Cuenta atrás definitiva para el Primavera Sound 2012, la cita musical indiespotera del año. Esos días en los que nos dividimos, lo damos todo y luego hacemos la mejor crónica de festival jamás leída (ja). Y en esa cuenta atrás, aprovechamos para darle luz a Beach Beach una de las bandas nacionales más interesantes de las que pasarán por el Parc del Fòrum de Barcelona. Una banda, de hecho, afincada en la capital catalana, pero de origen y raíces mallorquinas. Hace unas semanas (todavía hacía tiempo de chaquetita) pasaron por Madrid e hicimos el experimento de hacer con ellos nuestra primera entrevista en video. Eso salió bien (gracias, @enlavidabohemia). Luego grabamos algunos temas de la prueba de sonido. Eso salió mal. Pero oigan, estamos empezando en esto.

Beach Beach, que presentan estos días su primer LP, Tasteless Peace (La Castanya, 2012) darán uno de esos conciertos para valientes: el viernes a las 17h. Es decir, pronto después un día de destrozo corporal. Eso sí, lo harán en el escenario Pitchfork. “Lo del escenario no lo sabíamos. Fue cuando Pitchfork publicó su escenario del Primavera que mi compañero de piso me vino y me dijo, “¡tío, que estaba leyendo esto y os he encontrado en el cartel!”, dice Tomeu. Él es una de las mitades de la banda. La otra es Pau, que compagina este sarao playero con su pertenencia a Capitán y a una de las bandas fetiche de este blog, Extraperlo. En directo les acompañen Àngel Garau y Lluís Cabot, que en este video aparecen como paseantes en el 0:46 o así. Ale, al play.

Y antes de acabar, un par de recomendaciones de bandas de su zona, que siempre nos gusta.

Pau: A mi me encanta, pero un montón, Villarroel. Es mi banda favorita de Barcelona.
Tomeu: Yo estoy de acuerdo con Pau en lo de Villarroel. Luego Arponera están muy bien. Y de Mallorca hay una que siempre reivindico que son Satellites.

“Cuando se estrenaron mis canciones recibí una avalancha de emails y mensajes. ¡Salí de mi aislamiento! Y me hizo mucha ilusión recibir tanto cariño y palabras agradables”. Ocurrió a mediados de enero: en su collage-blog, Isabel Fernández Reviriego (exmiembro de Charades, grupo mágico que encandiló a muchos y desapareció en el mejor momento) enlazaba un par de canciones desde bandcamp hablando de un futuro nuevo álbum, La magia bruta. Primera gran noticia: volvía a hacer música, esta vez bajo el nombre de Aries. Segunda gran noticia: iba a compartirla con todo el mundo. Tercera gran noticia: esta misma semana podremos disfrutar de sus nuevas canciones en vivo. El jueves 12 en Sidecar (BCN); al día siguiente, en Wurlitzer Ballroom (Madrid); acompañada en ambos bolos, todo sea dicho, por Beach Beach, una banda de origen mallorquín y residencia barcelonsesa a la que tenemos en el radar y cuyo debut en largo recomendamos sin duda. Pero basta de intrusos, aquí la protagonista es ella.

A día de hoy, habiéndole dado mil y una vueltas su disco, tenemos veredicto: delicioso. Como una fruta de temporada, llega en el momento justo: en primavera, donde todo resucita por obra de un encantamiento secreto. La magia también impregna el disco físico. Es manejable (se deshoja en apenas 22 minutos) y está repleto de fotos caleidoscópicas y collages: “Surge de la intención de hacer todo nosotras mismas. La portada, el artwork… Todo lo que ha estado en nuestra mano hacer, lo hemos hecho. Es una cuestión de satisfacción personal.”

Quizá el colorido diseño, los coros o la propia voz de Isa hagan pensar que Aries es un grupo naïf, pero no hay nada de eso: “Es verdad que mi voz es muy de pequeña, pero no es naif. Recoge sentimientos más o menos duros, como la letra de ‘Dilo Mañana’ que es lo más resentido que he cantado nunca. Los arreglos y la producción no me parecen naif tampoco, yo quería que fuesen envolventes y sugerentes”

“Signo de fuego, junto con Sagitario y Leo, por lo tanto masculino, o sea extrovertido, impulsivo y positivo. Es el primer signo zodiacal, lo que representa que los nacidos bajo ese signo son líderes natos, aptos para organizar a los demás…” ¿En qué acierta y en qué falla la definición de Aries para Aries?

Isabel Fernández: Creo que acierta bastante. Además tengo ascendente Leo, o sea que soy puro fuego (risas). Soy  muy impulsiva tomando decisiones. Y también organizadora-mandona: pero creo que lo que mejor se me da es transmitir entusiasmo.

¿Son impulsivos tus discos? El de Aries parece trabajado con cariño…

I.F: Los empuja la pulsión y ganas que tengo de hacer música. Pero cada melodía y cada arreglo los  medito bastante. Y pienso mucho en la música que quiero hacer. Ahora por ejemplo, estoy “rumiando” el siguiente disco. Por ejemplo, estoy sampleando ritmos de canciones que me molan, por ejemplo los recopilatorios Rubbles. Antes de grabar, siempre voy con todo bastante estudiado.

Imagina que me planto delante de ti y te suelto que “hacer canciones pop de dos minutos es una forma fácil de hacer música” ¿Qué me dirías?

I.F: Que se nota que no has hecho música en tu vida (risas). Hacer melodías que no estén manidas y sobadas es muy difícil. Hacerlas tuyas, que la letra fluya… a mí me cuesta bastante, ¡a lo mejor a Paul McCartney no! Creo que hacer cualquier canción buena es trabajoso, independientemente del género. La duración o lo intricada que sea la instrumentación no implican mayor calidad.

Castañuelas, bongos, metales, marimbas… la variedad instrumental de La magia bruta contribuye a que sea una macedonia musical, disfrutable y estimulante. La hibridación es clave en Aries: “Me encanta la filosofía de los tropicalistas que incorporaban elementos de su cultura propia a la tradición pop-rock anglosajona. Cuando suena un fuzz en una bossa, por ejemplo. Eso me parece precioso. O lo que hacían Triana con el rock progresivo y el flamenco”.  Entre todo este batiburrillo musical, un nombre aparece con fuerza como corresponsable: Santi García, quien fuera productor de los discos de Charades y que en éste también colabora tocando el bajo y aportando ideas: “Cuando acabó Charades no dejó de animarme a que siguiera haciendo canciones. Y durante la grabación lo dio todo. Se involucró al 200%”

Hablando de Charades, se vuelve obligatorio preguntar por la influencia de aquel grupo en su nueva aventura. Para Isa, se trata de un proceso continuo: “Creo que es inevitable porque es la misma persona y porque en Charades encontré mi propia voz. Yo hacía las melodías y la base de las canciones, luego las arreglábamos colectivamente. Fui aprendiendo a hacer canciones para expresarme”. Delicadeza en constante reconstrucción.

La otra pata importante en Aries es Virginia Fernández, a la sazón percusionista y hermana de Isa: “Ella es mi mentora espiritual, porque yo soy muy insegura con las canciones, cada dos por tres me parece que todo es una mierda (risas). Le pedí que fuese mi regalo de cumpleaños, que tocase y grabase conmigo lo nuevo que estaba haciendo. Me dijo “¡Clarooo!”.

¿Habíais tocado alguna vez juntas?

I.F: Nunca habíamos tocado juntas, y ya era hora. Cantar juntas sí que lo hacemos, en casa casi todo el rato. Me flipa cantar con ella CSN&Y. Tenemos la voz igual, mi madre no nos distingue. Ella es la pequeña; cuando tenía 12 años me cogía los discos de los Nerves y era fan de los Remains. ¡Era una niña genial! (risas) Recuerdo que con 15 años hizo un pedido enorme de chapas a Penniman… iba al colegio con su chapa de Little Richard y un mechero forrado con las Shangri-las. Supongo que la influí pero ella en seguida adquirió su propio criterio. Jamás sucumbió a los grupos indies: yo ponía Breeders o Sonic Youth todo el rato, y ella pasaba. En seguida se empezó a interesar por Smokey Robinson, Stevie Wonder… negros, básicamente. Uno de nuestros temas favoritos de conversación es la superioridad de los negros. Toca genial la batería y tiene un grupo, Last Fair Deal, donde hace versiones de Grand Funk Railroad o Led Zeppelin… o sea, para ella soy una friki moderna (risas).

¿Qué ha cambiado desde las canciones de dos minutos de Electrobikinis hasta las canciones de dos minutos de Aries?

I.F: Para empezar tengo 15 años más. No es que sea muy vieja, es que entonces era muy joven. Ha cambiado todo. Ahora pienso en cosas como tener bebés (risas). Electrobikinis era el primer grupo, todo era nuevo y excitante. No tenía ni idea de nada;  sólo quería tocar, cantar y chillar.  Viví experiencias maravillosas y aprendí mucho. Pero sobre todo me sirvió para saber lo que NO quería, que a veces es más importante que saber lo que quieres.

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Una medio en broma medio en serio: ¿fueron Electrobikinis discípulos tardíos del rock radical vasco?

I.F: (Risas) Bueno, rock sí que éramos y vascos de pura cepa. Lo de radicales no tanto; Subterfuge acabó metiendo una canción nuestra en el anuncio de la bebida Radical (risas), salían unas naranjas bailando. ¿Ves? A ese tipo de cosas me refiero con “aprender a saber lo que NO quieres”.

Ha cambiado completamente la música que hacías en 2000 y la que haces en 2012. ¿Qué queda de los inicios?

I.F: ¡No escucho sólo pop! ¡Ayer estuve limpiando con los Gories! Escucho de todo, si no me estaría perdiendo cosas increíbles. Pero creo que siempre quedará la filosofía punk. A riesgo de ser sacrílega,  en mi opinión los hippies y los psicodélicos también son punks, mira a Ken Kesey y Los Alegres Bromistas, por ejemplo, puro DIY. Cuando descubrí los 60 para mí fue la panacea total. Es punk con colores melodiosos e idas de olla, lo que más me puede gustar (risas).

Después de Electrobikinis, cada miembro tomó su propio camino. Isa empezó con Charades en 2003, primero como una receta basada en pop con ramalazos garajeros, para después mutar hacia los caminos insondables de la música etérea. Por su parte, Miren Iza formó su propia banda, Tulsa, de la que nos ahorramos las presentaciones. ¿Se enterraba así el germen punk? “En Electrobikinis éramos cuatro personas haciendo canciones con gustos muy diferentes. Empezamos muy influidas por los grupos de chicas de los 90 y las riot grrrls. Pero enseguida cada uno empezó a decantarse por unas cosas u otras. Yo empecé a flipar con los 60, el pop sixties, los Nuggets y todo eso. A Miren le gustaban los Nuggets también, igual que a mi Big Star, que era lo que le tiraba a ella. El punk es lo mejor porque te permite tocar por tus huevos, porque tú lo vales (risas) y es el canal perfecto para todo el ímpetu que tenía entonces. Yo entiendo el punk como libertad”.

