No cabe duda de que Alabama Shakes son una de las sensaciones de la temporada. Una rápida vuelta a través de los medios especializados más reconocidos del globo sirve para comprobar que Boys & Girls, su reciente primer LP, ha entrado con el pie derecho en el mercado discográfico. El revuelo viene generado por una propuesta que huye de adornos superfluos y marcianas etiquetas, decantándose por estilos añejos como el southern rock, el soul, el country o el rythm & blues. Una amalgama de influencias que ya ha conquistado a tótems como Jack White y que probablemente se ha visto beneficiada por el éxito reciente de Michael Kiwanuka, Mayer Hawthorne o, salvando las distancias, Amy Winehouse y Adele. Ahora, todas esas buenas sensaciones recogidas en estudio han hecho las maletas y se encuentran inmersas en una gira que el próximo mes de julio hará una parada en Madrid. Será el miércoles 18 de julio en la sala El Sol, espacio idóneo para un directo que se presume intenso y enérgico (dos adjetivos que la carismática frontwoman del cuarteto, Brittany Howard, lleva hasta el extremo). Las entradas para la recomendable velada ya están a la venta a un precio de 20€, y ya advertimos que esto pinta a concierto de ‘yo estuve aquí’. Y atención, porque aquí no terminará la visita de Alabama Shakes a nuestro país: al día siguiente, 19 de julio, estarán actuando en la playa de Zurriola de Donosti, dentro de la programación gratuita del más que apetecible festival Heineken Jazzaldia –del que hablaremos pronto, por cierto–. Pinta bien la cosa.

Huelga decir que la delegación catalana de este blog (medular y mayoritaria) es muy fan de Mishima. Rollo incondicional-loco, ¿saben? En plan: “son los The National de Barcelona, ‘Tot Torna A Començar’ es la mejor canción made in Catalunya desde ‘Mediterráneo’, ve al concierto que vas a flipar”, etc. Servidor, que ya les había visto sin mucho entusiasmo en un evento que se organizó hace tiempo en el Circo Price; servidor, que no parla catalá y escucha las letras como veía de adolescente el porno codificado del Plus, intuyendo; servidor, que a la hora de juzgar a primera vista a la gente tiene en cuenta la montura de sus gafas; servidor, no es tan fan. Es importante decirlo: no soy (¿era?) tan fan. Por eso salí de casa, cerca de la Galileo Galilei, con la hora ajustadita y en los cascos de camino no sonaba L’Amor Feliç, último y muy disfrutable (incluso sin ser fan-fan) album de Mishima, sino el álbum de Pond, por enésima vez (ya hablaremos ustedes y yo de esto). Subiendo ya la calle Galileo, en una terraza, apareció de pronto, con camisa de cuadros verdes (lo que me hizo pensar que estaba de servicio), el gran Jordi Évole. Oh, efluvios catalanes empezaron a fluir desde entonces y en adelante. Ya dentro de la sala vimos a la Comitiva de Colegones, encabezada por el omnipresente Ricky Falkner. Nosotros ya andábamos con la primera Mahou de la noche, como las ponen en el Galileo: en jarra helada y con galletitas saladas y cosas. Sentados en mesa, como casi todos. En el hilo, sesión de Red Hot Chili Peppers.

Cuando Carabén y los suyos salieron, la sala estaba razonablemente llena (de Évole ni rastro), lista para la primera, ‘Tornaras a tremolar’, con su, efectivamente, rollo The National, speaksinging al margen. El sonido de la sala no ayudó mucho. Hubo momentos mejores y peores, pero en estos últimos, sobre todo al principio, la banda sonaba un poco a pueblo en fiestas, con una voz como comprimida y una instrumentación desequilibrada, al menos desde donde estábamos. Carabén (en un momento pensé: Eugenio + el primer Walter White) tardó en hablarnos lo que tardó en llegar ‘El temple’, cuyo precioso estribillo tuvo la bondad de traducir (“qué haremos con el deseo ahora que hemos encontrado el amor”) y el atrevimiento de pedir que lo cantásemos. La primara vez que nos tocó, mal; pero luego aprendimos y sonó hasta bien. Tras aquello llegó ‘Una cara bonica’, la primera que sonaba de Ordre i Aventura, y la primera una tanda donde el concierto, hasta entonces aburridete plano, empezó a subir.

