Cuenta atrás definitiva para el Primavera Sound 2012, la cita musical indiespotera del año. Esos días en los que nos dividimos, lo damos todo y luego hacemos la mejor crónica de festival jamás leída (ja). Y en esa cuenta atrás, aprovechamos para darle luz a Beach Beach una de las bandas nacionales más interesantes de las que pasarán por el Parc del Fòrum de Barcelona. Una banda, de hecho, afincada en la capital catalana, pero de origen y raíces mallorquinas. Hace unas semanas (todavía hacía tiempo de chaquetita) pasaron por Madrid e hicimos el experimento de hacer con ellos nuestra primera entrevista en video. Eso salió bien (gracias, @enlavidabohemia). Luego grabamos algunos temas de la prueba de sonido. Eso salió mal. Pero oigan, estamos empezando en esto.

Beach Beach, que presentan estos días su primer LP, Tasteless Peace (La Castanya, 2012) darán uno de esos conciertos para valientes: el viernes a las 17h. Es decir, pronto después un día de destrozo corporal. Eso sí, lo harán en el escenario Pitchfork. “Lo del escenario no lo sabíamos. Fue cuando Pitchfork publicó su escenario del Primavera que mi compañero de piso me vino y me dijo, “¡tío, que estaba leyendo esto y os he encontrado en el cartel!”, dice Tomeu. Él es una de las mitades de la banda. La otra es Pau, que compagina este sarao playero con su pertenencia a Capitán y a una de las bandas fetiche de este blog, Extraperlo. En directo les acompañen Àngel Garau y Lluís Cabot, que en este video aparecen como paseantes en el 0:46 o así. Ale, al play.

Y antes de acabar, un par de recomendaciones de bandas de su zona, que siempre nos gusta.

Pau: A mi me encanta, pero un montón, Villarroel. Es mi banda favorita de Barcelona.
Tomeu: Yo estoy de acuerdo con Pau en lo de Villarroel. Luego Arponera están muy bien. Y de Mallorca hay una que siempre reivindico que son Satellites.

A lo tonto, Kristian Matsson, único  hombre detrás de The Tallest Man On Earth, se ha convertido en un valor seguro del mejor fok de los últimos años. Su discografía, formada por un par de EPs y un par de LPs, no tiene prácticamente desperdicio. Tras aquel soberbio debut en 2008 con Shallow Grave, el sueco supo mantener la magia en su segundo, Wild Hunt, de 2010, año en que también facturó ese EP, Sometimes The Blues Is Just A Passing Bird, que es una joyita siempre reivindicable. Desde aquellos dos discos hemos visto al sueco girar bastante. Volvimos a encontrarle el año pasado en el Primavera, comiéndose el escenario a golpe de grito roto y arpeggio suave, solo ante el peligro. El sueco, de 29 años y casado con la también canante Amanda Bergman (aka Idiot Wind, ojo al link) vuelve este veranito con nuevo trabajo, dice que por fin grabado en su estudio casero y sin agobios. Será el tercero de su discografía, saldrá el 12 de Junio y se llamará There’s No Leaving Now. Y ya tiene adelanto. ’1904′ es una canción totalmente continuista con su producción anterior: folk de guitarra rasgada con olor a grabación en cinta abierta. Entra a la primera escucha, pero gana extrañamente cuando uno lleva media docena. Y si, es cierto, el tema bordea el autoplagio, pero es impecable, así que nos dejamos querer. Esperemos, no obstante, que el disco sepa dar un paso hacia alguna parte. Dice Matsson que esta vez ha renunciado a la grabación desnuda y ha abrazado la tecnología. Algo se intuye en ese colchón armónico. Veremos. Ya hay ganas. Abajo dejamos el tema (descargable aquí, via Rolling Stone) y la portada del álbum.

No hay nada que frene a Jason Pierce. Ni la neumonía acompañada de dos paradas cardiacas que sufrió hace unos años ni el tratamiento bajo el que trata de reparar  su particular escombrero en forma de hígado. Las patologías son los estertores del mantra de sus ya lejanos Spacemen 3 que rezaba “Taking drugs to make music to take drugs to”. De la primera enfermedad escapó con su álbum Songs in A&E. Los remedios para la segunda merodearon una gira en 2010 rememorando su sobresaliente Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space, de 1997. Los tiempos muertos entre aquellos conciertos sirvieron para componer las once canciones que forman el séptimo disco de estudio de Spiritualized: Sweet Heart, Sweet Light.

Las obras excelsas lo son por eso precisamente. Abarcan un momento único. Es un error, por tanto, pensar que este último trabajo pueda alcanzar las cotas logradas hace 15 años, aunque el proceso creativo pudiera suponer algunas líneas de convergencia. Pero, salvado ese escollo, la apuesta es notable. Tras la introducción a modo de títulos de crédito de una oda melancólica de, pongamos por caso, Elia Kazan, irrumpen las viscerales guitarras y teclados de ‘Hey Jane’, una retrospectiva eterna a la mejor Velvet Underground, con un Pierce desbocado, y con un epílogo infinito en el que el autor propone un viaje espacial de atmósferas pinkfloydianas que preceden al placentero despertar coral. Nueve minutos de single que en su versión videoclip dan para casi un corto, dirigido en este caso por AG Rojas (que, por cierto, acaba de firmar otro para Mr White).

Es la mejor pieza de un disco en el que el único miembro permanente de la banda reduce su inherente ampulosidad instrumental, menos pretenciosa que en otros trabajos como Pure Phase, sin que ello suponga, por supuesto, un defecto y que resulta extraño teniendo en cuenta que la grabación de este disco ha tenido lugar en emplazamientos tan diversos como Los Ángeles, Gales y Reikiavik. El resultado es más directo, menos ornamentado. Es un camino a la estabilidad, un manifiesto de que este presente obvia reveses como las dolencias físicas o el ya lejano el rechazo de los seguidores de Depeche Mode, que les obligaron a cancelar la gira conjunta con sus compatriotas en 1993.