¿Mantienes el contacto con Miren Iza? ¿Sabes qué tal le va en New York?

I.F: Desde que me fui de Madrid no he vuelto a ver a Miren. Tengo mis informadores en Getxo que me cuentan cómo está. Cuando nos encontramos me gusta mucho hablar con ella e intercambiar peripecias. Espero que le vaya muy bien.

Cito unas declaraciones tuyas de una entrevista en 2010, cuando estuviste con Charades: “Es esencial que mantengamos nuestros ideales y nuestra manera de vivir la música de la forma más inocente y pura que sea posible”. ¿Sigues viendo esencial mantener esa inocencia?

I.F: El entusiasmo y la ingenuidad son vitales, hay que cuidar mucho la capacidad de sorprendernos con la vida, a pesar de todas las cosas dolorosas que nos ocurren. Te cito un pasaje de El viaje a Oriente (Herman Hesse, 1932) que me encanta:

“ – A veces un hombre pierde la ilusión por algo que antaño apreció de veras. Y entonces puede suceder que un músico venda su violín o lo lance contra la pared, o que un pintor queme un buen día todos sus cuadros. ¿Le parece verosímil?

- Le comprendo; es debido a la desesperación. Ocurre algunas veces (…) La desesperación es el resultado de pretender tomarse en serio la vida con todas sus bondades, la justicia y la razón, y de cumplir con sus exigencias. La vida es bella y feliz cuando es un juego. Naturalmente, que podemos hacer de la vida todo lo imaginable; podemos convertirla en un deber, en una guerra o en una cárcel, pero por ello no se hace más hermosa. ¡Hasta la vista; ha sido un placer!”

Texto: Álvaro Ramírez (@alvarorcalvo)

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Arctic Monkeys tuvieron un arrollador paso por Madrid y Barcelona a finales del pasado mes de enero (lean la crónica del concierto de Barcelona), confirmando una vez más que ya juegan en las grandes ligas, tocando ante miles de personas en cada ciudad por la que pasan y recibiendo tratamiento de estrellas. Desde entonces, los de Alex Turner han editado una nueva canción (la poderosa ‘R U Mine?‘) y han empezado una gira por Estados Unidos con nada menos que The Black Keys. Pero resulta que, un par de horas antes de su concierto en Barcelona –y gracias a la ayuda de la revista Rock Zone–, pudimos sentarnos cara a cara con Alex Turner y el batería Matt Helders durante unos escasos 10 minutos para comentar brevemente esa evolución que tanto celebramos en indiespot: cómo Arctic Monkeys han pasado en cuatro discos de ser víctimas del hype más exagerado a ser respetados no solo por la escena indie sino incluso por la rockera (no en vano, han grabado con Josh Homme, y tocarán en el Orion Music + Festival, que organiza Metallica en junio en Estados Unidos). Por el camino, cuatro discos imprescindibles, cuya última parada –Suck It And See– es una mezcla en toda regla de su pasión por el rock y la electricidad amenizado por un descubierto gusto por el sonido pop más clásico. ¿Irán Arctic Monkeys hacia el pop en sus siguientes pasos? Alex Turner nos lo cuenta…

He estado en la prueba de sonido, y he visto que en vez de prueba de sonido ensayáis: probáis nuevas canciones, ideas, etc… ¿Lo hacéis siempre?

Alex Turner: “Sí, en la prueba de sonido no practicamos ni una canción de las que luego tocamos en el concierto. Es el tiempo que tenemos para probar nuevas canciones mientras estamos de gira. Por ejemplo, hemos estado tocando unas cuantas veces el tema que será nuestro próximo single, que entraremos a grabar dentro de un par de semanas y tenemos que perfeccionarla (esa canción es la mencionada ‘R U Mine?‘ –ndr.)”.

¿Cómo fue el concierto de anoche en Madrid?

“Bien. Buen público. Saltaron bastante. Y había mucha gente, también”.

Cuando llegáis al punto de tocar en estadios, ¿realmente se nota la diferencia de público de una ciudad a otra?

“Sí, notas la diferencia, especialmente entre nacionalidades. Se comportan de manera distinta, es bastante perceptible”.

Habéis dicho que Suck It And See es una mezcla de vuestros discos anteriores. ¿Fue una decisión consciente lo de agrupar sonidos de vuestros tres discos en uno?

“Sí, nos sentamos y analizamos qué nos gustaba de los discos anteriores, y qué no nos gustaba. Y decidimos incluir cosas de la primera columna, de la de las cosas que nos gustaban. Fue la primera vez en muchos años que escuché nuestro primer disco, e intentamos seguir los mismos pasos que seguimos cuando lo hicimos en su momento. Y por este motivo creo que es una especie de culminación, una especie de nuevo punto de partida, representativo de dónde estábamos hace un año, cuando lo hicimos. Ahora ya es diferente (sonríe)”.

¿Os sentís igual de cómodos tocando las canciones de las dos vertientes del disco (el pop clásico y el rock americano)? En Humbug parecía que os ibáis a enfocar hacia el rock…

“Bueno, creo que gran parte de las cosas que hicieron a Humbug lo que es está también en Suck It And See. Sin duda yo lo veo en las melodías y el sonido… Como ‘Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair’, o en ‘All My Own Stunts’, que tienen mucho de Humbug en ellas. E incluso en las canciones más blandas hay influencia. Pero creo que en este disco simplemente queríamos experimentar con el lado más dulce. Ahora ya lo hemos hecho, ya tenemos esa camiseta, así que podemos volver a subir el volumen hasta 11 otra vez (risas)”.

Os fuisteis a grabar a Los Ángeles, en parte porque comentasteis que necesitabais grabar fuera de casa. ¿Por qué?

“No lo sabemos, pero es algo que siempre hemos hecho. Nunca hemos grabado un disco en Sheffield, para que te hagas a la idea. Solo hace muy poco hemos grabado algunas cosas en Sheffield, pero desde que hicimos nuestras primeras demos que no habíamos vuelto a hacer nada allí. Pero no sabemos, simplemente decidimos ir a L.A. por hacer algo distinto. ¿Por qué no?”.

También has comentado que enfocaste la manera de escribir las canciones de forma distinta esta vez: lo hiciste de manera más tradicional. ¿Eso va a seguir así?

“Seguramente no, si quieres que te sea sincero. Creo que ya he superado esa fase. Creo que hay un tiempo y un lugar para todo, y ahora mismo no es el momento para que yo esté componiendo con una guitarra acústica. Así que de vuelta a la electricidad”.

¿Es cierto que tenéis previsto sacar un EP con nuevas canciones?

“Vamos a sacar un single con dos canciones nuevas. Una ya la hemos grabado, y la otra es la que estábamos ensayando antes. Y después, seguramente después del verano, nos pondremos a escribir el próximo disco”.

Parece que nunca paréis de trabajar, siempre hay novedades alrededor vuestro. ¿Es al ritmo al que os gusta ir?

“Sí, es lo que nos gusta. Seguramente no sepamos hacerlo de ninguna otra manera. Por suerte, de momento está todo bajo control… de momento”.

¿Cómo fue lo de grabar con Richard Hawley, por cierto?

“Genial. Ya habíamos colaborado con él hace algunos años para una cara B de los Death Ramps (grupo ficticio que usaron Arctic Monkeys para publicar algún single –ndr.), y siempre habíamos hablado de hacer algo más. Lo que hicimos en su día era una versión, así que ahora tocaba una nueva canción. Así que simplemente le invitamos al estudio y nos dejamos llevar por lo que surgiera allí. Fue divertido por una vez no trabajar con la presión que tienes cuando estás haciendo un disco”.

Viendo ahora vuestra carrera musical con algo de perspectiva, ¿estáis en el sitio que queríais estar?

“No lo sé, creo que nunca habíamos imaginado nada. Cuando empezamos, teníamos la sensación de que podía terminar al día siguiente. Así que nunca miré demasiado lejos en cuanto a perspectivas de futuro, y estoy realmente contento de dónde estamos ahora mismo como grupo. Y todavía nos queda cuerda para rato…”.

“La música indie es una cruzada romántica”. Quien suscribe estas palabras es el caballero Israel Medina, espadachín de guitarra. En su particular escaramuza no está solo: le acompañan los también caballeros Alberto Gurbindo (bajo), Íñigo Maya (batería) Iván Guzmán (guitarra y teclados), y la doncella Maite Rodríguez, que además empuña la viola. Todos ellos heraldos del Reyno de Navarra, todos ellos miembros de Reina Republicana y autores del caramelo sonoro de mismo nombre. ¿Les conocen vuesas mercedes? Si es que sí, ¡que aproveche! Si es que no, ¿a qué esperan? ¿Acaso no es suficiente aval la posición 21 que les reservamos en nuestra lista de discos estatales, lanzadera indiscutible hacia las mieles del éxito? (ja). Venga, venga, dense prisa: les tienen accesibles en bandcamp y Spotify, acceso virtual a su particular universo de ciudades en llamas, bossanovas oníricas y oldies envenenados. Con suerte, podrán aprenderse las canciones y asistir a alguno de sus inminentes recitales: hoy viernes en la madrileña Siroco, 17 en Subsuelo (Pamplona) y 18 en CCCB (Barcelona).

De paso, para ambientarse, pueden leer esta entrevista, realizada tras la prueba de sonido del concierto que tuvieron el pasado 5 de enero en San Adrián (Navarra). Comenzamos la conversación de forma superficial, o sea, hablando de a qué suenan. Una etiqueta gigantesca (que casi viene a no significar nada) se va perfilando: dream pop.

Para los oídos perezosos, parecéis un grupo de dream pop más. Sin embargo, el vuestro es un sonido muy abierto: de hecho, en vuestras influencias destacáis a Phil Spector o The Ronettes.

Israel: El dream pop es una parte más, pero también está la música de los sesenta, el post-rock… es una especie de coctelera donde metemos distintos ingredientes.

Como parece que el dream pop cada vez corre más riesgo de convertirse en un lugar común, en algo fácil y obvio, aparece otra cuestión: ¿Eligen esas distorsiones, delays y capas para tapar posibles carencias? La respuesta, colectiva, es tajante: “Sonar de una forma determinada no quiere decir que tengas que tapar carencias. La música no la pensamos así. Haces lo que sientes. La mayoría de nosotros hemos cambiado de rol, venimos de otro tipo de grupos, nos liamos con los pedales o los sintes. Poner voz dulce cuando las guitarras estallan de fondo es complicado, tienes que mantenerte en tu atmósfera. Pero en nuestro caso era lo que buscábamos: un ruido amable.”

También incluís cuerdas en varias canciones (‘Que cunda el pánico’). ¿Cómo surgió la idea de usarlos?