Las primeras notas de ‘La vella ferida’, ya de su último trabajo, revolucionaron al personal. El concierto iba llegando al ecuador y fue la primera vez que tuve la sensación de estar ante la banda que me habían vendido: sólidos, serios, contundentes y a la vez emocionantes. Enormes los coros, muy bien. ‘Els crits’ confirmó sensaciones y, más tarde, esa cosa rara que es ‘Ossos dins d’una caixa’, con Carabén trabalengüeando, y la no menos jugetona ‘L’olor de la nit’, terminaron de quitarme el escepticismo. El éxtasis prometido sólo se había acercado con un arranque en la guitarra del muy pluriempleado Dani Vega, pero en general estaba todavía lejos. Eso sí, la pereza había desaparecido por completo.

De hecho, cuando llegó esa joya que es ‘Qui n’ha begut’, quintaesencia del Pop Catalán Bien Hecho, clásico instantáneo, estaba ya más que rendido. Listo para lo que iba a llegar: lo bueno. ‘L’última ressaca’, ‘Un tros de fang’ y, cómo no, ‘Tot torna a començar’. Colocar esas tres, casi del tirón, al final, una detrás de otra, es un poco tramposo, pero vaya si funciona. Cuando sonaban las dos últimas uno estaba dispuesto hasta a tragar con la montura de las gafas de Carabén. Tienen hechuras de himno, y lo saben. Mensajes claros con coros ricos (“tú no sabes cómo me haces sentir” vs. “Todo vuelve a empezar”) y esa épica pop controlada, medida, pesada. Lo hacen muy-muy bien (“son muy-muy buenos”). El aplauso final fue grande y el bis, muy exigido. Para entonces, la gente ya pasaba mucho de las mesas, como se puede comprobar.

Y volvieron a salir, claro. Y lo hicieron para demostrar que su último trabajo, casi recién salido del horno, ya es su bandera. Viendo el setlist (aquí lo tienen, más o menos), parece que hicieron las cosas al revés: las tres primeras, de sus primeros álbumes, las tres últimas, del recién nacido. Primero, la que le da título, ‘No existeix l’amor feliç’ (psé) y después sí, un pelotazo serio: ‘No obeir’, una canción que desprende sabiduría por los cuatro costados: los teclados, el estribillo, la cadencia de la voz, los arreglos de guitarra en la bajada… Suena a banda ambiciosa, inteligente y capaz.

Claro, a todo eso le sumas un final coreado que para sí hubiesen querido Arcade Fire y pasa lo que pasa, que te vas del escenario para casa y la gente se queda de pie, coreando y dando palmas (“ohhh, ohhhh, ohhhh, ohhhhhhhhhh”) y tienes que marcarte un Rolling Stone segundo bis con una sonrisa que no te cabe en la cara para que la gente acepte irse. Así que sales y, como ya has dilapidado todos los himnos, vuelves a tirar de retoño y cierras con ‘El camí més llarg’, otro protohit, con su parada, su coro épico, su mensaje y su sabiduría. Y para colmo, quedas como Dios cerrando el concierto con gesto torero y esa última línea: “por favor, dejadnos volver a casa”.

Cualquiera diría que no estabais ya, nens.

Puede que todavía no lo sepan, pero New Order tocarán dos veces en el Sónar 2012. Una será el sábado 16 de junio, ante los miles de fans que compren su abono o entrada de noche para el festival de música avanzada. La otra, sin embargo, será un poco más especial, porque New Order protagonizarán el concierto inaugural del Sónar 2012 de la mano de Estrella Damm, una velada que tendrá lugar la noche del jueves 14 de junio y cuya entrada solo será por invitación. ¿Y de qué manera pueden conseguirse estas invitaciones? Pues simplemente reuniendo 20 etiquetas de los botellines promocionales de Estrella Damm. Una vez se tengan las 20, sencillamente hay que entrar en la página web de la promoción, introducir los códigos y… ¡voilá! Invitación conseguida. Fácil, ¿no? Pues ya saben, empiecen a coleccionar botellines para vivir la experiencia de un concierto exclusivo de New Order, los creadores de hits como ‘Blue Monday’, ‘Bizarre Love Triangle’, o ‘Krafty’ –del muy digno regreso discográfico Waiting For The Sirens’ Call que publicaron en 2005–. Se abre la veda, y allí nos vemos.

