presta la debida atención, y que ensanchan un poco más los límites de esta especie de renacimiento en clave folk que la música en catalán está viviendo. En Barcelona pero desde Guissona, conozcamos mejor a Joan Pons, alma máter de El Petit de Cal Eril.

¿Desde cuándo haces canciones? ¿Siempre te habías querido dedicar a esto?

“Esto de la música ha sido algo sorprendente incluso para mí. Yo había tenido grupos desde el instituto, pero de estilos muy definidos (ska, punk, etc). Yo tocaba la guitarra, con mis nulas nociones de música (risas), y cuando llegué a Barcelona encontré gente con la que coincidía más a nivel musical, y teníamos algún grupillo de música experimental, rock instrumental y así. Entonces me empezaron a salir a mí, en mi casa, con la guitarra española y cantando, y eso no me había pasado nunca. Eran canciones que no entraban en ninguno de los grupos en los que había estado, y un día se me ocurrió que lo grabaría, y así hice la maqueta: en un mes lo pensé, y en otro mes lo grabé. Lo hice todo yo solo en mi casa, luego creé un Myspace y lo puse allí, empezó a escucharlo gente que yo no conocía, lo mandé a un concurso, y lo seleccionaron para el proyecto “Centre d’Arts Santa Mònica produeix música pop”, y allí empezó la broma, porque pensé “¿qué haré yo sólo allí?“. Así que busqué a miembros de anteriores grupos y esa es la banda actual (ahora han habido algunos cambios -ndr.).

¿Queda algo en tus canciones de esos grupos anteriores?

“Queda, queda. A mí me gusta tocar la guitarra eléctrica, y tengo muchas ideas… por ejemplo, el próximo disco de El Petit de Cal Eril igual es con guitarra eléctrica. Cosas así. A mí todo esto de la ola folk me da un poco igual, a mí me gusta la música y no me quiero cerrar a un estilo. En la maqueta había una canción de hip hop con juguetes. E incluso en el disco, hay diferentes matices, hay canciones más progresivas y otras más “hippiosas”".

¿Recuerdas la primera canción que compusiste en solitario?

“Sí, la recuerdo perfectamente. Se llamaba ‘Els gats‘ (en este disco he puesto una llamada ‘Els gats 2‘, ésta era la primera), e iba repitiendo la frase “ni tots els gats són blancs ni tots són negres“. Que a veces las cosas no son ni tan blancas ni tan negras, era algo bastante simple, como todas mis canciones”.

Lo de grabar en el comedor de tu casa, ¿es por comodidad o por necesidad?

“Por las dos cosas. Es cómodo porque estás en casa, es práctico porque estás en casa, y es mucho más económico. Yo nunca me planteé pagar por grabar algo, porque con los conciertos tampoco ganamos demasiado y porque aparte del tema musical, a mí me interesa la producción, porque soy técnico de sonido. Así que para mí la grabación era interesante también a nivel técnico. Además, creo que la sonoridad que da tu propia casa va muy bien para la música que hago, porque hace las canciones todavía más cercanas. Me costaría mucho grabar en un estudio, la verdad”.

¿Estás sorprendido con la repercusión que ha tenido el grupo incluso antes de que el disco salga?

“No hago mucho caso de esto, porque no me lo esperaba y tampoco controlo demasiado. Pero sí que me sorprende mucho que haya interés, como esta misma entrevista, me sorprende que alguien que no sea mi madre que se interese por lo que hago. Pero tampoco hay que pensar mucho en eso, porque parece que te creas como presión y es mejor evitar eso. Pero claro, si esto te permite hacer otro disco, con mejores condiciones y todo, pues genial”.

¿Te ves dedicándote a la música?

“No… yo tengo mi trabajo y soy feliz haciendo lo que hago, y no tengo ningún problema. Lo que me gustaría es que la SGAE me pagase millones de euros y pudiera vivir tranquilo en mi masía (risas), pero eso no pasará así que no me veo trabajando de esto, porque en Catalunya da risa la música, son muy pocos los grupos que viven de la música y hacen cosas interesantes. El resto se mueren de asco, o malviven. ¡Todavía no sé ni tocar bien la guitarra, ¿cómo quieres que viva de la música?! (risas)”.