Israel: Metemos cuerdas en canciones más “épicas”, como ‘Que cunda el pánico’, o para darle un toque a lo muro de sonido de Phil Spector.
Iván: Podríamos haber metido las cuerdas pulsando una tecla, pero si tienes la suerte de contar con gente que toca la viola…
Maite: Sí, yo toco la viola y una amiga colaboró tocando el violín. Los arreglos son una mezcla entre cosecha propia y las indicaciones que me daba el resto del grupo.

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‘Mar diamante’ está muy marcada por la bossanova. Rozando la nana.

Israel: Es una canción muy atmosférica, muy etérea. Los acordes del principio son muy  bossanova, pero luego añadimos capas de teclados y delays… salió una especie de bossanova shoegazer.

Vuestras letras entran a veces en lo truculento.

Israel: A mí me gustaría hacer letras de buen rollo, pero sólo me salen oscuras. Quisiera meter más ironía, pero salen así. Parece que soy un amargado.
Alberto: No es algo preconcebido, sale sobre la marcha. Con el sonido pasa igual, no cogimos un día y dijimos “vamos a hacer una bossanova”. Es evidente que todos tenemos una influencia generacional, es algo  natural. No hacemos sólo noise. Podemos escuchar a Jimi Hendrix, el primer disco de los Bee Gees, The Crystals, The Ronettes, Sigur Rós…

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¿Conocíais al principio hasta dónde podía llegar vuestra versatilidad?

Israel: Al principio hacíamos canciones muy naif, de tres acordes. Luego entraron Iván, Maite, Alberto, y se fueron añadiendo más cosas. El sonido ha ido creciendo en matices, y se ha hecho más divertido. Queremos hacer un sonido que sorprenda. Si escuchas un disco de Ramones, sabes qué sonido te espera. Nosotros queríamos que el que pusiera nuestro disco pensara: “coño, a ver cómo suena la siguiente”.

Volviendo a las letras oscuras, ¿forma parte del juego envolverlas en un sonido amable?

Israel: Salvando las distancias, es como lo que hacía Billy Corgan en Smashing Pumpkins. Él ponía una voz  muy dulce, y debajo capas y capas de guitarras. Nosotros hacemos una música con arreglos bonitos y letras oscuras. Las canciones son caramelos envenenados.

Maite, ¿cómo consigues cantar con todo ese andamiaje de guitarras detrás?

Nunca antes había cantado en un grupo. No me ha resultado muy difícil porque he ido al conservatorio desde los siete años, sabía afinar. Hay que controlar mucho la voz, el aire, ese tipo de cosas. Cuesta mantenerse en la misma textura.

Un proyecto que va creciendo poco a poco, con la mirada alta y, sobre todo, abierta. A ellos les da igual las modas, las escenas, las corrientes. Ni de dónde viene el resurgimiento de determinados sonidos indies: “Siempre los ha habido. Siempre ha estado El Inquilino Comunista, Los Planetas… A lo mejor es que un grupo arrastra a otro, o que la prensa pone más el foco en esas bandas … Lo que no hay es una mesa redonda de veinte tíos decidiendo lo que va a estar de moda ahora, ni Rajoy diciendo que este año toca escuchar noise pop”

Pero las modas son traicioneras. ¿Os da miedo que en un futuro pongáis este disco y digáis “Dios mío, qué horror, qué mal ha envejecido esto”?

Iván: Uno tiene que aceptar lo que es en cada momento de su vida. Si nos avergonzáramos de lo que hacíamos hace dos años estaríamos jodidos. Hay que pensar que lo que hiciste fue con todas las de la ley.

¿‘Los días ya no iluminan’ no recuerda demasiado a ‘Just like honey’, de The Jesus & Mary Chain?

Israel: No te lo vamos a negar porque sí, es así (risas). Pero era lo que queríamos, usar esas reverbs. Es un homenaje.

Homenaje, claro…

Israel: ¡Es cierto! (risas) Es un homenaje, no me hagas reír.

Hablando de The Jesus & Mary Chain y de homenajes, en verano ibais a hacer una versión para dedicársela a Julio Ruiz. ¿Qué opinión tenéis de él?

Israel: Es quien primero nos pinchó en la radio, le estamos muy agradecidos. Es un honor tener un padrino como él.

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En primavera salió un reportaje en Rolling Stone en el que él y J hablaban sobre la situación del indie en España. J decía que ser indie es mantener una actitud crítica con la cultura dominante. ¿Pensáis lo mismo que él?

Israel: Sí. Lo que diga San J va a misa (risas).

¿Pero eso implica tener un tipo de militancia?

Israel: Es un arma de doble filo. Hay gente que hace indie porque no puede ser comercial. Militancia en el sentido de “hazlo tú mismo, y buscarte las castañas”. Nosotros no somos talibanes de esto. Hacemos música porque nos gusta, no lo hacemos para vender. Es un fin, no un medio. No tenemos nada en contra de la gente que vende.
Alberto: También hay muchos grupos que se hacen llamar indies y desean sonar en los 40 Principales…
Israel: Lo que sí hemos hablado J y yo es que los indies no deberían ser absorbidos, sino ser un grano en el culo.

¿No pensáis que el indie se queda a veces en la parte estética, en la pose?

Israel: No, es más un problema de actitud. Hay grupos que son indies porque no pueden ser otra cosa, aunque les gustaría tocar entre Chenoa y Bustamante.
Alberto: Al final, todo grupo desea vender lo máximo posible. Me hace gracia cuando la gente dice con desprecio: “Tal artista se ha pasado al mainstream”. El último fin de las multinacionales es ese, hacer dinero. Después de todo, cuanto más llegas a la gente, mejor. A lo mejor un día Bisbal no funciona, pues se buscará otro tipo de música para que la gente consuma. El indie no es criticar nada, es hacer las cosas a tu modo.

¿Os imagináis un mundo en el que el mainstream sea la música que hacéis vosotros y el underground David Bisbal?

Alberto: Podría suceder. Si una multinacional ve que lo que a la gente le atrae es otro tipo de música, la fichará y se centrará en ese otro tipo de música.
Israel: Pasaba en el 92. De crío escuchabas la radio y sonaba Mariah Carey, luego Nirvana y luego Alice in Chains. En los 40 principales. Ahora no. Estaría bien que la música dominante fuese la honesta, y no la prefabricada. Aunque también perdería parte de la gracia. La cosa está bien como está. Es una especie de cruzada romántica.

El disco está dedicado a Pedro San Martín. ¿Cómo os afectó su muerte?

Israel: Pedro era un gran colega. Iba a escribir algunos arreglos de cuerda para nosotros. Le conocía desde hace un montón de años. Si tocabas en Murcia, de repente él estaba ahí, si ibas a Donosti a ver a The Divine Comedy a la playa, te lo encontrabas, podías quedarte un Primavera con él hasta las mil… Era un tío muy alegre y vital. Se dejaba querer.

En el disco  han participado gente como Banin de Planetas, o Guille Mostaza. En un primer momento os llamaron supergrupo del indie…

Israel: Tiene su lado bueno y su lado malo. El bueno es que de no ser por su ayuda, igual no hubiéramos tenido el impacto inicial. El malo, que quizá se nos exige mucho ahora. Son dos personas que nos ayudaron mucho, pero el grupo somos nosotros cinco. Estamos muy agradecidos, pero el trabajo por delante es nuestro.

En alguna otra ocasión habéis destacado que cada vez se mueven más grupos en Navarra. El Columpio Asesino es un ejemplo de grupo más o menos consolidado, pero también estáis vosotros o Joe La Reina, que sacan disco este año con Subterfuge.

Israel: Está de puta madre. Antes la música navarra eran Barricada y Tahúres Zurdos, y ahora hay cierta apertura. Hay creatividad, pero no apoyo institucional, ni circuitos de salas. Eso es lo malo que hay frente a Madrid y Barcelona. Pero en estas ciudades es difícil aislarse de las mierdas del negocio musical, cosa que en Navarra sí es fácil. Creo que eran Triángulo de Amor Bizarro quienes decían que los grupos de provincias son más interesantes que los de grandes ciudades.

Escuchándoles, todo parece un juego. Quizás esa sea la clave. Jugar pasando del hard rock de Half Foot Outside a la mecedora melódica de Reina Republicana. Jugar metiéndole mano a un pedal sin tener mucha idea. Jugar formando parte de la gran familia indie. Encontrándote en la playa de Zurriola a Pedro San Martín y recordándole después con cariño. Tomando cañas con El Columpio Asesino por Pamplona, ciudad a la que adoran. Jugar imaginando que la misma Pamplona pueda arder, y observarlo todo desde el monte Ezkaba: “Hay canciones con un trasfondo apocalíptico, como ‘Que cunda el pánico’. Es un reflejo de la situación actual. Parece que todo se va a la mierda. Si además se acaba el mundo, éste será el primer y póstumo disco de Reina Republicana.” Y les ha quedado muy bonito. ¡Salve!

Texto: Álvaro Ramírez (alvarorcalvo)
Fotos: Jon Rodríguez

Los belgas dEUS arrancaron ayer con su concierto en Madrid una mini-gira española que les llevará mañana 7 de febrero a Bilbao (Kafe Antzokia) y el miércoles 8 de febrero a Barcelona (sala Bikini). Todo viene justificado por la presentación de Keep You Close (escúchenlo en Spotify), sexto disco del quinteto, publicado a finales del año pasado casi cuatro años después del anterior, el desafiante Vantage Point. Con motivo de esta visita, pues, nuestro compañero Oriol Rodríguez interrogó brevemente a Mauro Pawlowski, guitarrista de la banda desde 2004 (que completan Tom Barman a la voz, Klaas Janzoons a los teclados, Stéphane Misseghers a la batería y lan Gevaert al bajo), acerca de este sexto disco más reposado y orquestral, de cómo se mantiene un grupo tras 20 años de trayectoria, y de su último y accidentado concierto en Barcelona.

Keep You Close es un disco que suena cálido comparado con el anterior, Vantage Point, algo más distante. ¿Os propusisteis conseguir esta evolución antes de hacer el disco?

Mauro Pawlowski: “Sí, porque aunque quedamos muy contentos de cómo salió Vantage Point, sí que pensamos que era un poco más duro para los oídos que los otros discos de dEUS. Nos acabó por dar la impresión de ser un disco demasiado frío y directo. Cuando lo escuchamos ahora, creo que hay canciones que no estaban terminadas del todo, y es por eso que decidimos hacer el siguiente, Keep You Close, más cálido y más libre en cuanto a estructura de canciones”.

Habéis dicho que decidisteis hacer este disco juntos, haciendo jams y más jams. ¿Podríamos decir que este no es el disco de Tom (Barman, cantante del grupo –ndr.) sino de dEUS como un grupo al uso?