Les reconoceremos que hacer esta crónica es un poco osado por nuestra parte. Este que ven arriba, Chuck Prophet, empezó a dar guerra por los escenarios de California antes de que un servidor fuese siquiera proyecto de cigoto. Un poco de historia: Prophet se metió en Green on Red en 1985 y publicó con ellos media docena de discos entre ese año y 1992 (wikipedia says). Fue entonces cuando terminó de desligarse de la banda, que desapareció, y publicó el que sería su segundo disco en solitario, Balinese Dancer. Desde entonces ha publicado una decena que tienen a Temple Beautiful, clásico y brillante, como última referencia. Y ese fue el que el pasado lunes presentó en Madrid. Y decimos lo de que es osado hacer está crónica porque, seremos francos, esta referencia es en realidad la que nos atrajo al evento y la única que controlábamos, más allá de los greatest hits. Pero oigan, el mundo es de los valientes, así que allí nos plantamos, en primera fila y compartiendo platea con un público cuya edad media se nos escapaba por un lustro, o dos.

Prophet, que por descontado es un guitarrista sobresaliente, lleva tapada con cinta americana la marca de su combo Fender Deluxe, un detalle que resume bastante bien su situación: 48 años, compositor finísimo, cantante carismático, voz de locutor, guitarrista curtido y, a pesar de todo, sin ayudas por parte de las marcas, parece. A juego con este retrato, su comparecencia no bastó para llenar El Sol (tarea ardua para un lunes), pero a pesar de todo él no perdió la sonrisa ni un instante. Saltó contento, zapatos negros, calcetines verdes, vaqueros oscuros, polo naranja, chaleco negro, Telecaster machacada y un inquietante aire al Joaquín Reyes pre-hipster. En un alarde de repertorio, y para calmar los ánimos de los conocedores de su discografía, el de San Francisco tardó tres temas en abordar su último trabajo. Cuando por fin lo hizo (pensamos) empezó por arriba, con la que lo abre, ‘Play That Song Again’, un pildorazo de rock clásico con un estribillo más pop que la mayoría del pop que llevamos de año. Una canción adictiva, colorida y ligera tras la que, casi a modo de juego, colocó ‘Look Both Ways‘, la pieza que abría su primer álbum en solitario, Brother Aldo (1990). Esto lo sabemos ahora, a posteriori, internet mediante, pero resulta delicioso ver cómo canciones que se llevan 22 años suenan con esa naturalidad, una detrás de otra, salidas del mismo vientre, sin desentonar. Demostrando, en cierto modo, que las esencias lo son por algo.

Prophet sin duda guarda las de ese rock clásico con pegada y juego en el que los solos de guitarra no sólo no son motivo de destierro, sino de asilo político. Un rock en el que uno puede sacar una guitarra de dos mástiles sin que le tomen por loco y en que un duelo a doce cuerdas puede extenderse en el tiempo hasta nueva orden sin que en el aire haya otra cosa que deleite. Así ocurrió en ‘Summertime Thing’, de su No Other Love (2002), o en la más reciente ‘White Night, Big City’, de Temple Beautiful. Esta última sonó justo antes de la que da titulo al álbum, un hit de generosas proporciones que, incluso sin los vientos, aguantó su glam inherente y juguetón. Hubo varias de esas en realidad: ‘Atomatic Blues‘, con ese peso demoledor y un Prophet en el filo del speak-singing; y la maravillosa ’Castro Halloween’, con ese solazo, por citar un par en las que se nos cayó la baba.

Durante las dos horas casi exactas que duró el bolo, generoso ya ven, Prophet tuvo tiempo para dejarnos un par de pinceladas de poesía vital (“more fucking, less fighting, that’s my filosophy”), dejar volar algún cuchillo con el apellido Gallagher en el sobre (“it’s obvious they need each other”, digo para carcajada general antes de dedicarles ‘The Left Right And The Right Hand’) y ponerse tierno con ‘Would You Love Me?‘, la única baladita (ojo a la terminología) de la noche, cantada casi por completo con los ojos puestos en Stephanie Finch, teclista, guitarrista ocasional, corista y esposa. Una mujer madura con flequillo recto y voz aguda y compacta, que explotó las bondades de su voz nacida para el country en esa pieza a dúo, también del último álbum, que lleva por título ‘Little Girl, Little Boy‘. Al final, bis con una sola referencia presentada como “la canción mas representativa de San Francisco”. ‘Shake Some Action‘, tema que dio título al quinto álbum de los Flamin’ Groovies, publicado en 1976. Un buen cierre para un concierto que tuvo mucho, en fin, de historia del rock y del que, creemos, nadie se fue con hambre.