La calma de ‘Get it on’ puede ser un buen síntoma de esa realidad, optimista bajo letras nostálgicas en ‘Too late’ o reflexiva en ‘Freedom’. Solo hay que mirar los créditos para comprobar que Pierce mantiene su obsesivo muro de sonido, mucho más lisérgico que el de Phil Spector, pero, en esta ocasión, en un papel tan secundario como eficiente. Así ocurre, por ejemplo, en ‘Get What You Deserve’ o ‘Headin’ For The Top Now’, otra maratón de más de ocho minutos. Una de las ventajas de apostar por una orquesta ecléctica a la hora de componer es que pueden aparecer leyendas cómo Dr. John, coautor de  ’I’m What I’m’. Los tintes catedralicios, consecuencia de la pasión por el gospel que siempre ha mantenido Jason Pierce, únicamente comparable a su confeso ateismo, brotan discretamente en ‘Mary’. Y aunque puede que el final de ‘So Long Pretty Thing’ incordie a aquellos que tienen una obstinación depresiva, la creciente sonrisa que se va esbozando es el punto y final preciso de alguien acostumbrado a apartar nubarrones con un arma potente como pocas: su ineludible deseo de hacer música.

Texto: Carlos Marlasca

Cuenta Jack White que tiene tres padres: su progenitor, dios y Bob Dylan. Si la fecundación y el ascetismo se deben a los dos primeros, su frenética actividad, sin lugar a dudas, es consecuencia de su devoción por el bardo de Minessotta. Con solo 36 años es el protagonista de una de las historias más solidás en los albores del siglo XXI. Su matrimonio con Meg White dio unos frutos imperecederos. No solo porque los White Stripes compusieran el himno ‘Seven Nation Army’, reducido a escombros por hordas de hoolingans. Desde su disco homónimo hasta Icky Thump, su último trabajo juntos en 2007, ambos consiguieron situar a su formación como una banda de referencia, a pesar de la orfandad que mostraban sobre el escenario. La ruptura conyugal con la mujer que le proporciono su apellido y que ahora tiene como suegra a Patti Smith no fue suficiente para mermar su ambición. Mostró su cara más angelical con los Raconteurs, el grupo que formó con su amigo Brendan Benson.

Pero la cronología de Jack White se escribe con los latidos breves y certeros de su desgarrada guitarra. En los tiempos en los que el complejo de Peter Pan inunda las tendencias de todos los rincones del mundo, él se siente confortable como icono del rock. Quizá por eso convenció a Benson para participar en un proyecto mucho más cavernario que el de los Raconteurs, Death Water. Su imparable actividad le ha conducido a colaborar con Danger Mouse, los Rolling Stones o Alicia Keys, a la producción de bandas como Whirlwind Heat e incluso a ponerse frente a las cámaras, en películas como Coffee and Cigarettes, de Jim Jarmusch, entre otras muchas. Sus propias exigencias le obligaban a dar un paso adelante, una apuesta en solitario. La tensa espera llega a su fin.

El primer disco en solitario de Jack White, desde hoy en las tiendas, se llama Blunderbuss y está editado por su sello, Third Man Records.  En enero conocíamos su primer single, ‘Love Interruption’, un medio tiempo de tintes melancólicos que canta junto con la ghanesa Ruby Amanfu. La segunda, ‘Sixteen Saltines’, representa la cara más reconocible del de Detroit: distorsión y contundencia. En Blunderbuss, White habla sobre historias de amor personales y amplia sus horizontes, habitualmente impregnados de tintes garajeros, hacia una producción más nítida que habilita teclados épicos en ’Wheep Themselves to Sleep’, violines melancólicos en la propia ‘Blunderbuss‘ y miradas pretértitas en ‘Hip (Eponymous) Poor Boy’ o ‘I Guess I Should Go To Sleep‘.  Un trabajo más contenido que aún mantiene las señas de identidad del líder de los White Stripes con el citado ‘Sixteen Saltines’ o ‘I’m Shackin”.

Este viernes (27) Jack White toca en el Webster Hall de Nueva York. El show podrá verse en directo por internet, estilo Coldplay, y estará dirigido por el actor Gary Oldman. De momento, la gira que tiene prevista por Europa de aquí a principios de Agosto no tiene parada en España. ¿Logrará Jack White colmar las expectativas?

Texto: Carlos Marlasca.

Cuando Vic Chesnutt murió, a Kurt Wagner se le cayó la música de las manos. Han pasado ya algo más de dos años desde que el de Florida decidiese acabar con su vida, después de casi tres décadas en una silla de ruedas tras sufrir un accidente de tráfico a los 18. Al recordarle, a Wagner se le entrecorta la voz. Y es que no eran sólo colegas, eran amigos. Dos tipos que se conocieron antes de la existencia siquiera de Lambchop. De hecho, Wagner, que antes convertirse en músico se ganaba la vida poniendo parqués, dice que fue Chesnutt quién le metió en esto. “Esta banda no hubiese existido sin Vic Chesnutt”. Quizás por eso, tras aquel 25 de diciembre de 2009, Wagner dejó de tocar, de componer, de cantar. “No sabía cómo continuar haciendo lo que estaba haciendo. Llegué a un momento en el que perdí gran parte de mi capacidad de comunicare a través de la música”.

Entonces regresó a su vocación artística original: la pintura, “la forma de comunicación artística más indirecta posible”. Y allí, exiliado en los pinceles, creó sin saberlo la portada del hasta hoy último disco de Lambchop. Porque no, el parón no fue definitivo y con el tiempo, entre pincelada y pincelada, Wagner volvió a escribir letras, a tocar la guitarra y, finalmente, a hacer las canciones, algunas monumentales, que componen este álbum, Mr. M. Un álbum, por cierto, que iba a llamarse Mr. Met, como la canción, pero que sufrió la amputación por culpa de una coincidencia estúpida. Un trabajo pausado, refinado, algo triste pero, sobre todo, de una elegancia infinita. Y dedicado, claro, a la memoria de Mr. Chesnutt.