“Los últimos tres discos fueron escritos al 50% por Tom, y el otro 50% por la banda. Pero de cara a Keep You Close, hicimos la regla de que cada canción debería evolucionar a partir de un proceso colaborativo. Eso implica mucho tiempo, pero después de muchas pruebas salió un montón de buen material, del cual solo una pequeña parte acabó incluida en el álbum tal y como lo conocemos hoy. Fue realmente interesante ver la simbiosis de ideas y personalidades de los 5 miembros del grupo, porque todos somos distintos. Ya sabemos que eso es algo que millones de bandas han hecho antes, pero para dEUS era la primera vez”.

De hecho, habéis comentado que grabasteis más de 30 canciones para el disco, todas ellas de estilos muy diferentes. ¿Es cierto que la ideal original era publicar dos discos?

“En un inicio sí, porque después de haber estado improvisando durante casi un año teníamos toneladas de material dando vueltas, y nos dimos cuenta de que no había manera humana de poder meter tantas atmosferas en un solo álbum. Teníamos baladas, temas más rock, cosas más épicas, etc… Y no veíamos cómo encajaba el puzzle. Así que un día Tom llegó al ensayo diciendo ‘tios, ¡hagamos un disco doble!’. El problema fue que en ese momento llevábamos ya más de un año y medio de trabajo, la fecha de lanzamiento estaba a solo seis meses, y ni siquiera habíamos empezado a grabar. Así que al final no lo vimos muy factible…”.

¿Y qué haréis con todo el material que os ha sobrado?

“En algún momento de este año sacaremos EPs con algunas de las canciones. Contendrán tanto descartes de Keep You Close como canciones que pese a no estar terminadas merecen ver la luz del día. ¡Pronto tendréis más noticias!

Muchas de vuestras canciones hablan de amor. ¿Es el amor el motor de la creatividad?

“El amor es probablemente el tema que inspira prácticamente a todos los artistas al menos durante la mitad de su existencia. Creo que todo depende de cómo de lejos quieras llegar a la hora de compartir esos siempre con tus oyentes. Algunos lo hacen de forma reservada, y otros con una admirable extroversión. Sin duda proporciona la dirección y el mensaje que cada canción necesita, pero de ahí a decir que determina la calidad de la creatividad me parece algo excesivo”.

Greg Dulli de The Afghan Whigs es una de las muchas colaboraciones del disco. En él, canta en un par de canciones. ¿Cómo le conocisteis y cómo acabó en el disco?

“Greg tenía concierto en Amberes y después del bolo él, Tim Vanhamel y Tom se fueron de copas. Tom sencillamente le preguntó qué iba a hacer el próximo día y lo próximo que supimos fue que lo tendríamos en nuestro estudio delante del micro. Realmente es una de las voces más grandes del rock, y fue un auténtico honor tenerle con nosotros”.

¿Cuál creéis que es la clave para la longevidad de una banda?

“La habilidad de escuchar lo que otra persona tiene que decir, el respeto mutuo, la amistad en general”.

Después de veinte años de giras y discos, ¿qué hace que sigáis en la música?

“Ser capaces de dedicarnos a esto es un privilegio. Imagina conseguir el trabajo perfecto, el que siempre habías soñado. ¿Lo dejarías en algún momento? Ya sé que no somos los Rolling Stones y que esto terminará algún día, pero por ahora seguiremos haciendo música”.

¿Cómo combinais esas ganas de evolucionar con las giras en directo? Especialmente cuando dEUS tocáis ‘Suds & Soda’ y otros clásicos cada noche…

“Nos aseguramos de tener suficientes canciones con nosotros cuando estamos en la carretera, para no tener que hacer el mismo setlist dos veces. Eso nos mantiene siempre alerta y, además, los fans nos lo agradecen mucho”.

¿Algún recuerdo especial de vuestros conciertos anteriores en Barcelona?

“El pasado verano tocamos en un festival aquí al lado del mar (se refiere al Cruïlla –ndr.). Debíamos tocar a las 23h pero por culpa del retraso de nuestros instrumentos en la aduana, tuvimos que retrasar el concierto hasta que llegaran. Acabamos tocando finalmente a las 2 de la mañana delante de solo 100 personas que, a pesar de la hora, se volvieron locas. El concierto acabó siendo uno de los mejores del verano”.

Texto: Oriol Rodríguez.

Tres escuchas. Es lo que tardó ‘El mort i el degollat‘, primer single del segundo disco de Nacho Umbert & La Compañía, en seducirme. Quizá, puede ser, fui un poco tardío. Puede ser. Pero una vez las canciones de Nacho Umbert te atrapan, no te dejan escapar. Umbert apareció, o más bien dicho reapareció, en el mundillo musical el año pasado, 2010, con Ay…, su primer disco en solitario. Pero no su primer disco absoluto, porque el tipo ya había grabado, allá por 1996 y con su grupo Paperhouse, un reivindicado disco llamado Adiós. Tocaron en el FIB, en el BAM… y lo dejaron. Por falta de ganas, por juventud, quién sabe. El resto es historia: Nacho Umbert se dedicó “a vivir“, como él mismo afirma un poco extrañado por la pregunta, y no fue hasta 14 años después que, por casualidades de la vida, volvió a coger una guitarra acústica y a escribir canciones-historia, esta vez en solitario. Lo hizo, y le salió tan bien que Acuarela publicó Ay…, un disco susurrado, costumbrista y tímido, muy cálido, hecho con la indispensable ayuda de Refree a la producción, y recibido con los brazos abiertos por la crítica musical. Ahora, apenas un año después, Umbert llega con una segunda colección de canciones, con una conexión con Refree renovada y en su punto justo, y la sensación de que empieza a creerse esto. De que ya no titubea. Aunque la declaración de intenciones viene ya en el título: No os creáis ni la mitad. Él dice que con un grupo de canciones bastante continuistas. Pero las escuchas desvelan que están mucho más limadas, con más mano de Refree (y resultados espectaculares, claro) y con una clarividencia lírica fuera de toda duda. En tres escuchas, el disco te ha seducido por completo, te han engatusado delicias como ‘El mort i el degollat‘, ‘No os creáis ni la mitad‘ o ese anti-hit que es ‘Súperhéroe‘. Y es entonces cuando nos citamos con Umbert para hablar sobre sus dos discos, hace ya algunas semanas. Y lo publicamos ahora, aprovechando que este próximo miércoles 14 de diciembre presenta el disco por todo lo alto en Barcelona (Music Hall). Así que hablemos.

¿Te hace ilusión ver tu disco en las tiendas todavía a estas alturas?

“Sí… claro. El primero me hizo ilusión, en el Fnac estuvo recomendado durante un tiempo. Hace ilusión, pero no soy muy fetichista con el tema. Las primeras semanas hace gracia, pero luego dejo de mirar”.

Estuviste 14 años sin hacer un disco. El año pasado sacaste el primero… y ahora, un año después, sale el segundo. Se te despertó el gusanillo, ¿no?

“Bueno, la composición del primer disco llevó más tiempo, aunque para hacerlo tardamos un año. Pero para este segundo no hemos tardado tanto, nos animamos con Raúl (Fernández, Refree –ndr.) a raíz de que saliera una canción, ‘El Sr. Esteve’, y a partir de ahí supimos que había que hacer un segundo disco. También es práctico escribir y trabajar canciones, y una vez coges el ritmo y el truco es muy natural seguir haciéndolo. Este segundo disco es muy continuista, es otra colección de cuentos, de historietas, de postales o como le quieras llamar; pero es como un hermano del primero, al fin y al cabo”.

¿En qué se diferencian?

“La producción es muy distinta esta vez. Dejamos un poco la austeridad del primero. Hay más cosas, pero también hay muchos vacíos. Pero sí que hay más dinámica, más potencia a nivel emocional… el otro pasaba más de puntillas. Este es más potente. Yo estoy muy contento de cómo se relacionan los dos discos”.

¿Cómo lo has compuesto?

“He ido haciendo canciones mientras pasaba la vida. Las presentaciones y entrevistas del primer disco han durado mucho, porque a mí no me conocía ni mi abuela cuando salió el primer álbum (risas). Y todo ha ido lento, pero ha sido muy chulo. Ha ido funcionando muy bien, y poco a poco ha ido interesando más, a un ritmo muy tranquilo. Y como iba tranquilo, yo seguía con mi trabajo (como no puede ser de otra manera) e iba haciendo canciones”.

Curiosamente, esta primera canción que hiciste es en catalán, pero en el disco solo hay otra en este idioma (‘El mort i el degollat’, el primer single)…

“Bueno, ‘El Sr. Esteve’ es mitad en catalán y mitad en castellano. Es un homenaje a mi familia: el ‘Sr. Esteve’ es como mi padre llamaba a los señores con Mercedes. Al final ha quedado como figura dentro de la iconografía familiar… Yo los llamo Sr. Esteve. Y pensé que, ya que hablaba de la burguesía catalana, sería significativo utilizar dos idiomas, el catalán y el castellano. Cuando paso a castellano es porque hablan los hijos…”.

De hecho, esta canción precisamente y el resto del disco recuerda bastante al último álbum de Refree, Matilda. Al ser el productor de los dos discos, ¿hasta qué punto tiene influencia en tus canciones?

“Quizá te recuerda a ‘Sr. Beltran’… Pero es que no puede ser de otra manera, es el productor, hace los arreglos y toca casi todos los instrumentos del disco. ¡Lo grabamos en su casa, de hecho! Excepto las baterías y los vientos, el resto lo hemos hecho él y yo quedando tardes y noches. Las canciones son mías, esa es mi identidad, pero es normal que se note a Refree, y yo ya juego a eso. Él tiene mucha personalidad, y yo le doy mucho espacio para que haga y deshaga. Es como un dúo creativo, yo le llevo la canción en su estado más puro (guitarra y voz) y él trabaja a partir de ahí. Ya me han dicho que recuerda a Matilda… pero es que son muy cercanos, y Refree está muy dentro de los dos discos. Son diferentes, porque las canciones están hechas por personas diferentes, pero tenemos muchas cosas en común”.

¿Cómo os conocisteis, de dónde viene esta relación?

“Le mandé una maqueta de cuatro canciones del primer disco, porque me lo habían recomendado como productor del disco. Yo no conocía a nadie aquí, y en Acuarela mostraron interés en sacar el disco, propuse a Refree y me dijeron que era la mejor opción que podía haber escogido. Así que le envié la maqueta, le gustó, y ahí empezó todo”.

¿Ya te has reinsertado un poco en el mundo de la música en este año?

“(risas) Sí, claro, voy conociendo a gente, aunque tampoco te creas que mucha. Al venir tan de fuera y al estar empezando con la edad que tengo, todas mis amistades no tienen nada que ver con la música. Pero es curioso porque me he encontrado con Antonio Luque (Sr. Chinarro) o a Jota (Los Planetas), a quien conocía de mi época en Paperhouse, y que ahora son como tótems. Aunque yo soy un poco un satélite”.