Supongo que no hace falta repetir aquello de que el lugar donde tiene lugar un concierto influye en cómo se desarrolla el mismo. Igual que sería muy raro ver a Japandroids en un auditorio, hay muchos grupos que se degustan mejor sentados. Es el caso de The Magnetic Fields, grupo clave para entender el indie pop refinado norteamericano de los últimos años, liderado por el inescrutable Stephin Merrit, que llegaba a Barcelona después de más de cuatro años de ausencia (la última vez fue en una gira de presentación del Summercase, ¡imaginen!). Y, por algún motivo que se nos escapa –puede que porque los auditorios de la ciudad no estuvieran disponibles, porque fueran demasiado caros o simplemente porque preferían la sala–, la promotora Concert Studio (responsable del concierto) decidió que el bolo iba a tener lugar en la sala Apolo. Pero claro, como lo ideal para ver a un grupo como The Magnetic Fields era sentado y con toda la atención en el escenario… pues pusieron sillas. Y no sabemos en qué momento decidieron vender varias decenas de entradas (que por cierto, no eran para nada económicas: 30€) de más con respecto a las sillas que había colocadas.

Con lo que, sin saber nada de eso, uno podía quedar relegado a ver de pie desde el primer piso un concierto que requería de tanta atención como este. Porque si algo tienen The Magnetic Fields es que dejan al espectador a su suerte, en el sentido de que no hacen demasiado esfuerzo para arrastrar al público a su terreno. Con un tío con tan poco magnetismo como Merrit, refugiado detrás de sus teclados siempre –y con su botella de vino a un lado–, recae en el espectador el hecho de concentrarse y paladear las preciosas melodías que el grupo, en formato de quinteto (piano, ukelele, violonchelo, guitarra y Merrit a los teclados), va desgranando con cierta monotonía en la ejecución. Y con sorpresa incluida, porque pese a que presentar un disco, Love At The Bottom Of The Sea, bastante marcado por los sintetizadores, The Magnetic Fields adaptan la sonoridad de sus canciones al formato, y no al revés. Por lo que temas como ‘Your Girlfriend’s Face‘, ‘Andrew In Drag‘ o ‘The Horrible Party‘ sonaron… diferentes. Más acústicos y discretos, en comparación con los originales. En fin, cada grupo hace lo que quiere.

Aún así, con un arranque con la deliciosa ‘I Die‘ y en el que ya de entrada dejaron claro que 69 Love Songs es y siempre será su disco de cabecera (cayeron como quien no quiere la cosa ‘Reno Dakota‘, ‘Come Back From San Francisco‘ y ‘A Chicken With It’s Head Cut Off‘), los de Boston rápidamente se pusieron al público en el bolsillo. El resto de la hora y media que The Magnetic Fields estuvieron encima del escenario alternó precisamente eso: momentos excelsos (‘The Book Of Love‘, ‘You Must Be Out Of Your Mind‘, ‘All My Little Words‘) con pequeños desajustes sonoros que parecían indicar que faltaba un poco más de compenetración. Momentos sorprendentemente cómicos y distendidos (especialmente gracias al juego entre Merrit y Claudia Gonson, pianista, cantante y a la postre manager del grupo) con desconexiones en las que la banda parecía tocar por inercia, incluso con cierta apatía. Silencios sepulcrales rotos por un camarero sirviendo una cerveza en la barra del fondo que no acaba de entender en qué tipo de concierto está.

Así que puede que The Magnetic Fields el pasado domingo 6 de mayo en la sala Apolo de Barcelona dieran un gran concierto con algunos pequeños altibajos. Pero también puede que la ubicación de quien escribe estas líneas contribuyera a esa percepción.