Los arreglos de cuerda con los que se abre, como un río espumoso despeñándose a cámara lenta, calidad BBC, dejan claro que aquí no hay lo fi que valga, no hay rugosidad más allá de la que le dan a las cuerdas vocales los años y el humo de los cigarros. La voz de Wagner, subwooferiana cuando habla, suena a crooner sin volumen cuando canta. “I don’t know what the fuck they talk about, maybe blowing kisses…”, dice en la primera frase de ‘If Not I’ll Just Die’, joya. Son ya muchos discos con Lambchop y esa voz ha fermentado. Reponemos Nixon y le escuchamos menos gutural, más inteligible, pero menos cerca. En Mr. M, Wagner canta con los labios frotando la rejilla metálica del micro, muy cerca.

Las letras, de un costumbrismo pictórico, con ese aire de gran novela americana, son deliciosas. En ’2B2′ -acrónimo de ‘to be two’- Wagner canta: “It was good to talk to you while we are cooking, sounds like we are making the same thing”, y uno casi lo imagina con una sartén en la mano derecha, limpiándose la palma de la izquierda en el delantal viejo, sosteniendo el teléfono con el hombro y sonriendo al conversar. Todo envuelto en ese terciopelo musical que suena a jazz, a Sinatra, a country de salón muy caro. Responsabilidad de Wagner, sí, pero también de Mark Nevers, encargado de la producción y en cuyo estudio casero se ha grabado el disco; y de Peter Stopchinski y Mason Neely, que firman los soberbios arreglos de cuerda.

Lambchop cerró el domingo en Madrid su gira europea con un concierto en la Joy. No hubo lleno, probablemente porque 29€ son muchos euros para los tiempos que corren. Los que pagaron, eso sí, mantuvieron un silencio sepulcral que no siempre se logra en estas citas en las que uno se siente culpable hasta por toser. Wagner en directo va bien acompañado. Al piano lleva a su escudero, Tony Crow, que además de ser un músico delicadísimo, le pone al directo, ya en su parte final, un punto de humor absurdo que los descarga un poco de tanta majestuosidad musical. “Si han pasado el mejor momento de sus vidas, recuerden: somos Lambchop; si por lo que sea se van decepcionados, somos Kings of Leon”.

Con ellos viajan otros cinco músicos entre los que no hay ningún violinista, violista o contrabajista. Para interpretar un disco en el que gran parte de la magia la ponen las cuerdas, es un hándicap no tenerlas en el escenario, la verdad. La falta se intenta solucionar a base teclados y con la voz tratada de la corista, Corney Tidwell, (mucho mejor en ese papel que como solista, como se comprobó en su actuación como telonera). El objetivo se cumple sólo a medias, aunque si uno se olvida, es terriblemente fácil dejarse embelesar por el discurrir cristalino de canciones como ‘The Good Wife (Is Wasted)’ o ‘Gone Tomorrow’, ‘Nice Without Mercy’ (¡qué letra!) o ‘Buttons’. “I used to know your girlfriend, back when you used to have a girlfriend, she was nice and you were not, but I was a big prick back there too”, canta precisamente en esa última, medio riéndose, en uno de los pocos momentos en los que, al levantar la cabeza, la luz sortea la visera de su gorra de CO-OP y le pega en unos ojos que resultan ser juvenilmente azules. Al final de cada tema, el volumen de los aplausos superaba con mucho de los amplificadores.

Wagner escribe desde una melancolía confortable, como mirando atrás con nostalgia, recordando iglesias de pueblo y peces pescados con sólo las manos. Cuando las suyas abordaron las primeras notas de ‘Never My Love‘, el silencio volvió a hacerse denso. “Love, yeah, I’ve never thought about it, is just some silly word that people use”, canta con esa voz gravísima, en la línea. La misma que después nos susurró ese monumento que es ‘My Blue Wave’, del Is A Woman; la misma con la que recuperó esa pieza country que es ‘The Man Who Loved Beer’. Fue la última antes de un bis distendido, de fin de gira, con rock y versión de un tema de Brian Wilson incluida.

Vuelve cuando quieras Kurt.

Cualquiera que nos siga con una mínima regularidad sabrá que somos fans absolutos y declarados de Mishima. El grupo liderado por David Carabén lleva bastantes discos seduciéndonos con su pop de autor íntimo y poético, que en nuestra opinión llegó a una cima extraordinaria con Ordre i Aventura, nuestro disco estatal del 2010 y un trabajo que estamos convencidos que acabará siendo un clásico del pop catalán. Dos años han pasado de aquello y Mishima vuelven con nuevo disco, L’amor feliç, que se publica oficialmente hoy mismo y del que ya conocíamos el single, la fantástica ‘L’última ressaca‘, que además llegó con un videoclip a la altura de las circunstancias. Y hemos tenido la suerte de escuchar L’amor feliç durante algunas semanas ya, repetidas veces, y podemos afirmar que Mishima lo han vuelto a hacer. Aunque de manera un poco distinta, esta vez: estamos ante su trabajo más diverso estilísticamente, que recupera ligeramente la estructura narrativa de Set tota la vida (más larga y dividida) en contraposición con la concisión rotunda de Ordre i Aventura. Con su canción más larga (la inicial ‘La vella ferida‘), con su arrebato más épico (el final de ‘No obeir‘), con su hit más pop (‘L’última ressaca‘). Con una versión que canaliza el tema del disco (‘No existeix l’amor feliç‘, de George Brassens), con un poema musicado de Rainer Maria Rilke (‘Rilke‘), con la portentosa agonía de ‘Els crits‘. L’amor feliç es, pues, el disco que esperábamos de Mishima, aunque en la primera escucha pille un poco por sorpresa. Eso se debe a que han arriesgado, y queda compensado con las repetidas escuchas de un disco que se revela ambicioso pero que recompensa al oyente, y lo hace ligado bajo un nuevo y exigente discurso, esta vez alrededor del amor. Mishima siempre han hablado de amor, es cierto, pero en L’amor feliç lo hacen todavía un poco más: en todas sus vertientes y posibilidades, con todas sus caras, sus victorias y sus miserias. ¿Existe el amor feliz?