Te sigue planteando esto de la música como algo paralelo, ¿no?

“Sí, una doble vida. Sin demasiados planes. Estoy contento, y estoy a verlas venir. Si me va bien, adelante; pero me gustaría seguir con la libertad que tengo ahora, de hacer discos cuando tengo algo que contar. No me gustaría que pasaran otras cosas, ni estar forzado. Mientras me lo pase bien… al final todo se reduce a esto. Yo estoy muy contento, no me esperaba que en un momento así estuviera haciendo eso. Ahora ya hace tres o cuatro años que estoy metido en esto, pero me llegas a decir hace cinco o seis años que ahora estaría subiéndome a escenarios, haciendo discos, con Facebook, con fans y todo eso, y me hubiera reído. Es como una aventurilla”.

¿Quizá porque ya pasaste por todo eso en Paperhouse?

“En realidad no. Con Paperhouse no nos lo creímos nunca, y por eso lo dejamos. Mi experiencia musical con Paperhouse fue limitada. Sí, grabamos un disco y dos singles, fuimos a Nueva York a grabar, tocamos en Benicàssim y el BAM… pero era tan amateur que en ningún momento tuvo mucho futuro”.

Volviendo al disco, el título de este disco (No os creais ni la mitad) da bastante juego. Ya el primero me pareció muy entrañable (Ay…), ¿qué quieres transmitir con este?

“Los dos títulos tienen sentido en su contexto, pero el enfoque es diferente. El título del primer disco transmite una cierta inseguridad, un “¿en serio? ¿A estas alturas?” provocado por el vértigo de sacar un disco después de tanto tiempo. No tenía muchas expectativas, aunque tenía a Refree, a Acuarela detrás… Y ahora el título tiene más que ver con lo que ha pasado a raíz del disco. En ciertas entrevistas sentí un poco de pudor al ver que me daban mucha bola como escritor, también me invitaron a un festival de poesía como Cosmopoética en Córdoba… Quizá un poco demasiado. Lo que hago yo es sencillo, quizá tengo una cierta gracia para explicar historias… pero poco más. Por un lado hay el tema de que me pregunten constantemente si lo que explico en las canciones es verdad o me lo invento (que ya lo digo ahora, me lo invento casi todo), y por el otro es una especie de reflexión sobre mí: no me toméis tan en serio. A veces me incomoda un poco que se me tome demasiado en serio”.

De hecho, tus letras tienen un punto muy cercano, de estar por casa, mezclado con elementos de fantasía o magia. ¿Cómo las afrontas?

“Sí… bueno, no sé, el tema mágico está presente en algunas canciones, especialmente de este segundo disco, como la primera y la última. Pero es un tema de contraste, para que esto no sea una gran chapa… Y sí, empecé con la canción ‘No os creáis ni la mitad’, que no es la primera canción que hice pero sí fue la primera en la que entré en ese punto onírico. Es una historia que empieza pareciendo personal y gira en una serie de personajes de historias mías del anterior disco que se cuelan en la canción y cobran vida. Supongo que son influencias que no había tocado todavía, pero ya me gusta este contraste. Me gusta desengancharme un poco de la realidad”.

Eres diseñador de interiores (“decorador”, para tu padre), y supongo que a eso te dedicaste los 14 años que no hiciste música, ¿no?

“Sí, claro. ¡Que no es poco! Me hace gracia porque la gente me pregunta ‘¿y qué estuviste haciendo esos 14 años’… ¡pues vivir, coño! (risas) Ni que yo hubiera sido un Rolling Stones antes, y lo hubiera dejado… Sí, hice un simple disco, del que vendimos diez copias… Eso sí, lo llamamos Adiós, ahí lo hicimos bien (risas). Además está muy bien porque como no existía Internet no se pueden encontrar fotos apenas… aunque el disco está en Spotify. Y han colgado los singles, que me tiraría por el balcón casi. Hay uno hasta en inglés… infumable”.

Ahora que dices esto del inglés, ¿por qué sigues escribiendo mayormente en castellano si el catalán es tu primera lengua?

“Fue por una especie de inercia. Con Paperhouse no escribía en catalán por prejuicios, porque era la época del rock català y era muy duro. El castellano no era fácil pero era poco común, y en ese momento era lo que molaba, mucho más que el inglés. Y con estos dos discos de ahora fue por inercia. Yo leo mucho más en castellano que en catalán, y por eso tengo más facilidad de palabra en castellano. Pero en este segundo disco me he sorprendido mucho al escribir ‘El mort i el degollat’ y la primera parte de ‘El Sr. Esteve’ en catalán… me han salido del tirón. Es fácil escribir en catalán. Es una lengua muy tierna y muy puta a la vez… tiene expresiones y mucho juego para escribir. Eso no quiere decir que tire por este camino, todo se verá”.

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De hecho, ‘El mort i el degollat’ ha quedado tan bien que es algo así como la carta de presentación de este segundo disco…

“Sí, y hemos hecho el videoclip, que ha quedado precioso. Aunque están haciendo un videoclip para ‘Una chica espectacular’ que tiene muy buena pinta. Pero ‘El mort i el degollat’ es una canción que me encanta, y busqué a Gloria Vilches, una chica valenciana, para que hiciera el clip, porque es una expresión popular valenciana (“Li diu el mort al degollat: qui t’ha fet eixe forat?”). De hecho el videoclip lo encargué hace diez meses con una maqueta grabada con el iPhone… porque es stop motion, es collage, han tardado diez meses en hacerlo, ¡en una jornada de diez horas sacaban 15 segundos!”.

¿Algún secreto del disco para terminar?

“Por ejemplo, ‘Superhéroe’ duraba el doble, es una canción capada. De hecho es la parte final de una canción. Cosas del productor. Estuvimos una semana discutiendo y me convenció… y ahora reconozco que ha quedado mejor. La parte de antes contaba toda una historia bastante larga sobre las primeras citas: todos hemos sido un superhéroe alguna vez. Me imaginaba una primera cita en un restaurante con la chica o el chica, con toda la artillería que podemos llegar a sacar, en dos horas. Y la canción iba de esto. Y ha quedado muy abierta al final, pero me gusta mucho”.

Ezra Furman comienza esta noche en Zaragoza (La Lata de Bombillas) su incursión española dentro de la gira europea en solitario en la que está inmerso. Mañana tendría que haber ido a Bilbao pero el concierto se ha cancelado, así que la segunda oportunidad para verle será este mismo domingo 27 de noviembre en la sala Music Hall de Barcelona, inauguración del ciclo Blogged By Indiespot y acompañado de los dos grupos más votados de nuestra selección: Louisiana y Estúpida Erikah. La visita de Ezra Furman servirá a modo de presentación de su tercer disco junto a The Harpoons, el formidable Mysterious Power, un trabajo maduro pero igual de incisivo, en el que Ezra despliega todo su potencial como compositor y magnético intérprete. Pero servirá para presentar más cosas: primero, un maravilloso nuevo single compuesto por ‘Doomed Love Affair’ y ‘Penetrate’, de marcada influencia dylaniana y que pueden escuchar y descargar al precio que quieran aquí; y segundo, para comprobar cómo se desenvuelve el amigo Furman en solitario, puesto que para 2012 tiene previsto editar, pues eso, su primer disco completamente en solitario. Y la cosa, ciertamente, promete. Para hablar de todo ello le hemos hecho algunas preguntas a Ezra Furman, y este es el –surrealista– resultado.

¿Por qué decidiste girar por Europa en solitario si tienes que presentar un disco que grabaste con banda?

Hemos hecho muchos conciertos ya como banda. Siempre está bien recordarle al mundo que soy un artista que puede valerse por sí mismo. A veces tienes que tomarte algunas semanas y reducir la música a su esencia más pura. Esquilar al animal y quedarse solo con los huesos, como si dijéramos.

¿Cómo lo has hecho para trasladar las canciones de Mysterious Power a un formato acústico?

La mayoría de las canciones nacieron como versiones acústicas, que escribí yo solo en una guitarra acústica. Así que lo que estoy haciendo es simplemente mostrar a la gente qué había antes de que el grupo hiciera su magia con ellas. Creo que tienen otro tipo de magia completamente distinta, pero la siguen conservando. De hecho, hay algunas canciones que no puedo hacer sin la banda, pero al mismo tiempo hay muchas que solo puedo hacer yo solo. Se trata de derrotar a la canción, de conseguir llevarla a tu terreno, logrando que haga lo que tú quieras que haga. A veces las cosas se ponen feas.

También preparas un disco en solitario para el próximo año. ¿Por qué hora, y cómo lo planteas?

El disco en solitario es el resultado de mi tiempo libre alejado de las giras, de cuando fui a vivir a una casa llena de freaks, músicos, exconvictos y gente rara. En el ático había un estudio de grabación. Así que simplemente no pude esperar. Tenía que ver de qué era capaz. Y eso me gusta. En ese tiempo, me sentía un poco estancado en el ‘modo rock n roll’, y quería tener la habilidad de usar todo tipo de instrumentos y conseguir algo raro que sonara como algo completamente distinto. Esa es la manera en la que surgió el disco. Podrás juazgar por ti mismo cuando se publique en febrero.

¿Cuánto tardas en escribir una canción?

A veces tardo quince minutos. A veces tardo tres años. Literalmente. Hay una canción en el disco en solitario que estuve escribiendo durante tres años. En realidad es la canción la que decide cómo de duro tienes que trabajar en ella. La canción está al mando. Yo solo me esfuerzo para tratar de esta a la altura. Es un pulso duro, y cuando estás escribiendo, normalmente es la canción la que gana.

¿Y dónde escribes mejor?

En el tejado de una central nuclear de la zona. Así todo sale bien deformado y con mutaciones. Justo como me gusta.

Más allá de Bob Dylan, ¿qué dirías que hay en tus canciones?

Bob Dylan está muy dentro de mi cerebro, sí. También Buddy Holly y los Sex Pistols. Pero creo que mis primeras canciones estaban muy influenciadas por Billy Joel y Limp Bizkit. Era joven. De alguna manera, todo lo que has escuchado alguna vez en tu vida acaba asomando en la música que haces.

¿Recuerdas la primera canción que escribiste?

Antes de tocar cualquier instrumento, hacía pequeñas canciones y escribía las letras en el ordenador de mi madre. Planeaba discos enteros repletos de canciones. Me inventé una carrera imaginaria entera que cambiaría el mundo. Era terrible.

¿Lo mejor y lo peor de estar de gira?

Me gusta la sensación de estar en movimiento. Saber que no hay vuelta atrás: vas donde te toca, y te vas a mostrar a ti mismo enfrente de la gente te guste o no. Lo malo de todo ello es la soledad más absoluta y viciosa, y el aburrimiento.