Fotos: Martí E. Berenguer

En tiempos duros como estos, reconforta que sigan apareciendo iniciativas destinadas a apoyar la música en directo pese a todo. A nadie sorprende el hecho de que la industria de la música en vivo, tras el cierto boom que vivió durante los últimos años, está sufriendo un retroceso en cuanto a volumen de público, de ingresos, y, por tanto, de negocio. Así que celebramos que aparezca una iniciativa como Budweiser Live Circuit, orientada a dar herramientas para que las bandas, los promotores y las salas de España puedan trabajar con las máximas facilidades. En resumen se trata de un circuito de salas alrededor del país que acogerá giras y conciertos especiales de grupos tanto nacionales como internacionales, de estilos diversos y que contará con una gira inaugural muy especial: la de Hola a Todo el Mundo, uno de los grupos emergentes del momento en lo que a folk-pop se refiere, que además avanzarán algunas de las canciones de su esperado segundo disco –previsto para septiembre– en nada menos que ocho fechas durante todo el mes de junio. Lo mejor de todo es que la entrada a todos estos conciertos será totalmente gratuita, y para conseguir las invitaciones únicamente hay que ir a la web de Budweiser Live y hacer un par de clicks. La gira de Hola a Todo el Mundo empezará el 8 de junio en Granada (Industrial Copera), el 9 en Cádiz (Supersonic), el 15 en Murcia (Stereo) y el 16 en Alicante (Stereo), seguirá el 23 de junio en Córdoba (Metrópolis) y tendrá su recta final con las fechas de Madrid el 28 de junio (Copérnico), Barcelona el 29 (Music Hall) y Valencia el 30 (La3). Gratis, con un muy buen grupo y nada menos que con ocho fechas… así que pocas excusas quedarán para no ver a Hola Todo el Mundo en junio.

Aunque para nosotros el disco de consagración de Mishima siempre será Ordre i Aventura (escogido mejor álbum estatal de 2010 por este blog), parece claro que, a nivel de público general, L’Amor Feliç parece destinado a aupar a los de David Carabén definitivamente a la primera división del pop independiente catalán. La gran expectación que despertó el sexto trabajo de los catalanes, las buenas cifras de ventas y el sold out registrado en las dos fechas de presentación del disco en Barcelona –en el Teatre Lliure, apenas un mes después de la publicación– ya daban indicios acerca de ello. La confianza con la que el grupo afronta este nuevo trabajo, todavía más. Un disco, L’Amor Feliç, en el que Mishima logran superarse de nuevo, alcanzando no solo la cima de estructurar un trabajo coherente de principio a fin –algo que ya lograron en Ordre i Aventura– sino llegando a cotas excelsas en gran parte de las canciones por sí solas –lo pudimos comprobar en el interesantísimo repaso canción a canción que nos dedicó Carabén–.

Por todo eso sorprendió que, de entrada, las primeras canciones de la segunda noche en el Teatre Lliure (plagada de celebridades locales… ¡y eso que era la segunda!) pertenecieran a sus discos anteriores, especialmente al ya mentado Ordre i Aventura. Y con tal mala pata que en los primeros compases del concierto (concretamente en la inicial ‘Tornaràs a tremolar‘, y en ‘El temple‘), David Carabén tuvo algún traspiés con la letra. Eso hizo que el arranque del concierto titubeara un poco, aunque disparar a la segunda de turno ese himno colosal que es ‘La forma d’un sentit‘ –encadenada, como ya viene siendo habitual, con ‘Tornaràs a tremolar‘– ya erizó más de un vello.

Después del trío inicial, todavía restaron dos canciones más para que la noche, en nuestra opinión, arrancara realmente. Porque las ganas de escuchar en directo las canciones de L’Amor Feliç eran muchas, y pese a la estima que le tenemos a ‘Una cara bonica‘ o ‘Guspira, estel o carícia‘, ese cuarteto demoledor que marcó la bienvenida en directo al nuevo disco disipó cualquier atisbo de duda. Inaugurada magistralmente por ‘Els vespres verds’, una de las canciones más sencillas y al mismo tiempo bonitas que Mishima hayan escrito nunca, la tanda prosiguió impecable con ‘Ull salvatge‘ –redonda, poética, inmensa– y pasó por la prueba de fuego que es ‘La vella ferida‘ –tema que abre el nuevo disco y que supone un pequeño reto para los fans–. Aunque el arranque de la canción queda un poco deslucido en directo (se echa de menos alguna capa sonora), el cuerpo de la canción responde portentosamente en directo: no en vano es una canción enfocada al desarrollo instrumental, donde la guitarra de Dani Vega tiene un protagonismo especial, igual que los teclados de Marc Lloret y la base rítmica de Xavi Caparrós (bajo) y Alfons Serra (batería). Y suena todavía más vigorosa encima del escenario, y supone el anticipo perfecto para ‘Els crits‘, otra de las cumbres individuales que Mishima han alcanzado con este disco, canción trepidante y líricamente opresiva trasladada con la debida emoción al directo.