Y como cualquier disco de Mishima, empezando por su portada (esta vez polémica, y a cargo una vez más de Folch Studio) y terminando por la última línea de la canción final, se entiende mejor cuando David Carabén traza las líneas entre los puntos, le hemos pedido al cantante y compositor del grupo que nos haga un recorrido canción por canción de L’amor feliç. Sin duda, la mejor manera de adentrarse en un disco tan fascinante como L’amor feliç, que por cierto ya puede escucharse íntegramente en Spotify.

1. ‘La vella ferida’

“La de la vieja herida es una imagen que siempre me ha interesado mucho. Siempre me han gustado los personajes de las películas o novelas que empiezan con una herida, que a lo largo del relato se va transformando y al final hace que el personaje muera, o se transforme, o se cure. La idea de una herida vieja me interesa porque es una buena manera de hablar de la boca, de hablar del coño, de hablar del culo, y una herida que vuelve a sangrar es una imagen que está llena de significados para todo el mundo”.

2. ‘Els vespres verds’

“Es una canción sobre las canciones, que incluye otra canción dentro de si misma. Es una especie de juego sobre el uso que hacemos de las canciones, y sobre las canciones que no resuelven cosas sino que generan debates y preguntas acerca de qué va todo esto. ‘Càlids vespres verds, grocs ho trobes, blaus ho perds‘… Mi hijo mayor se llama Guerau, y el pequeño Roc, y hay una amiga de mi mujer que los llama ‘blau i groc’, y no sé cómo pero eso ha acabado de alguna manera en la canción (risas). Es una canción sobre de qué van las canciones”.

3. ‘Ull salvatge’

“Quería hacer una canción relatando las virtudes de lo que a mí me gusta, de lo que me entusiasma. Lo hice a través de una mujer, explicando cómo era una mujer. Y de nuevo lo hago con la fórmula de explicar algo que me gusta por lo inagotable que es: ‘Mireu com resplandeix en tota la seva foscor‘. Es un misterio, para mí es un misterio y lo quiero capturar. Es la misma contradicción que  forma el amor, el deseo, las pasiones… Quiero que sea mío, y se me escapa. Y es en este conflicto donde se ubica esta y la mayoría de canciones”.

4. ‘L’última ressaca’

“Es una canción mucho más sencilla que empieza con la mentira más cotidiana que somos capaces de darnos, la de que no volveremos a beber nunca más. Siempre había querido hacer una canción que dijera esto, porque es un sentimiento que todo el mundo tiene. Un propósito que todo el mundo tiene y luego… (risas). También me hacía gracia por la relación que podía tener con otras canciones de Mishima, como ‘Set tota la vida‘”.

5. ‘Els crits’

“Creo que es de las mejores del disco. Es una canción sobre la angustia, y sobre la sensación que tenemos a veces de que el mundo ha desaparecido a nuestro alrededor y estamos solos. De repente, el universo calla y te sientes solo, y eso genera una cierta sensación de angustia. Y para escribirla, le pregunté a esta sensación qué podía explicarla. Una de las imágenes que, para mí, la explican es la típica situación de cuando gritas en un sueño y no se oye nada”.

6. ‘El que em van dir’

“Esta es una canción que escribí hace muchos años, creo que durante la época de Set tota la vida. Lo que pasa es que no la tenía solucionada dentro de mí. No quería cantar una canción que dijera lo que tienes que hacer, porque es como un manual para domesticar un animal, o para saber qué hacer con la vida. Es como un manual de instrucciones que un padre le puede explicar a un hijo. Y como tenía este tono de manual de instrucciones, en su día no me cuadraba, por paternalista y puñetera. Pero luego cumplí 40 años y pensé que si no lo hacía ahora, no la podría cantar nunca (risas). Así que la terminé”.

7. ‘El camí més llarg’

“Es una canción sobre el Ulises de hoy en día, del de ‘por el camino me entretengo’. La idea del tío que para volver a casa coge el camino más largo. Hay una canción de Tom Waits que se llama ‘The Long Way Back Home‘ que habla de lo mismo, aunque hay muchas que hablan de lo mismo. Va sobre un personaje que se despista, y que en la distracción encuentra de alguna manera el placer de la vida”.

8. ‘No existeix l’amor feliç’

“A George Brassens lo he escuchado mucho, mis padres ya lo escuchaban a menudo, y hace unos años lo recuperé de mano de un amigo. Lo volví a escuchar, y me flipé bastante con esta canción, ’Il n’ya pas d’amour heureux‘, que precisamente creo que es una rareza entre la obra de Brassens. Es una canción que tiene un tono de cierta gravedad, cuando las canciones de Brassens lo que suelen hacer es cargarse cualquier institución de una pedrada. En este caso, el amor también es una institución a la que desmentir: no existe el amor feliz. El caso es que la canción daba en el clavo con el tema que me interesaba cuando la escribí: de dónde surge el amor romántico, cuál es la historia, qué hay detrás. Y tuve la ambición de adaptar la canción al catalán y de darle nueva vida al texto, porque es una maravilla. No solo desmiente el amor romántico, sino que desmiente el amor a la patria y a cualquier cosa. Pero al mismo tiempo contiene una contradicción dentro de la propia canción, al decir ‘repetint després de mi aquestes paraules que us he dit, i que pels teus grans ulls tan aviat van morir, no existeix l’amor feliç‘. Y el disco, de alguna manera, intenta hacer lo mismo: generar un debate alrededor del tema, con todas sus contradicciones internas y sus dudas”.