Durante un tiempo me puse tu disco por las mañanas, porque me daba buen rollo. ¿Crees que es un disco que pone de buen humor?

“El principio sí, creo que las primeras canciones son alegres, y luego son más tristes. Las cinco o seis primeras canciones yo las pondría por la mañana, y las cuatro restantes por la noche… y las dos que han quedado fuera las pondría a altas horas de la noche, porque son muy tristes (risas). Pero sí, el principio es alegre, pero para mí quizá es más así en sensación, porque lo que estoy diciendo tiene un aire como más melancólico… Lo grabé en invierno y eso se nota un poco, creo”.

Mi canción preferida del disco es ‘La Caterineta per la Mercè’, y precisamente creo que es la más chocante, porque tiene una música alegre e inocente, y la letra es bastante macabra. ¿Eso es intencional?

“Sí, con eso juego bastante, con las dualidades, con las voces de los niños,… A veces en las letras digo cosas que parecen muy claras, pero les doy la vuelta para darle otro sentido. Es algo que siempre me ha gustado, y me sale así. Esta canción desde siempre quise hacerla alegre, aunque pensaba que la letra era macabra, y cuando la grabé quizá lo exageré incluso más. La letra es popular, y yo la he musicado. Tengo un amigo que siempre me dice: ‘siempre tan simpático y riendo, y en el fondo eres un hijo de puta‘ (risas)“.

¿Tú ves la similitud de tu música con la de Joan Miquel Oliver en solitario?

“Me lo han dicho muchas veces, y la verdad es de tanto que me lo dicen más lo voy viendo. A mí me gusta Joan Miquel Oliver, tengo su último disco y me gusta, pero me cuesta de ver la similitud a nivel musical, aunque a nivel conceptual y de manera de hacer sí que encuentro ciertas conexiones, con él y con mucha otra gente. Pero veo lógico que se me compare con él. Él es muy bueno, le felicité por el disco por el Myspace pero no me contestó”.

¿En qué te basas tú a la hora de escribir las letras?

“Básicamente en ideas y en imágenes. Para mí la canción es una idea, y luego las frases son imágenes o cosas muy concretas. A veces hay gente que no lo coge, pero a mí me gusta que se puedan entender diversas cosas a partir de lo que planteo. No me gusta que me traten como un tonto ni tratar a la gente como tontos. Yo hago lo que sale, y si se entiende, bien, y si no, también. Son letras que piden un esfuerzo, en ese sentido no son fáciles. He intentado hacer letras narrativas, y soy nefasto (risas)“.

Por ejemplo, las frases de ‘Els gats 2′ son bastante estelares dentro del disco. ¿De qué va el tema de los gatos?

“(Risas) Es una cosa mía, habla de mis cosas. Lo de los gatos… bueno, quien dice gatos podría decir cualquier cosa. Lo de los gatos es una historia mía que para explicártela tendría que tirarme horas y horas, y aún así seguramente no la entenderías (risas). Para mí tiene un significado, y creo que al final la gente lo entiende. A veces tengo cierto pudor de hablar de mis cosas, y lo camuflo mucho. Y nada, básicamente la canción es una letra reivindicativa contra la ciudad de Barcelona (risas). No, no, tampoco es eso…”.

¿Crees que un disco de El Petit de Cal Eril hecho y grabado en Barcelona sonaría igual?

“¡No, de ninguna manera! Pero podría estar bien, también. De hecho, el estribillo de la canción ‘Els gats 2‘ está escrito en Barcelona, y el resto de la canción en Guissona. Creo que sería un disco… diferente, muy diferente. Sonaría muy diferente. Sobre todo si fuera pensado, escrito, tocado y grabado en Barcelona, eso sería muy fuerte. Lo que pasa es que en Barcelona la vida es muy estresante y no tengo tiempo de hacer canciones, en cambio en Guissona la vida es muy aburrida y al final acabas haciendo algo. Este disco en Barcelona, yo habría tardado tres o cuatro años en hacerlo (risas). De hecho he intentado grabar alguna canción en Barcelona, pero es una mierda por el tráfico, porque se oye mucho. En Guissona se escuchan perros y campanas, y no molestan tanto”.