Superado el escollo inicial y con el concierto ya encaminado, turno para el regalo a los fans: ‘L’estrany‘ i ‘L’ombra feixuga‘, rescatadas del seminal Trucar a casa, recollir les fotos, pagar la multa –aunque en el disco van al revés–, remozadas instrumentalmente: la primera con más cuerpo, y la segunda en versión reducida, con tres miembros del grupo al piano, Alfons Serra tocando con las manos y Carabén entonando casi a pelo las melancólicas frases que la componen. Y podemos decir que también cerrando la primera parte del concierto. Porque a partir de la siguiente canción, ‘Ossos dins d’una caixa‘, la euforia se desata. Estamos apenas a la mitad del concierto y en ‘L’olor de la nit‘, ese hit absoluto de Ordre i Aventura, el público se levanta de sus asientos, y pocas veces volvería a sentarse. Uno a uno, Mishima fueron desgranando su repertorio de temazos en esta larga recta final atronadora: desde la inolvidable ‘Miquel a l’accés 14‘ –con su también conocido final explosivo y alargado– a ‘Qui n’ha begut‘ i ‘Un tros de fang‘, piezas infalibles donde las haya, pasando por la nueva incorporación al club –la efectivísima ‘L’última ressaca‘, que en directo funciona de maravilla– y llegando a la apoteosis colectiva con ‘Tot torna a començar‘, una de sus tonadas más épicas, que marcó el final del concierto antes del bis y que para nosotros se cuela sobradamente en un hipotético top 5 de canciones de Mishima (algo, por otro lado, que nos costaría horrores escoger, así que mejor ni lo pensamos).

Para el bis, la auténtica apuesta: nada menos que cuatro canciones del nuevo disco, con lo que Mishima reafirman la confianza que tienen en el nuevo trabajo, conscientes también que de alguna manera se han ganado el crédito. Saben que al público ya se lo han puesto en el bolsillo con el cuerpo del concierto, así que van fuertes con dos de las canciones más personales y poéticas del álbum (‘Ningú m’espera‘, todavía un poco forzada vocalmente; y ‘No existeix l’amor feliç‘, que cobra una nueva dimensión cuando Caraben la recita pasionalmente). Y luego, ‘No obeir‘, su canción épica, su invitación a los coros masivos del público, su –me perdonarán– ‘Viva la Vida‘ o ‘Wake Up‘ particular. Y tan es así que, en el concierto de presentación del disco –cierto es que ya la tocaron en el Palau de la Música, pero allí nadie la conocía–, la gente se dedicó a repetirla a modo de invitación para que el grupo volviera al escenario después de haberla interpretado. Y así lo hicieron, enganchado los coros del público con un segundo final para la canción, para inmediatamente después desgranar esa nueva apuesta de canción final que es ‘El camí més llarg‘, que no funcionó tanto como era de esperar pero que a medida que pasen las semanas con toda seguridad se irá asentándo más y más como culminación eufórico-festiva –aunque nosotros siempre echaremos de menos la emotiva ‘Sant Pere‘…– de un grupo que desde hace un par de años se muestra en plena forma y que ahora afronta el reto de no bajar el ritmo. Por ahora, más que conseguido.

Fotos: Xavi Torrent

Setlist Mishima (Teatre Lliure, 04/05/12)

‘Tornaràs a tremolar’

‘La forma d’un sentit’

‘El temple’

‘Una cara bonica’

‘Guspira, estel o carícia’

‘Els vespres verds’

‘Ull salvatge’

‘La vella ferida’

‘Els crits’

‘L’estrany’

‘L’ombra feixuga’

‘Ossos dins d’una caixa’

‘L’olor de la nit’

‘Miquel a l’accés 14′

‘Qui n’ha begut’

‘L’última ressaca’

‘La tarda esclata’

‘Un tros de fang’

‘Tot torna a començar’

‘Ningú m’espera’

‘No existeix l’amor feliç’

‘No obeir’

‘El camí més llarg’