9. ‘Ossos dins d’una caixa’

“Es la historia de un bar, de sus personajes. He cogido algunos personajes que he conocido en mi vida, y les he metido en un bar de mierda –un bar en el que he pasado muchas horas–, y he contado cuáles eran las peculiaridades de cada uno. O más bien, con qué me quedé de cada personaje –que muchas veces es un juicio injusto y parcial sobre las otras personas, que ya han desaparecido de tu vida pero recuerdas de alguna manera–. Es la manera más terrenal de explica el más allá. La más sucia. Filosofía de bar. Por eso lo de huesos dentro de una caja: es una manera nada espiritual de hablar del más allá”.

10. ‘No obeir’

“Cuando escribí esta canción, no sabía muy bien de qué iba. Al principio la escribí pensando en que la cantara una mujer, y luego la canté yo… Quería que en ella estuviera presente el deseo ilícito. Y al final, cuando la canto pienso que es una canción sobre la relación entre un músico y el público. Esta cosa de compartirlo todo menos el tacto, menos el afecto real. ‘Si vens a ballar amb mi aquesta nit…‘. Pero con las interpretaciones de las canciones me pasa esto, que van cambiando; durante un tiempo pienso que dicen una cosa, y luego otra. Creo que cuando escribes una buena canción, no resuelves nunca el tema sobre el que trata; capturas el enigma, el dilema, el misterio. A mí me interesa este tipo de composición”.

11. ‘Rilke’

“Es un fragmento de un poema de Rilke traducio por Joan Vinyoli. Vinyoli es un poeta que me gusta mucho, que he leído bastante, y leyendo su obra me encontré con este fragmento de Rilke y flipé mucho porque es un texto casi musical que captura muy bien el misterio de la vida. En cuatro o cinco versos parece que esté todo: la vida y la muerte. Lo explica de una manera muy musical, y me inspiró para musicarlo. Es un poco como ‘Agueev‘ o ‘Alguna cosa em diu que sí‘, canciones en las que intento enseñar dos caras de un aspecto o un fenómeno con la ambición de ser lo más breve y directo posible. De ir al grano, aunque hable de la muerte o de toda la vida, de hacerlo en un minuto. Siempre me han gustado mucho este tipo de formas. En este fragmento vi que había este juego, y de ahí la canción”.

12. ‘Ningú m’espera’

“Es una canción que escribí en la época de Ordre i Aventura, y que hice con este procedimiento de la forma que me inquieta a la que le pregunto cosas. Es una canción que me sigue emocionando muchísimo, y que ha tenido muchos significados desde que la escribí hasta hoy… y todavía cambia. El último significado que le doy es que es lo que canta un niño el primer día que sale del cole y tiene que volver solo a casa. Esa sensación de que es libre pero que está solo. Pavor y entusiasmo al mismo tiempo. Una sensación que puedes tener muchas veces a lo largo de tu vida; yo la he tenido al tener hijos, o cuando sales la primera vez de fiesta, o ahora mismo cuando me pregunto si soy un artista o no, si puedo vivir de esto o no. Seguramente es una canción sobre este sentimiento”.

No se crean que es tan fácil encontrar información sobre Julia Holter. La artista angelina tiene una web parca, a una columna, que más parece un blog personal que una dirección profesional. En Wikipedia no saben nada de ella y ni las bios de su cuenta de Facebook (“whispers through windows everyday for you / whether you can hear them or not”) o Twitter (“yes”) no despejan muchas más incógnitas. Escarbando por ahí leemos que tiene una sólida formación en música clásica, que le interesan los manuscritos medievales y que ha estudiado armonías vocales con el maestro indio Pashupati nath Mishra. Dificilmente se puede molar más. Esto último -lo del maestro indio, no lo de molar-, lo confirma la web de su discográfica, RVNG (“it’s Revenge without the E’s, folks”), que cita las virtudes pop del álbum y pone en la mesa nombres como Laurie Anderson o Arthur Russel. “Cada canción alberga una historia distinta, tiene una aproximación única, pero todas están unidas por el magnetismo de los manuscritos medievales y el deseo de Julia Holter de ‘salir de su cuerpo’ para encontrar lo que no puede definir”, alegan. Casi nada.

Lo cierto es que Ekstasis, el segundo LP de Julia Holter -el anterior, Tragedy, es de 2011-, va camino de ser uno de los growers más claros del año, uno de esos discos que va creciendo poco a poco, escucha a escucha. Efectivamente, sus canciones tienen ese aura medieval tan propio de nuestra querida Joanna Newsom, pero suman: introducen baterías que suenan a Beach House (‘Our Sorrows‘) y se desarrollan casi invariablemente sobre colchones atmosféricos ligeros como plumas y que, sin embargo, son densos en capas a más no poder. En ‘In the Same Room’, el clavicordio se mezcla con una base programada en un extraño momento pop; en ‘Godess Eyes I’, las capas y capas de voz sobre piano desnudo que reinaban en ‘Godess Eyes II’ se robotizan de una forma burda pero efectiva, computarizándose en un bucle pesado. Y lo mejor es que la mezcla no resulta un pastiche, y a pesar de su complejidad interna, una vez interiorizada, es accesible, agradable y a ratos mágica.

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Esta que tienen arriba, ‘Moni, Mon Amie’, es una de las puertas del álbum. Desnuda en este magnífico video de Yours Truly, en el disco comienza también con ese aura gaseosa, ingrávida, pero al poco, gota a gota, se va llenando de una majestuosidad como de catedral fría. Con el tiempo, todo el álbum se revela lleno de piezas notables, delicadas y necesitadas de pausa. Así es la que abre el trabajo ‘Marienbad‘, hipnótica en su mar de capas vocales (“como 30, sé que no es profesional, debería usar sólo 5″), desconcertante en su estructura enrevesada; o la que cierra, ‘This Is Eksatasis‘ (8:54), que recorre todos los paisajes del álbum: desde el pop experimental hasta el jazz pasando por esos aromas medievales y hasta, se intuye, sí, hindús. Escuchando esa última, resulta bastante impresionante que el disco lo haya grabado ella sola en su casa. Suponemos que tocando todo lo que suena. Una nueva cima para el do it yourself.