¿La intención es seguir grabando allí?

“Sí, supongo que sí, mientras dure el proyecto musical, el grupo es de Guissona. Cal Eril es la casa, encaja bien, y mientras siga, trataré de irlo mejorando todo pero el vínculo con Guissona no se perderá nunca. Además mi música, de momento, es imperfecta, me gusta entender la imperfección como algo mágico y de alguna manera poético, así que grabarla en el comedor de mi casa es la mejor opción”.

Para terminar, ¿cómo describirías tus canciones con una sola palabra?

“Cercanas. Creo que esa es la intención de mis canciones, ni grandes historias ni grandes distancias, tiene que ser algo próximo. Me molesta mucho cuando veo, incluso en mí mismo, demasiadas pretensiones. No lo puedo soportar, y creo que como contraposición, lo que yo hago es mucho más cercano. Además los conciertos son así también. Un día estábamos tocando en Manlleu, e íbamos muy a nuestra bola, haciéndonos comentarios entre nosotros y cosas así, y nuestro bajista escuchó que alguien del público decía algo así como: ‘¿Y estos? Parece que estén ensayando en su local’ (risas). Pues algo así”.

John Roderick es, sin duda alguna, uno de los mejores y más peculiares talentos del prolífico panorama indie que existe en el noroeste de los Estados Unidos. Alma máter de The Long Winters , grupo poco conocido en nuestro país, este otrora profesor de historia, amigo y colaborador de gente como Ben Gibbard o David Bazan, destaca por su enorme facilidad a la hora de componer excelentes melodías pop acompañadas de unas siempre ocurrentes letras. Pese a estar en el estudio grabando lo que será la continuación de Putting The Days To Bed, el bueno de John tuvo la amabilidad de atendernos para repasar la actualidad de la banda y de todo aquello que se trae entre manos.

“QUIZÁ VA SIENDO HORA DE SACAR UN DISCO EN SOLITARIO”

He leído que estáis metidos en el estudio. ¿Cómo va el proceso de grabación del nuevo disco y cuándo tenéis previsto que salga a la venta?
“Empezamos a grabar el nuevo álbum durante el verano de 2008 con el productor John Goodmanson. Entonces mi mujer tuvo un bebé y poco después dos miembros del grupo, Nabil y Jonathan, se mudaron a Nueva York, de modo que la responsabilidad de acabarlo recayó en Eric y en mí. Montamos un pequeño estudio en el sótano y desde entonces hemos ido trabajando en el disco de vez en cuando. Es difícil decir cuándo saldrá a la venta, pero esperamos tenerlo listo a finales de este año”.

Recientemente habéis publicado un DVD en directo titulado “Live at the Showbox”. ¿Qué podemos esperar de él?
“Lo grabamos en 2007, al final de nuestra última gran gira y poco después de los conciertos que dimos en España en febrero de aquél mismo año. Se puede comprar directamente en nuestra discográfica americana, Barsuk, o a través de Amazon. Recoge un largo y divertido concierto que dimos en nuestra ciudad. En él, algunos de nuestros amigos suben al escenario para ayudarnos y también tocamos alguna que otra versión. La verdad es que estoy contento con el resultado final.”

Fue una sorpresa veros en Barcelona el pasado septiembre. No estabais de gira y, de repente, vinisteis desde EE.UU. sólo para dar un puñado de conciertos en nuestro país. ¿Cómo fue eso?
“The Long Winters somos muy afortunados. Nos acogieron muy bien en España la primera vez que tocamos allí en 2004 y enseguida hicimos buenos amigos. Cuando nos piden que vengamos a tocar a vuestro país siempre intentamos decir que sí, y si hay acuerdo económico solemos dejar lo que sea que estemos haciendo para venir. Tenemos una serie de costumbres cuando estamos de visita, como probar la comida local de todas las regiones por las que pasamos, pero sobre todo nos gusta el público español.”