¿Estar de gira sin banda es mejor o peor de lo habitual?

Es mejor porque tengo más tiempo para mí. Es peor porque tengo más tiempo para mí.

¿Qué recuerdas de tus pasos por Barcelona y del Primavera Sound?

Todo lo que recuerdo son nubes de humo, españoles medio desnudos y un bombardeo continuo e imparable de rock and roll. Bueno, y que algunos monumentos de Gaudí eran bonitos.

¿Y bandas de Chicago que debamos escuchar?

Empezad por Umbra and the Volcan Siege. Seguid con David Safran. Avanzad hasta la mitad con Joe Pug y quizá girad a White Mystery si os sentís con ganas de aventura. Y para los días verdaderamente duros, siempre está el legendario Hubert Sumlin.

“Ahora lo mejor que puedes esperar es que te coja Subterfuge y te lo roben todo”. Ir de cañas por Madrid es la mejor manera de analizar las particularidades de la fauna humana que habita tan demente ciudad. Un buen contexto para despotricar contra las multis, reconocer el amor de madre y admitir que son malos tiempos para la lírica y, ya que estamos, que La Movida no fue tan buena idea. ¿Dónde se cuecen estas conversaciones? Fácil: en una de las infinitas tascas que florecen en las inmediaciones de Plaza de España. Allí se observa una peculiar escena. El lugar parece bastante castizo. En la barra, pinchos de tortilla. Mesas de madera oscura. Barriles vacíos de cerveza que hacen las veces de asiento. Un puñado de parroquianos, de entre 40 y 60, degustando sus dobles, y a mi izquierda un hombre le enseña al barman unos discos. “Mira, éste es fantástico”. En mi cabeza flotaban cientos de posibles, pero jamás hubiera pensado que podría ser el Let’s get out of this country, de Camera Obscura. Fíjate tú. La conversación pinta interesante, y justo entonces aparecen por la puerta Edu García (guitarra y efectos, primero por la derecha en la foto de arriba) y Mario Zamora (teclado y sintetizadores, segundo por la derecha), de Lüger. Para los despistados: grupazo nacional, de canciones orgánicas. Aquí su bandcamp para más información.

Después de saludar al camarero (“es colega, tiene un poster nuestro en la puerta”), buscamos un sitio para sentarnos y empezar la entrevista. Les pregunto por qué han elegido ese lugar para charlar:

Mario: El tabernero es un buen amigo, además es coleccionista de discos. Radio City está aquí al lado, mucha gente compra discos allí y se viene aquí a tomar unas cañas y hablar de música.

Edu: Eso, el que tiene dinero para comprar discos.

Mario: El que no tiene dinero para discos viene aquí y se emborracha. Y luego dice que no tiene dinero para comprar discos.

Así son Lüger: relajados y con humor. La compañía perfecta para irse de cañas. Aunque no todo es tan amable como la hora del vermut. Edu: “Madrid te ataca. Si no viviéramos en Madrid no haríamos esta música tan esquizofrénica”. Esquizofrénica como en ‘Dracula’s Chauffeur Wants More’, uno de los temas de su último disco, Concrete Light: teclados espídicos, explosiones de guitarra. Muy peliculero todo.

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Precisamente el cine deja su particular huella en la forma que tiene Lüger de hacer música. Edu: “Mi madre siempre lo dice, que lo que hacemos es música para pelis”. Mario: “Mi madre también, ella dice que las canciones más ambientales que tenemos son muy de banda sonora”.

¿La opinión de vuestras madres es importante a la hora de sacar adelante canciones?

Mario: La opinión de una madre es importante para todo.

Edu: A la mía le enseño las entrevistas y los vídeos de Youtube. Me echa broncas cuando digo algo que no debía. Es como un manager al que no se le hace caso.

Mario: La mía viene a conciertos, aunque no aguanta la música y luego dice que es bastante ratonera.

Aceptamos ‘ratonera’ como la mejor definición, signifique lo que signifique. Sintetizadores pinkfloydianos, sítares, Dráculas y monos en las letras… y se llaman como un arma del ejército alemán, fetiche de miles de pelis bélicas. Esto sólo es una parte: también han girado por los principales festivales nacionales, y han sacado  dos discos. Dato importante, empezaron en 2009: “Nunca hemos estado más de un mes sin tocar desde que empezamos, eso no te da tiempo a pensar cosas nuevas, ni a pensar en general. Necesitamos un parón. Llevamos todo, aparte de la música: promo, distribución… las canciones no suponen ni el 10% de nuestro tiempo”.

Pero así sabéis dónde queréis llegar. No le rendís cuentas a nadie.

E: Claro, pero a veces nos gustaría tener a alguien que se ocupe de la gestión para poder ensayar más tiempo.

¿Lüger tendría lugar fuera de la autoedición?

E: Este último lo hemos autoeditado a medias con Marxophone, que son nuestra agencia de contratación. Cumplen con su papel, aunque queremos controlar ciertas cosas de nuestro trabajo. Por un lado está la parte artística, y por otra está lo que funciona para la gente.

M: Hemos tocado techo, este año hemos estado en muchísimos sitios: Primavera Sound, El Día de la Música, Sonorama… ahora nos toca pensar si tiramos por otro lado o qué hacemos. No creo que esto tenga más chicha en cuanto a promoción.

E: Teniendo en cuenta el tipo de grupo que somos, sabemos que no nos vamos a convertir en Vetusta Morla pasado mañana. Hay que ser realistas.

M: Alucinamos un poco con la repercusión que hemos tenido, dentro de nuestros límites. Bastante es que se hable de nosotros, haciendo este tipo de música. No hacemos nada rarísimo, pero para ser España es arriesgado.

Imaginad que algún día sois el grupo más conocido de España. ¿Os sentiríais cómodos?

M: No tiene que molar nada, lo único sería si la condición fuera seguir haciendo lo que queremos. Y tener mucho dinero.

E: Para comprar discos, venir aquí de cañas…

Vuestras canciones suenan muy orgánicas, como un extraño animal que se mueve y respira.

E: Nuestras canciones son muy simples, las tocaría un niño de cinco años. Lo que pasa es que mezclamos más instrumentos de los habituales. Técnicamente somos muy limitados. Menos es más siempre; si somos limitados, más; y si además somos cinco, más aún. Porque si no, se hace un batiburrillo.

M: Soy de los que creen que tener mucha técnica te termina por limitar. Estás juzgando en todo momento si lo que haces es académico o no, si los acordes son correctos según tal o cual escala… y ojo, que a mí me gustan Soft Machine y me escucho encantado su discografía.

E: Pero por cada Soft Machine hay cincuenta Pat Metheny o George Benson, que no hay quien se los fume. Hay mucho jazz-fusión chungo de ascensor por ahí.

¿Qué estilo jamás adaptaríais?

M: Precisamente el jazz, porque no lo sabemos tocar.

En otra entrevista comentáis que vuestra forma de tocar y grabar es muy democrática. Muchos dicen que vuestras influencias son psicodélicas o del krautrock, pero esa visión tan horizontal de la música, donde todos los instrumentos aportan lo mismo, es claramente jazzística…

E: Más que el jazz, el free jazz. Muchas veces en el jazz clásico es el piano o la trompeta quienes llevan la voz cantante. En el free jazz se ve más el rollo de “Todos a una, Fuenteovejuna”.

M: “O follamos todos o la puta al río”.

E: También, también, no quería ser soez.

M: El rollo democrático en nosotros viene porque llegamos al local de ensayo y no tenemos nada preparado desde casa. Se pone uno a tocar y el resto le sigue. Por eso es sencillo: si separas las partes y oyes la batería o la guitarra por separado ves que no estamos haciendo nada.

Vuestro directo es bastante fuerte a veces, y coquetea con el metal progresivo de grupos como Tool. ¿Es una influencia?

E: No.

M: Más cerca de Black Sabbath, quizá…

E: De pequeño escuchaba mucho metal, pero el rollo este más moderno… de Tool, hasta el Ænima. Después no hay quien se los trague. El Lateralus lo veo muy frío. Me pasa lo mismo con Nine Inch Nails. La idea no está mal, pero el sonido es tan perfecto y tan frío que pierde la gracia.

Dos discos en dos años. ¿Habrá tercero el año próximo?

E: Seguramente. Todo el mundo nos dice que es mala idea.

M: Si viviéramos de esto, sacaríamos tres discos al año.

E: No, al revés, si viviéramos de esto e hiciéramos caso a la gente que sabe del negocio…

M: Si tuviésemos la pasta suficiente para darnos el capricho de no tener que vivir de esto, habría tres discos al año. Al final sale el 10% de la música que pensamos. El problema es el tiempo.

Habéis hablado de la necesidad de crear un organismo como la SGAE pero que defienda el copyleft.

M: La Fundación Robo está haciendo historias, y luego David Aristegui está defendiendo el copyleft a través de nodo50.org. Trabaja con un pequeño manifiesto, una llamada a los artistas españoles a usar Creative Commons. Nosotros mismos difundimos nuestro trabajo a un precio libre, incluso gratis.

E: No vamos a ganar dinero haciendo esta música. Regalamos nuestro primer disco, y se agotó. Quinientas copias en vinilo. A las pruebas me remito. Funcionó a un nivel pequeñito, pero, por ejemplo, las multis no sacan muchas más copias en ese formato.

M: Es una tontería ver la piratería como un problema. Nuestros padres copiaban casetes para recomendarse música de Serrat o de Víctor Jara, y luego iban a los conciertos.

Estuvísteis en EEUU, en Francia… ¿veis mercado allí?

E: Sí, pero estás más en tensión.

M: Quince conciertos en veinte días, es demasiado.

E: Pero la gente se portó genial. Nos acogieron en su pequeño circuito de conciertos, dormíamos en su casa… hasta sonamos en WFMU. Flipante.

M: Las radios generalistas de aquí, e incluso las independientes, como Radio3, que de independiente tiene cero, están centradas en un estilo muy cerrado. En EEUU, en cambio, suena cualquier música.

E: Y luego a esa radio van Yo La Tengo o Sonic Youth a tocar por la cara, porque reconocen la labor que hace esa emisora y el valor cultural que tiene. Todo el mundo apoya: los oyentes con sus donaciones, los grupos, etc.

¿Qué le falta a este país para que pasen ese tipo de cosas?

M: No es que falte, lo que sobró fue el franquismo.

E: Y aquí todo el mundo va al negocio. En Madrid no hay salas que programen ellas mismas, salvo Gruta77, que va a su rollo. No hay nadie que se sienta orgulloso por traer grupos, sino que se sienten orgullosos porque se están forrando.

M: Aquí es un pillaje. Otra forma de hacer dinero. En EEUU se ve como otra forma de vida.

E: Luego hablan de los americanos como los más individualistas. Pero allí la misma gente del público te ofrece dormir en tu casa. Eso no pasa en España.