Julia Holter, ya lo saben, es uno de los nombres confirmados para el muy prometedor y ya más que decente cartel del Día de la Música de Madrid. Aquí abajo les dejamos, por último, un concierto de 20 minutos que dio hace unas semanas en Washington en el que podrán ver cómo son sus directos (cortesía de NPR) y más abajo una buena tira de videos para que echen un rato si quieren. Están, por este orden, ‘Marienbad’, ‘Für Felix’ y ‘In The Same Room’, este último recién salido del horno.

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Los chicos de La Débil siguen hablando de si mismos como unos “mindundis”, mitad de Madrid, mitad de Torrijos, que tuvieron en su día la suerte de liar a Carlos Toronado (le veneran) para meterse en un estudio y que desde entonces han ido tirando, sin saber tocar muy bien, hasta facturar un trabajo como Sángrala (Everlasting, 2012). Y lo dicen creyéndoselo, desde una modestia que parece auténtica, pero que empieza a ser disonante con la realidad. Mindundis o no, buenos músicos o no, Sángrala es uno de los discos más estimulantes de lo que llevamos de año.

En cierto modo, sería justo hablar de él como “su primer disco”: Suicidio Español era una maqueta y Lucha Perro, considerado generalmente como su debut, una maqueta venida a más. El presupuesto y la falta de tiempo se notaron en el resultado, aunque a pesar de todo temas como el tremendo ‘Lucha Perro / Vuelve Héroe’ nos conquistaron hasta el punto de invitarles a aquel (mítico) tercer aniversario que hicimos en el Nasti de Madrid. Esa canción, que sigue estando entre lo mejor de su repertorio, condensa además bastantes de sus virtudes: la crudeza del sonido, la oscuridad de sus temas, la rabia no siempre contenida, el dominio de las atmósferas, el manejo inteligente de la intensidad y la repetición, las letras que nadie más escribe.

Esta vez, La Débil han tenido el tiempo, y presumiblemente el dinero, para hacer las cosas bien. La producción ha vuelto a recaer en el bueno de Carlos Toronado, de PAL, sin quien, dicen, la banda no existiría. Su mano se nota en el sonido terroso, caliente y gordo del álbum. En esta entrevista (en un programa llamado Salsa de Carne) comentan que sabían desde el principio que querían hacer un doble vinilo y lo construyeron cara a cara. En la primera, seis cortes, la mitad el álbum. En la última, uno, ‘Rite Rite’, que no alcanza por poco los 20 minutos de duración. Entre medias, el hipnotismo con latigazos de chapa de ‘Uralita’, o la ruralidad manifiesta de ‘La Flor del Azafrán’, cantada por el baterista y percutida en un bidón gigante. Eso hacen: mezclar bidón gigante con theremin.  Todo con mejor sonido y con más asideros que su anterior álbum: el estribillo de ‘Sángrala‘, los gritos de ‘Camión‘.

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La Débil en directo (y ya por fin en álbum) es una banda sin fisuras que ha conseguido un sonido demoledor cimentado, principalmente, en líneas de bajo duras y ritmos de batería y percusión que perfilan una suerte de sensación primitiva, de trote negro. En el fondo y en la forma sus canciones tienen mucho de arcaico y en ellas La Mancha parece pesar mucho más que Madrid. En la entrevista que publica este mes RDL Borja, esa bestia que tienen en la batería, dice que son él y Rubén (segundo vocalista y percusionista) quienes tiene más peso en las canciones “dramáticas”. Lean esto y traten de no pensar en Pony Bravo: “acostumbrados como estamos en Torrijos a manifestaciones de religiosidad católica… hemos sido marcados a fuego por esa tradición y durante una época de tu vida te genera mala hostia”.

Mala hostia, precisamente, sobra aquí. Sángrala es un disco lleno de mala hostia, un trabajo que habla de cosechas que no germinan, de campos sembrados de sal, de dioses a los que no deben nada, de pobreza, y, tangencialmente, de esa cosa: “el sistema”. Y lo hacen gritando desde el estómago, dejándose el cuello en temas como ‘Camíón’ o ‘Ten Cuidado’. Imperfectos, nada académicos, pero cargados de tanta bilis que te empujan contra la pared, Y se agradece. Se agradece que haya quién encuentre en estos temas la inspiración para hacer canciones. Y más en los jodidos tiempos que corren.

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Ahí tienen (una precaria grabación de) ‘Sángrala’, la que abre el álbum, los conciertos y bautiza de paso el conjunto. El pasado sábado en Madrid, La Débil estuvieron muy cerca de llenar El Sol. Cosa que no tendría absolutamente ningún mérito de no ser porque ese fatídico día competían con Manos de Topo, Little Wings, Nada Surf y Disco Las Palmeras! Allí, en los sótanos del 3 de la calle Jardines, estaban los fieles, los amigos y hasta la familia. En el concierto, a pesar de ser un derroche de sudor y rabia, hubo menos descontrol del que recordábamos, pero también muchos más momentos de deleite de los que esperábamos.

La cosa se abre con ese par de trallazos que son ‘Sángrala‘ y ‘Rosario‘ y desde ahí las bofetadas se alternan con pausas atmosféricas (‘Qué Quieren‘: en esta parte del mundo Dios no mira / he visto quebrar cuellos como astillas”) y pasajes instrumentales muy mejorados. En el que compone el eje central de ‘Rite Rite‘, la guitarra de Marcos deja algunos momentos verdaderamente brillantes. En definitiva, un concierto de estos de meterse, de ceder al pogo (ojo a la foto) si a uno le pilla, de devolver la fuerza que le llega desde el escenario. Una fuerza que, irónicamente, le sobra a La Débil.