Curioso concierto el de Get Cape. Wear Cape. Fly el pasado jueves en el ciclo Blogged By Indiespot, como siempre en la sala Music Hall de Barcelona. Entrañable y entregado como pocos, el grupo liderado por Sam Duckworth ofreció una hora larga de su particular batidora de estilos, sin ceñirse a ningún parámetro en concreto y haciendo gala de una intensidad que pocos esperábamos para su actuación. Abrieron la noche los locales Hate And Love At Home, con un sonido más que rodado pese a su juventud, y que gracias a canciones rotundas como ‘Then I’ll Be Gone‘ –la canción que abre Devotion, su más reciente EP– pueden hacer las delicias a todos aquellos que vibren con el rock electrónico de Delorean o The Raptures (bailoteos del cantante incluidos). Nosotros, claro, estamos entre ellos.

El de Get Cape. Wear Cape. Fly, en cambio, en principio iba a ser un concierto más comedido… pero nada más lejos de la realidad. Cogiendo un pedazo del espíritu punk (varios miembros de la banda que acompañaban a Sam Duckworth parecían sacados de The Specials o algún grupo así), muchos coros del mejor brit-pop, y una especie de euforia tabernil, Get Cape –vamos a abreviarlo así– apenas bajaron de revoluciones en todo el concierto. Repasaron lo necesario su flamante nuevo disco, el notable Maps (que se publica precisamente mañana), desde ‘The Real McCoy‘ a ‘Daylight Robbery‘ pasando por ‘Vital Statistics‘, hicieron alguna tímida bajada de intensidad con la bonita ‘Once More With Feeling‘ (de un disco ya lejano de 2006), y por supuesto no se olvidaron de hits como ‘Collapsing Cities‘. Todo puesto al servicio del show, pudiendo parecer un poco disperso como discurso musical en conjunto pero logrando la efectividad pretendida: básicamente hacer bailar al personal con esa mezcla de estilos tan británica que les pone al lado de artistas de allí como Jamie T o inclusos The Streets.

En ese sentido, Get Cape salieron más que airosos de su primera visita a Barcelona –habían venido al Faraday 2008 y para de contar–. Seguramente les faltó una pizca de técnica y de ejecución, pero lo compensaron sobradamente con la entrega anteriormente mencionada y la sincera simpatía de un Duckworth encantado de tocar en una sala tan bonita como es la Music Hall (sin ir más lejos, la comparó con la mítica Astoria de Londres, ya tristemente desaparecida). Y luego se nos pusieron en el bolsillo con un detalle: cuando Sam trató de interpretar su preciosa ‘Postcards From Catalunya‘ a mitad del concierto. Hacía tanto tiempo que no la tocaba que ni siquiera llegó a la mitad de la canción… aunque, como se encargó de explicar, era casi obligatorio tocarla estando en Barcelona. Así que siguió con el concierto, y para el bis salió con la letra escrita para tocarla entera. Ni así lo consiguió, entre los aplausos del público, pero el gesto fue más que apreciado.

Total, que acabamos rendidos a los pies del entrañable Sam Duckworth. Que, a su vez, terminó sinceramente agradecido por el recibimiento obtenido. Y así, todos contentos.

Fotos: Conjunto Vacío Estudio Creativo

Hay crónicas que conviene empezarlas por el final. En este caso, vale esta foto en la que tres personajes que el pasado viernes se peleaban por un puesto a los pies del escenario durante el frenético concierto de Mujeres, tocan el bajo de Pol Rodellar durante la canción que cerraba el concierto. Un concierto, ya se lo digo, de los de sudar, de los de bailar hasta escurrirse, de los de hidratación cervecil intensa. En el cartel, los gamberros de Barcelona, ya citados, y los Jacuzzi Boys, un trío de Florida (aquí pueden conocerles un poco más) que nos tienen locos con su trabajo del año pasado, Glazin, un disco liviano, divertidísimo y tramendamente adictivo que recomendamos vivamente, más allá de sus méritos artísticos. Los referentes, y en algunos temas hasta las armonías y los riffs, recuerdan a cosas tan concretas que uno siente la tentación de hurgar las estanterías digitales de los 60 en busca del plagio. Pero ¿para qué? Más fácil es dejarse menear por temazos del calibre del propio ‘Glazin‘; dejarse enternecer por odas al amor más naif, rollo ‘Crush‘, puro algodón de azúcar rocabilly.