M: Volviendo al franquismo, durante esos años de cerrojo hubo mucha música que se hacía fuera de España, y que aquí no entró. La gente en Francia controla mejor de música, como lo de Chalon sur Saône, donde tocamos en un matadero antiguo cedido por el ayuntamiento a las asociaciones culturales.

E: Aquí eso se lo ceden a Red Bull, a Heineken… a gente que hace negocio, no cultura. Lo más parecido es la Tabacalera de Madrid.

Habrá quien piense que vuestro sonido pide lugares más adecuados para explotarlo al máximo, como auditorios, aunque vuestra actitud encaja mejor en las salas corrientes… ¿tenéis alguna preferencia?

M: En un teatro me fliparía.

E: A mí con niños, en un colegio.

M: Disfrazados de Reyes Magos, tocando la guitarra.

E: Son el público más auténtico. No saben quién eres, ni la música que haces, les da igual. Si les mola saltan, si no, llaman a su padre para que se vayan a casa. No hay trampa ni cartón.

Últimamente, parece que hay una mini-ola de grupos que, sin tener nada que les una, comparten cierto sonido perturbador (Ornamento y Delito, Odio París, Disco Las Palmeras!). ¿Es casualidad o no?

E: Conocemos a Disco Las Palmeras! y lo único en lo que coincidimos es en meter ruido. Venimos de sitios muy diferentes. No tenemos un pasado común, ni mucho menos.

M: Lo único común es que queremos hacer algo diferente. Hay grupos que no tienen dónde meterse, y terminan juntándose.

E: Con ellos tenemos una relación de hermanamiento. Una vez se nos jodió la furgoneta, y en lugar de cancelar el bolo con ellos, nos consiguieron otra furgoneta, nos la trajeron… se esforzaron. Nos tenemos cariño. En la forma de hacer las cosas vamos del mismo palo. Intentamos apoyarnos.

Si nos salimos de lo musical, hay quien puede ver en el momento actual un buen caldo de cultivo de músicas que transmitan rabia, como en su tiempo pasó con el punk…

M: No nos llama la música politizada de manera explícita. Nos gusta más el trasfondo, la mala leche.

E: Si viviéramos en el Puerto de Santa María haríamos una música más relajada y bonita. No es el caso.

¿Creéis que la música puede cambiar las cosas?

E: A la gente se la suda.

M: El rollo de hacer música diferente se seguirá manteniendo, pero va a ser más clandestino de lo que es. No va a afectar directamente a la sociedad. Los grupos en lugar de buscarse una discográfica se lo montarán por su cuenta, se currarán las portadas a mano, sacarán tiradas de 200 copias….

E: De todos los amigos que tengo metidos en discográficas, ninguno está contento. Todos están pidiéndonos consejos. Mantener una estructura grande donde hay que pagar a gente viviendo de la música no es factible en muchos casos. No es culpa de las discográficas, pero han vivido en un mundo donde esa industria no…

M: (Interrumpe) Con la Movida hubo un boom brutal, y vinieron aquí muchas filiales de las multis. Tenían un huevo de dinero que invirtieron en grupos de mierda que habían tocado dos veces. No digo que fueran buenos o malos, pero de pronto se vieron con un contrato multimillonario. Es curioso porque ahora hay mucho más talento y la gente está más formada, y no hay medios para difundir eso. Ojo, no estoy despreciando para nada la Movida. Derribos Arias eran maravillosos, estuvieron en el momento adecuado, sacaron un contrato para grabar tres discos y vivir guay. Era el todo vale.

E: Ahora lo mejor que puedes esperar es que te coja Subterfuge y te roben todo. Los sellos ahora se meten en temas de management y de contratación, porque vendiendo discos no hacen dinero. Pero seguro que hay otros peores. Las multis están perdidísimas, pasarán de vender música a aparatos que reproducen música. El mundo evoluciona, si no han sabido adaptarse es su problema. No vamos a parar la evolución para que ellos tengan su ranchito.

M: Ahora la gente se limita a sobrevivir. No busca vivir bien. En la música es igual. Sólo tenemos dos condiciones: pasarlo bien y no perder dinero.

Pensaba que las mujeres formarían parte de esa fórmula…

E: Las mujeres son lo mejor que hay, pero no tiene que ver con esto.

M: Volvemos a hablar de las madres. Tienen un peso importante. Hasta para opinar de las mujeres.

Entrevista – Álvaro Ramírez
Fotos – Mariano Regidor

El pasado 21 de noviembre de 2010, coincidiendo con la visita de Arcade Fire a Barcelona, tuvimos la ocasión de pasar 15 (estrictos) minutos con uno de sus miembros, Richard Reed Parry (en la foto, el más alto), para elaborar un artículo que aparece en la revista Rock Zone de este mes (por cierto, acaban de estrenar televisión). Gracias a ellos, sin embargo, ahora que la revista lleva algunos días en la calle, nos han permitido publicar la entrevista íntegra en indiespot, aprovechando que se trata de Arcade Fire, sin duda el grupo del año. No en vano, su reciente The Suburbs fue coronado como mejor disco internacional de 2010 para nosotros, y el susodicho concierto, en el Palau Sant Jordi de Barcelona, como el mejor (también) del año. Una buena manera de culminar un año espectacular, de hacer balance de su ya notoria trayectoria, y de conocer un poco mejor a Richard Reed Perry, multiinstrumentalista (toca desde la guitarra a la batería, pasando por el doble bajo, los teclados o el acordeón), que según cuentan es el miembro más cercano al núcleo duro del grupo, que forman el cantante Win Butler y su esposa, Régine Chassange.

¿Qué tal fue el concierto de anoche en Madrid?

Genial, el público fue increíble.

¿Tenéis malas noches vosotros también? ¿De qué dependen?

Claro que las tenemos. Depende de todo… el público ayuda mucho. En España es increíble.

The Suburbs es un disco realmente ambicioso, ¿estáis sorprendidos de que haya sido tan bien recibido?

No sé si sorprendido… supongo que sí. No acostumbro a leer muchas revistas, pero sé que las críticas han sido positivas. No diría que estoy sorprendido, pero es genial que la música esté conectando con la cultura y la gente. Tiene sentido para mí, viendo lo que ha pasado hasta el momento.

¿Ha sido un disco difícil de hacer? Veníais de una gira larguísima, es un disco grande, con 16 temas…

Fue difícil, y largo. Hacer discos es complicado. Este grupo se vuelve bastante microscópica sobre algunas cosas, y es un disco largo… demasiado largo. Pero está bien, tiene sentido que sea tan largo, creo. Básicamente, en vez de hacer un disco, hicimos dos álbumes llenos de canciones: así que sacrificamos algunas, y el resto están en The Suburbs. Podría haber sido más largo de lo que es. Pero es complicado, sí, estar en este grupo es complicado. Mucha gente. Muchas ideas.

¿Cómo trabajais las canciones con tanta gente?

Trabajamos las cosas en pequeños grupos de gente, de tal manera que no haya más de tres personas dándole vueltas a algo a la vez. Y sí, cuando improvisamos y lanzamos ideas, somos más gente (nunca todos), y todo se vuelve un poco más caótico (risas). Pero lo dividimos en grupos más pequeños y nos funciona.

Y el hecho de que el álbum tenga 16 canciones, divididas en bloques de cuatro en el vinilo, ¿eso es intencional?

Sí, lo es. Completamente. No desde que empezamos, claro, pero queríamos que fuera largo y cuando empezamos a trabajar con las canciones, empezó a ser bastante claro que se podía dividir en mitades y cuartos, y que se podía escuchar bien en pequeños trozos.

Es vuestro disco más diverso, además…

Sucede naturalmente en este grupo lo de escribir canciones diferentes y de diferentes estilos. Y sí, tampoco es que sea nuestra misión hace un disco súper diverso, pero es algo que sucede.

¿Y quizá ahora estáis más liberados para hacer lo que os venga en gana?

Claro. Funeral es un poco caótico también, estilísticamente diverso, aunque no tanto como The Surburbs. Y Neon Bible… no. Ese disco es como un túnel.

¿Cómo encaja tu rol como multiinstrumentalista en el grupo?

No creo que tenga solo una función dentro del grupo, y por eso creo que funciona. Personalmente tengo muchas capacidades diferentes, y las canciones son tan diferentes unas de otras que siempre acabo tendiendo a hacer algo distinto en cada una de ellas. No planeé que las cosas fueran de esta manera, pero así salió y ya me va bien (risas). Me gusta tocar diferentes instrumentos, y siempre intento aportar el que mejor encaje con cada canción.

¿Tu instrumento favorito?

El doble bajo. Es muy divertido y no lo toco demasiado. Y también me encanta tocar la batería.

¿Habéis notado un gran cambio en popularidad, un salto adelanta real con este disco?

Sí, sin duda. Es imposible no darse cuenta de ello. Estamos tocando para cantidas de público enormes.

¿Y cómo lo lleváis en cuanto a dinámica de grupo, de giras, etc?

Es raro, las cosas son distintas ahora. Es duro conectar personalmente con una gran cantidad de público que te está mirando, así que durant emucho tiempo lo dimos por imposible y nos tuvimos que retraer un poco y tocar centrándonos mucho en nosotros. Era mucho más fácil cuando tocábamos en clubs, porque al ser tantos encima del escenario, conectábamos al instante, transmitíamos esa energía que estábamos dando. Ahora es más complicado, y dejamos que sea la música la que lo diga. Y claro, podemos usar la producción del escenario, los vídeos y las pantallas, etc. Al final dejas de forzar el hecho de intentar conectar con la gente, te relajas y terminas acostumbrándote. Y esperar que al final se consigue algo.

¿Y eso es lo que pasa con los festivales y vuestra reticencia pasada a tocar en ellos?

Es complicado, aunque ahora que tocamos en recintos tan grandes, la diferencia entre un concierto normal y uno en un festival es más pequeña, son menos diferentes. Cuando tocábamos en salas para 2.000 personas todo era muy intenso, y luego nos plantábamos en un festival y había demasiada gente, era una locura. Pero ahora que nuestros conciertos son ya bastante grandes, no nos cuesta tanto. Durante un tiempo fue un inconveniente, pero igual que todo lo demás, lo vamos asumiendo.

¿Tienes miedo de que esto se haga todavía más grande?

No sé si puede hacerse más grande… Bueno, supongo que sí. Podría ser más grande, pero seguiríamos tocando en los sitios que tocamos ahora, solo que lo haríamos dos veces, y tomaríamos un avión después del concierto en vez de un autobús. No creo que cambie gran cosa de cómo es ahora. Tenemos una suerte inmensa ya de por sí de haber llegado hasta aquí, y vamos a tratar de usarlo de la mejor manera posible. Por ejemplo, pienso en U2, y ellos son el grupo más grande del mundo. Y pienso: ‘vale, genial, están tocando en el mismo sitio que tocamos nosotros, pero ellos lo hacen tres noches’. Una vez estamos detrás de la cortina en el mundo del rock de estadio, solo nos queda asumirlo y tratar de hacerlo lo mejor posible.