Buena forma de dar un puñetazo sobre la mesa. Tras haber grabado unas cuantas canciones en el ordenador de su casa y haber logrado buenos resultados en el interior de un estudio, el éxito parece haber abierto sus puertas a Dylan Baldi. Dos discos y unos cuantos singles era hasta ahora la producción de sus menos de tres años en activo. Nada mal. El primero de los LPs de Cloud Nothings era una colección de sencillos recubiertos de un rock ruidoso y domesticado. Más que el de los inicios de Vivian Girls, por ejemplo. Un trabajo inmediato y de producción desnuda que tuvo su sucesor en pocos meses: un disco homónimo y con raíces punk que dejo al descubierto las buenas maneras de un joven cuyas letras delataban que la fiesta de graduación todavía estaba por llegar. Algún guiño a los Strokes, otro para Soft Pack, buenas maneras y un interrogante sobre su continuidad.

El comienzo de 2012 cierra cualquier duda sobre la banda de Cleveland. El título de su último disco, Attack on memory, quizá sea una invitación a borrar su pasado. No hay motivos. Aunque su nuevo trabajo marque un punto de inflexión, eliminar los tiempos pretéritos puede ser el primer paso para acabar con un futuro prometedor. Una señal de este porvenir puede ser que el hiperactivo Steve Albini haya puesto su tiempo al servicio del cuarteto. Aunque ya saben cómo se despachó el bueno de Baldi con su productor: “se pasó la grabación jugando al scrabble en el Facebook, no creo que se acuerde ni de cómo suena el álbum”; “Trabajaría con cualquiera (…) simplemente dice: ‘OK, tú págame y yo lo hago”, aseguró el norteamericano, entre otras lindezas. Pero el LP aparece como testigo mucho más fiable de la realidad que las opiniones posteriores. Y resulta evidente que las manos de Albini estaban detrás de la maquinaria de Cloud Nothings. Es curioso comprobar sus efectos sobre las formaciones a las que produce. Su le supone capacidad suficiente para introducir a cualquier novel en el mainstream, pero su mayor virtud es la de modelar a las bandas, rescatando su esencia y haciéndola más sólida y palpable. En este trabajo es muy claro.

La madurez que muestran se hace evidente en su sonido y en sus letras. Las bisoñas estrofas de desamores juveniles que presidían temas como el ya lejano ‘Understand at all’, se trasforman en versos de mayor contundencia y se presentan, de hecho, con mucha mayor contundencia. El nihilismo desgarrado y fuera de control de ‘No future / No Past’, introducida por un piano y rematada casi a puñetazos, o los desesperados aullidos de ‘Wasted Days’ (“I know my life is not gonna change, and I´ll live through all these wasted days”) son los primeros ejemplos, aunque no los únicos.

‘Wasted Days’ es, además, la canción más larga de su carrera, de lejos. Violenta desde el principio, a partir del tercer minuto se sume en un crescendo instrumental de tintes psicodélicos que lleva la canción hasta casi los 9 minutos. Una duración inédita hasta ahora para esta banda, acostumbrada a moverse en disparos de 120 segundos. El tenebroso paseo finaliza con un estremecedor  griterío que difiere con el inicio casi naif de ‘Fall In’. Madurez, nihilismo y pop, parece rezar el frasco.

Y es que, Attack on Memory, valga el tópico, es un disco de contrastes, especialmente en lo melódico. Cloud Nothings utilizan nuevas formas, temas instrumentales como ‘Separation‘, que en sus momentos más desguarnecidos recuerda a los Shellac de Steve Albini. Se asoman al optimismo en esos otros momento de luz que son ‘Stay Useless’ (la única que baja de los tres minutos) y ‘Cut You’, y dejan correr melodías camorristas, afiladas y sombrías  de ‘No Sentiment’, que recupera ese lado oscuro y sangrante que tan bien las funciona.

Attack on Memory es la confirmación de una banda que parece mirar con ojos conformista a un futuro del que no esperan mucho. En ciertos momentos se diría que aborrecen el mundo, que lo detestan. Por eso aseguran “There is no time for another try, there is not time for another. No one knows our plans for us, it won´t be long”. Pero sobre todo es la realidad de unos críos que han dejado de serlo, que desde sus 20 años recién cumplidos parecen haber dado en alguna suerte de clavo generacional, oculto ente la apatía y la rabia. Que se han percatado, en suma, de que ningún rayo va a iluminar los tiempos venideros. Y la atracción por lo lúgubre siempre resulta ineludible.

Texto: Carlos Marlasca. 

Bueno, hoy es el día en que, de verdad, se acaban las fiestas. Para bien o para mal. Empieza el año del Apocalipsis maya, el paro insoportable, la recesión amenazante, los ajustes asesinos y demás oscuros presagios. Menos mal que aquí no hablamos de eso y que sólo nos ocupa la música. Y en eso 2012 no parece que vaya a ser un mal año. Para estos primeros meses, sin ir más lejos, tienen confirmada publicación un buen puñado de discos interesantes. Otros han asomado la patita en forma de adelantos. Y otros simplemente los intuímos porque ya tocan. Lo que proponemos a continuación, como ya hicimos el año pasado (en un post, por cierto, en el que hablamos de álbumes como el de Destroyer o el de James Blake, que han acabado en nuestro top 10), es una pequeña lista de once discos a los que tenemos en el punto de mira para ya y de los que no hemos hablado aun. Obviamos por tanto los (futuros) trabajos de The xx, Sigur Ros, The Shins, Leonard Cohen y Lana del Rey, ya brevemente comentados. Y al final dejamos una lista con un par de líneas por título casi a modo de inventario futuro. Vamos al lío, a ver si acertamos la mitad que el año pasado.