La primera vez que os vi en directo (febrero de 2007 en La [2] de Barcelona) me sorprendió lo mucho que hablabas e interactuabas con el público. Ese día aceptasteis peticiones del público y tocasteis durante casi dos horas y media hasta que los promotores de la sala os echaron del escenario. ¿Todos vuestros conciertos son así?
“Esa noche tocamos durante mucho rato porqué hacía tiempo que no visitábamos España y queríamos que el público sintiera que había valido la pena comprar la entrada. Lo de hablar con el público es algo que me gusta y que hago para que todo el mundo se sienta cómodo con nosotros, aunque soy consciente de que en Europa quizá hablo demasiado si tenemos en cuenta que no todos entienden el inglés. Además, mis compañeros a veces me piden no tocar tanto tiempo porqué es muy cansado y tras dos horas de música lo único que quieren es ir al bar y tomarse una cerveza… Es cierto que esa noche en Barcelona tocamos hasta que cerró la sala, pero a la gente pareció gustarle.”

¿Vives de la música o llevas una vida normal en la que trabajas de 9 de la mañana a 5 de la tarde?
“La música es mi trabajo y, de un modo o de otro, paso la mayor parte del día pensando en ella. Aparte de esto, también me gusta trabajar en el jardín y sentarme a observar el espacio unas horas al día.”

¿Qué es lo que más y lo que menos te gusta de ser músico?
“Lo mejor de ser músico es que puedo vivir mi vida como quiero. Tengo la oportunidad de viajar y de tocar para la gente, algo que para muchos es un sueño o unas vacaciones. Lo peor es que formamos parte del enorme negocio del entretenimiento, que tiene sus propias reglas y su propia lógica, y para el que somos muy insignificantes. No somos todo lo libres que nos gustaría.”

Hoy más que nunca la gente se baja música gratis por Internet. ¿Crees que esto perjudica a los artistas o que, por el contrario, les da un empujón porqué así su música llega a una audiencia mayor?
“Soy consciente de que ambos bandos tienen argumentos muy sólidos, pero yo prefiero verlo como algo que no tiene vuelta atrás. Los fans no dejarán de intercambiarse música, así que los músicos y los sellos discográficos deberemos encontrar otras formas de ganar dinero por lo que hacemos. Aún recuerdo cuando el debate se centraba en si el casete y las grabaciones caseras acabarían con la industria musical, así que la problemática no es nueva. Por otra parte, quiero dejar claro que lo de “dar un empujón” me parece un argumento muy interesado.”

¿A qué te refieres con eso?
“A que constantemente me piden que toque sin cobrar, que permita que mi música salga en una película sin pedir nada a cambio o que acuda a un acto gratis, siempre con el argumento de que eso “dará un empujón” a mi carrera. Llega un punto en que la mayoría de músicos nos vemos obligados a decir: “ESTO es mi carrera y NECESITO que me paguen por el trabajo que estoy haciendo. No quiero que me paguen con la promesa de que algún día seré más famoso”. Si todo el mundo se baja música gratis y quiere que toquemos sin cobrar, entonces resulta imposible seguir haciendo música, a no ser que tus padres sean ricos.”

En la web oficial del grupo te defines como “un poco dictador”, “un pequeño Napoleón, antipático y gruñón” y dices que tienes “una lengua muy afilada”. Siempre me has parecido un tipo muy afable sobre el escenario, así que debías estar bromeando…
“Gracias por el cumplido. Escribí eso que comentas para hacer broma, pero también porqué tengo la reputación de ser alguien con quien es difícil trabajar. En la costa noroeste la gente es muy educada y a menudo no dice nada si algo no les gusta. No es como en España, sino más bien como en Dinamarca. Al contener su energía, muchos se sienten molestos por cualquier cosa. Yo no soy así y creo que guardarse los sentimientos de esta manera es de locos, por lo que mucha gente de mi zona a veces piensa que soy maleducado o desconsiderado. Intenté hacer una broma sobre todo este asunto, pero mi reputación ha cobrado vida propia. Créeme, en España me considerarían un tipo muy educado.”