Tras el pelotazo que supuso ‘Future Sex‘, la canción del “orgasmatron” que acabó sonando en todas las discotecas indie durante un buen tiempo; tras la extensísima gira que los llevó por toda la geografía española e incluso del extranjero; tras haberse aburrido de su primer disco, con temas que ya tenían escritos años atrás; tras haber sido calificados como un simple ‘grupo del momento’ que todo el mundo olvidará pronto… los barceloneses Mendetz han vuelto. Y lo hacen con un auténtico disco, profundo, con matices, capas, colores y texturas, luces de neón, playas y camisetas de recuerdo, que rememora abiertamente la vena más fluorescente y hortera de los ochenta pero en forma de homenaje sincero, real y pensado. Souvenir es la respuesta a todo lo anterior, un gran disco que llevará a Mendetz al lugar que se merecen, que no es otro que a la cima de la música de baile hecha en este país, y todo gracias a un laborioso trabajo de meses en su estudio casero, y a un posterior viaje para grabar con el productor de United de Phoenix. Llega el verano, vuelven Mendetz, y nosotros charlamos con ellos al respecto. ¡A bailar!

¿Qué ha pasado en Mendetz desde que sacasteis el primer disco hasta este segundo?
Pablo: “Han pasado muchas cosas. Estuvimos muchísimo tiempo de gira con el primer disco, casi un año y medio sin parar, y acabamos destrozados. Hicimos como 100 conciertos, y de repente paramos en seco, nos olvidamos de la música. Hasta el punto de que casi no tocábamos ni nuestro instrumento. Luego llegaron los dos episodios de México (en abril y septiembre), y entre tanto nos montamos nuestro propio estudio en casa. Íbamos componiendo nuevos temas, pero nos ha costado muchísimo volvernos a poner”.
Stefano: “Es que el primer disco estaba compuesto en 2003 la mayoría, y salió en 2006. Dos años tocando con la maqueta, dos años más con el disco,… y de repente vimos que teníamos que componer otra vez, y nos entró el pánico. En tres años y medio hicimos 10 canciones, y esta vez tuvimos que hacer otras 10 pero en seis meses”.

¿En algún momento pensasteis que este disco no saldría?
S: “No, en ningún momento. De hecho, más allá de nuestra propia presión, no tuvimos ninguna externa”.
P: “Teníamos una fecha marcada pero desde muy temprano sabíamos que no llegaríamos, y desde Sinnamon preferían que hiciéramos un buen disco que diez ‘Future Sex’ para sacarlo corriendo”.

Y mientras escribíais el disco, ¿no hubo momentos de ofuscación?
Jan: “Sí, muchísimos. Al principio, sobre todo. Fue una decisión arriesgada decidir que lo grabábamos nosotros, que confiábamos en lo que sabíamos a nivel técnico y de producción y que haríamos el disco con un ordenador, un Pro Tools y nuestros instrumentos”.
S: “El primer disco es un disco de local, teníamos los temas ensayadísimos, alquilamos un estudio durante dos semanas y lo grabamos tal cual. Este segundo ha sido un disco de estudio. En este caso optamos por disponer quizá de menos material profesional, pero al mismo tiempo tener mucho más tiempo para desarrollar el disco, ir componiendo mientras grabábamos, etc…”.

¿Cómo fue el procedimiento?
S: “Básicamente decidimos que íbamos a grabarlo nosotros y entonces nos pusimos a componer. Abríamos un nuevo proyecto en el Pro Tools, completamente vacío, y lanzábamos allí todas las ideas. Había un momento en que teníamos seis canciones empezadas, pero sin letra, sin melodía, sin estribillo,…”.
P: “Este funcionamiento también ayudaba de cara a hacer más electrónica, porque puedes entretenerte en más cosas, producirlo, y al fin y al cabo divertirte más probando cosas”.

Souvenir es un disco que suena completo, maduro y con mucho bagaje. Cuando os lo poneis ahora, ¿de alguna manera os sorprende en plan ‘joder, esto lo hemos hecho nosotros’?
S: “A mí me sorprende muchísimo que me guste. Me lo pongo porque tengo ganas de escucharlo. El primer disco, en cuanto salió, dejamos de escucharlo, pero este nos gusta mucho cómo ha salido”.

Entiendo que sacrificasteis la grabación en un estudio a cambio de que lo mezclara Alf (productor de Air, Phoenix). ¿Qué toque creéis que le dio al disco?
J: “La idea era esta, como en teoría no gastábamos con la grabación, podíamos elegir a una persona externa e importante para que nos mezclara el disco. Alf nos gustaba especialmente por el primer disco de Phoenix, y nos lo pudimos permitir sólo para la mezcla. Fue algo completamente nuevo, porque era la primera vez que una persona externa opinaba e influía en nuestra música. Le traíamos las canciones crudas y él las reinterpretaba: le llevábamos la canción por la mañana, nos íbamos, y cuando volvíamos él ya se había fumados seis o siete porros y había interpretado la canción a su manera”.
S: “Luego había dos horas de discusión, y al final decidíamos cómo acababan siendo”.

Ninguna canción baja de los 4 minutos. ¿Entendéis el disco como un reto, de alguna manera, a los oyentes?
P: “Sin duda. Es algo que siempre hemos dicho”.
S: “Es medio reto y medio pega nuestra. No es fácil tener un ordenador delante de ti y tener a cuatro personas aportando ideas sin parar, porque luego te sabe mal no ponerlas. No sabes decir que no, y al final lo acabas poniendo todo”.
J: “Hay canciones que son hijas de otras dos que hemos acabado juntando, y tampoco es fácil unir dos canciones, construir un puente y sacar los puntos en común. Eran aventuras a última hora de la noche en casa de la abuelita (risas). Con Alf también tuvimos discusiones por eso, porque él es más partidario de la sobriedad. De hecho le prometimos que si volvíamos lo haríamos con un disco de cuatro pistas cada tema, ocho canciones y dos minutos por canción (risas)”.

Como dice la nota de prensa, en el disco hay 10 canciones pero en realidad son muchas más. ¿Cómo nace una canción de Mendetz? ¿Cuánto tardáis en completarla?
J: “Hay un tema, ‘Wolfdance’, que está compuesto desde hace tres años, y no te imaginas de cuántos temas ha formado parte ese riff, para al final dar lugar a esta canción… el riff del final”.
S: “Eso es una parte de una canción que a su vez tenía diez partes, y que fue lo primero que hicimos después del primer disco”.
J: “Es una manera de componer bastante extraña, porque componemos la melodía de voz, por ejemplo, al final. Y a veces las cosas nacen de un riff insignificante, o de una base muy pequeña”.
S: “Ha habido tardes enteras tiradas a la basura, y luego en cinco minutos, a las cuatro y media de la mañana, cuando estamos a punto de apagar el ordenador, se nos aparece la canción”.

¿Os prohibisteis de alguna manera intentar repetir la fórmula de ‘Future sex’?
P: “No, ni por un lado ni por el otro. Ni nos prohibimos repetirla, ni nos forzamos en ningún momento a hacerlo. No lo pensamos mucho, de hecho”.
S: “Siempre vas a querer un hit, siempre está bien tener uno, pero en este caso hemos estado más centrados en hacer un buen disco en conjunto, que no juntar todas las fuerzas en una canción o dos. Quizás aquí no hay ningún hit espectacular, pero sí que hay un cuerpo de disco muy sólido”.

La última canción del disco, por ejemplo, destaca bastante del resto por un aire realmente funky. ¿Por qué la escogisteis para cerrar el disco?
J: “Al principio era como un divertimento, teníamos una base como para que se pudiera rapear encima…”.
S: “Luego teníamos una línea de bajo muy negroide de Uri, y buscábamos una de esas canciones de minuto y medio que sirviera de impaso en el disco. Así que las mezclamos, y de repente se nos fue, la hinchamos, la hinchamos… y terminó así”.

Tanto el diseño del disco como las canciones son claramente ochenteras. ¿Lo planteasteis de alguna manera como un homenaje a esa época?
S: “Es como todo un pack, lo principal que buscábamos es que la imagen del disco y de toda esta nueva fase de Mendetz tuviera coherencia, y que encajaran con las canciones. Es un homenaje a la parte de nuestra infancia que no tratamos tanto en nuestro disco, como las camisetas de Souvenir de Mallorca, Sunset Boulevard, con las palmeras y tal…”.
P: “El título se nos ocurrió muy pronto, cuando quizá teníamos tres canciones sólo. Y creo que eso ha influenciado muchísimo el resto del disco”.

En este sentido, ¿cómo sería un concierto vuestro si pudierais tener todo lo que quisierais?
S: “Buf… lo querríamos todo. Ahora fantaseamos mucho con hacer dos conciertos en uno: uno hasta la mitad del concierto, como simulando un atardecer, música más relajada; y que la segunda mitad rompe del todo, y se convierte en la fiesta más radical, llega la noche, el bombo, las sierras del sinte…”.
J: “Yo pondría coristas de house, unos bailarines…”.
S: “Yo pondría una palmera en el centro y encima luces estroboscópicas. Y Pablo subiría hasta diez metros de altura con la batería, y cada vez que tocara el bombo, una luz se encendería…”.
P: “Yo pondría mozos de carga y descarga para que nos hagan las pruebas de sonido… (risas)”.

Escuchándolo, este disco parece complicado de trasladar en directo, sobre todo siendo solo cuatro. Sin embargo me comentaron en el Apolo que sorprendisteis por lo bien que lo adaptais. ¿Es muy complicado?
J: “Nos daba mucho miedo, y al final no fue para tanto. No podemos trasladar todo lo que suena en el disco, eso está claro, pero se compensa con el volumen y la intensidad del directo. Nos sorprendió que llenara tanto sólo tocando cuatro, de hecho”.
P: “Hemos pasado muchísimas horas ensayando en el local, porque estábamos acojonados. Fue terminar el disco y pensar: ‘bueno, ¿y ahora qué?’ Es lo malo de grabar un disco así, llevas un año probando diferentes líneas e ideas, y al final ya casi ni recuerdas la que se ha convertido en la canción final. Eso nos ha pasado”.

¿Creéis que con este disco podéis dar el salto del todo al extranjero?
P: “Lo que salga. Si por nosotros fuera estaríamos girando por todo el mundo todo el año…”.
J: “Con base en París… (risas)”.
P: “Con el primer disco tuvimos mucha suerte, con lo de México, Londres e Italia, pero ya veremos…”.
S: “Lo bueno de este disco es que creo que esta vez no podrán decir que somos la respuesta española a nada (nos dijeron que éramos los Franz Ferdinand o The Rapture de aquí), con lo que fuera eso también puede ayudar”.