Cloud Nothings – Attack On Memory (Carpark)

Cuatro días atrás Cloud Nothings, la nave comandada por el joven y prolífico Dylan Baldi, navegaba entre lo común. Contaban con tres hits notables (‘Didn’t I’, ‘Should Have’ y ‘Understand At All’) y un puñado de temas de indie-pop saltarín tan resultones en verano como olvidables. Lo típico, vamos. Hasta que llegó Steve Albini (gurú del sonido como ingeniero-productor y líder de Shellac, esa constante del Primavera Sound) y obró una metamorfosis impensable, tal y como se refleja en la visceral y desgarradora ‘No Future/No Past’. ‘Stay Useless’, la otra pieza avanzada de Attack On Memory, transcurre por terrenos más reconocibles pero con una seguridad hasta ahora desconocida en los de Cleveland. Cuanto al conjunto, que ya se ha filtrado, de momento solo un apunte: OJO con los casi nueve minutos de ‘Wasted Days’, una auténtica burrada.

Dirty Projectors- TPC (Domino)

Bitte Orca es uno de esos discos de 2009 que todavía nos ponemos basante y la verdad es que nos hace  mucha ilusión saber que su continuación ya está lista. Ese que tienen ahí arriba es, de hecho, David Longstreth tomándose un descansito en las sesiones de grabación de este álbum que, dice, hablará del miedo, el terror y el odio a los sistemas de geolocalización, suponemos que entre otras cosas. El álbum todavía no tiene título y no se espera que salga hasta primavera. Para grabarlo Longstreth escogio la modalidad “casa en el monte”. En este caso en Delaware County, Nueva York. No hay adelanto ni nada, pero no nos digan que no se les hace la boca agua un poquito. Por si no se acuerdan de lo que son capaces, esto era ‘Stillness is The Move’.

Sharon Van Etten - Tramp (Jagjaguwar)

Era cuestión de tiempo que el nombre de Sharon Van Etten aflorara en la efervescente y selecta escena indie de Brooklyn. Colaboradora de Bon Iver, The Antlers o The National, sus dos únicas publicaciones (el espartano Because I Was In Love y el hermoso grower que es Epic) le sirvieron para exponer su innegable talento pese a no armar demasiado revuelo. Hasta ahora, cuando algunos de los artistas arriba citados han decidido devolverle el favor y los hermanos Dessner o Zach Condon (Beirut), entre otros, la arropan en Tramp, un tercer trabajo que verá la luz el 7 de febrero y ya huele a pelotazo. ‘Serpents’, el primer adelanto, así lo apunta con una mayor y mejor instrumentación que resulta en una pieza más mordiente de lo que nos tiene acostumbrados. Imagínense a unos Wye Oak inspirados por las guitarras y la batería de The National y guiados por la dulce a la vez que combativa voz de Van Etten… Ganas es poco.

Damien Jurado – Marqopa (Secretly Canadian)

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A la hora de hacer la preselección de estos discos que comentaríamos un poco más extensamente no estaba Damien Jurado. Y nos encanta, pero quizás no esperamos de él un candidato a disco del año. Pero en estas estamos cuando nos encontramos con ‘Nothing is News’, el adelanto de este Marqopa, una canción de 5:32 que es una bacanal de guitarras eléctricas, blues y psicodelia. Empieza como una canción de Damien Jurado, sí, con su guitarra acústica, pero la intro dura poco. Concretamente 34 segundos. Lo que tarda en aparece rel primer punteo. Escúchenla, es una pasada. Por lo poco que hemos podido escuchar del resto intuimos que el cambio no será radical, pero cabe esperar un pedazo de disco. Lo ha grabado con Richard Swift y sale el 21 de febrero.

Cat Power – TPC (Matador)

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Si se ponen a hacer cuentas, el último disco de canciones originales que tenemos de Chan Marshall, The Greatests, es de 2006. Vamos, que nosotros ni existíamos como blog. Incluso Jukebox, aquel disco de versiones que dividió al personal, es ya de 2008. En fin, que toca. El nuevo y flamante disco de Cat Power no tiene, que sepamos, ni título, ni fecha de lanzamiento, pero sí un “adelanto” (o ni siquiera porque la canción es nueva pero no sabemos si estará en el disco, suponemos que sí). Ese que tienen arriba con el boxeador Manny Pacquiao zurrando al artilugio ese en plano fijo hasta el sopor total. Como confirmación del álbum tenemos poco más que este tuit, publicado pasado 16 de diciembre y escrito, sí, en mayúsculas. Sabemos también que Marshall quería esta vez tocar todos los instrumentos porque no hacerlo le hace sentirse decepcionada consigo misma. ¿Bluff o discazo? Lo veremos. El álbum estará, se dice, para verano. Aquí tienen algunos temas inéditos grabados en directo.

Right Away, Great Captain! - The Church of The Good Thief

Somos bastante fans del proyecto en solitario del frontman de Manchester Orchestra, este hombre con barba y pelo en el pecho que se llama Andy Hull. Hasta ahora, como Right Away, Great Captain!, Hull nos ha dejado un par de álbumes que son dos joyas de ese folk desnudo en peligro de extinción. Dos álbumes, The Bitter End (2007) y The Eventually Home (2008), extraños por lo que cuentan: la historia de un marinero del siglo XVII que tras un viaje interminable vuelve por fin a casa. Estas fueron las dos primeras partes de una trilogía que Hull cierra este año, tras cuatro de espera, con The Church of The Good Thief. No tiene fecha de publicación, pero escuchando ‘Blame‘, el adelanto, queremos que sea cuanto antes. No se lo vayan a perder, fans de Bright Eyes.

Friends – TPC

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Otra banda cool de Brooklyn que barrunta un debut notable. El tema con el que se presenta, ‘I’m His Girl‘, tiene ese rollo funk de Toro i Moi combinado un irresistible toque sexy cortesía de la voz susurrante de Samantha Urbani. Una canción de esas para bailar en la intimidad, perfecta para convivir con alguna de Kaputt, por ejemplo. Suena suave, fácil, veraniega. “When you see me walking around with him / I’m not just another chic, I’m. His. Girl”. Con a penas unos temas ya han aparecido por Stereogum y entrado en esa selecta lista que es el Sound of … que elabora cada año la BBC, así que… que el hype les proteja. Nosotros les ponemos en el radar.

Mishima - TPC