Has colaborado en varias ocasiones con grandes nombres de la escena indie de Seattle como Death Cab For Cutie, Chris Walla o Nada Surf. ¿Qué tiene Seattle que parece que todos sus músicos se conozcan y se lleven bien?
“La escena musical de Seattle está muy unida y la mayoría somos buenos amigos, aunque los miembros de Nada Surf vivan en Nueva York y Chris Walla se haya mudado a Portland. Tenemos muchos y muy buenos músicos y grupos, como por ejemplo David Bazan de Pedro the Lion, los Fleet Foxes o J. Tillman. Si además incluyes Portland en el panorama musical del noroeste tienes infinidad de excelentes bandas como The Decemberists o Menomena. En general nos llevamos todos bien.”

También en ocasiones das conciertos en solitario. ¿Te has planteado alguna vez explotar esta vía y sacar un disco por tu cuenta?
“Mi sello discográfico estaría encantado de que sacara un disco en solitario, y quizá sea lo siguiente que deba hacer. Me gusta tocar solo y, de hecho, ya hice una gira europea con Centro-Matic durante la primavera de 2006. Tocamos en el Primavera Sound y en muchas otras ciudades españolas. Di un concierto en el Heliogàbal de Barcelona que fue uno de los mejores que recuerdo. En 2007 también hicimos, a dúo con Eric, un concierto en Madrid. Lo pasamos muy bien.”

Pese a que en estos momentos estás concentrado en el grupo, escribes artículos (algunos realmente buenos como “Lo que tu padre no te contará sobre cómo cuidarte la barba”) para el Seattle Weekly. ¿Cómo surgió este proyecto tan periodístico?
“La gente del Seattle Weekly me pidió que escribiera una columna como parte de una campaña publicitaria que estaban haciendo para el periódico y que decía algo así como “¡No te pierdas a las estrellas del rock escribiendo para el periódico!”. También convencieron a Duff McKagan (Guns N’ Roses, Velvet Revolver) para que escribiera una columna que por cierto te recomiendo. Yo lo hice por diversión, pero como parece que a la gente le gustó decidí continuar la aventura hasta que empezamos a grabar el nuevo disco. Puede que en algún momento retome la columna, pero no me interesa ser un periodista musical. Estoy convencido de que en el futuro escribiré más prosa, aunque no sabría decirte de qué tipo.”

Vamos a intentar definir vuestra música: si The Long Winters fuera un Frankenstein compuesto de diferentes bandas, ¿cuáles serían?
“No me gusta considerar nuestra música en estos términos; es algo que prefiero dejar para los críticos. Sin embargo, el grupo SÍ que es una especie de Frankenstein en cuanto a que todos los miembros hemos tocado en otras bandas y aportamos diferentes influencias. Nabil ha tocado la batería en una infinidad de grupos de heavy y de glam-rock, mientras que Jonathan proviene de una escena claramente sureña dominada por el post-rock y el math-punk. Eric y yo somos indies del Noroeste Pacífico, pero así como a él le gusta más el jam y lo progresivo, yo soy una mezcla de diferentes estilos de pop. Esta diversidad de estilos influencia nuestra música sin ni siquiera darnos cuenta.”

Ya para acabar, con el Primavera Sound a finales de mayo se abre la temporada de festivales en nuestro país. No tendréis pensado pasaros por la Península…
“A día de hoy estamos intentando acabar nuestro próximo disco, de modo que no creo que volvamos a España hasta tenerlo listo. Nos encanta el Primavera y los festivales, pero seguramente preferirán invitarnos cuando tengamos nuevas canciones que ofrecer. Manteneros atentos, no nos perdáis de vista y seguro que volveremos a España tan pronto como podamos.”