“I’ve been searching all around the world / I’ve been searching for my perfect girl / I’ve seen al kinds all around the globe / Since I meet you my love it only grows / Cos I found you and you are my crush, crush, crush…”, canta en esa Gabriel Alcala (así se llama el yankee), con la voz filtradísima y metalizada. La composición no es la más melosa del álbum. Ese papel lo tiene otra joya, en ese misma línea ligera, desafectada, no pretenciosa y tremendamente accesible que se ‘Koo Koo With You’. Una canción para enamorarse, así en general, colindante casi con el folk de espíritu lo-fi, Juno style.

Pero ni la una ni la otra son verdaderamente representativas de la banda, y menos de su directo: un ejercicio constante de guitarreo, redoble y griterío. Ahí tienen ‘Cool Vapors’ para hacerse una idea, otra pieza de poco más de dos minutos, directa al estómago. Sobre las tablas de la sala Sol todo era más fuerte, más rápido, más sucio. El concierto gana al disco por intensidad, pero también es cierto que iguala demasiado, por arriba, la fuerza de los temas y uno puede tener la sensación de estar ante un derroche constante de efevescencia rock en el que las canciones se suceden unas tras otras como capítulos demasiado parecidos de un libro tirando a ligerito. Afortunadamente esta sensación sólo nos asaltó muy al final, cuando ya estaban a punto de ceder el escenario y no nos quitó la certeza de que nos gustaría encontrárnoslos en algún festival este verano. Perfectos para las 19.00, amigos programadores.

Los que ya tendrán slot asegurado en más de una cita veraniega son los barceloneses Mujeres, que venian a Madrid a presentar su segundo largo, Soft Gems, un disco para el que ha habido que esperar tres larguísimos años. Resulta casi increíble que su homónimo debut sea de 2009. En aquel trabajo, nos abofetearon con una colección de 13 temas que no sumaban en conjunto ni media hora de música. Claro que, habiendo hits como ‘Walk The Line‘ o ‘Frantic‘, cabia aplicar el sabio refranero castellano: lo bueno si breve, dos veces bueno.

En Soft Gems, que sí pasa de la media hora y sí tiene algún tema de más de tres minutos, encontramos a unos Mujeres de sonido más espeso. ‘Soft Gems pt1′, que abre el álbum, es como crema de cacahuete, suena como escuchada a través de un muro, de un techo. En directo esta sensación de pastiche sónico, que en el álbum cumple a la perfección su labor, se palia en gran manera. Los de Barcelona sonaron más definidos y contundentes que sus admirados colgas de Florida (“teníamos que haber tocado nosotros antes, joder”, llegaron a decir). Estar ahí delante y que te suelten un tema como ‘Amusement‘ sólo te puede llevar al baile y la felicidad. Afortunadamente, el público, que no fue suficiente para llenar, estaba bastante entregado, sobre todo en las primeras filas. Hacia la mitad del concierto, los bailes inocentes y los vuelos de faldas que presidieron temas como el citado o ese otro trallazo, este ya sí del nuevo, que es ‘Heat And Shame‘ (qué estribillo) dieron paso a una sesión de pogeo y testosterona en otros como ‘See The Light’ o ‘Blood Meridian’. En fin, ya saben cómo son estos conciertos de pogos bien llevados: la hostia muy divertidos.

Al final, la pancarta que los de Barcelona colgaron tras la batería (C’Mon Baby, Rock My Pants Off!) volvió a la maleta con honra. Grandes.

Fotos: Daniel Boluda.

Gran noticia para empezar una semana. St. Vincent, nuestra querida Annie Clark, la responsable del que para nosotros fue el mejor disco del pasado 2011, volverá a Barcelona tras su fugaz paso por el San Miguel Primavera Club 2011, que nos dejó obviamente enamorados. Tras un fin de semana marcado exclusivamente por el Coachella 2012 y tooodas sus retransmisiones y directos online (en breve publicaremos un post al respecto), y con la poca atención sobrante puesta en la final del TalentoSOS 2012 que ganaron merecidamente Oso Leone y Le Android, nos despertamos con felicidad al saber que, acompañando su paso por el prometedor Día de la Música 2012 de Madrid, St. Vincent estará actuando en la sala Apolo de Barcelona. Será concretamente el 20 de junio (es decir, antes de Madrid) y lo acaba de anunciar la propia sala en su Facebook. Entradas ya a la venta por 22€ anticipada. Sin duda una ocasión ineludible para comprobar en todo su esplendor cómo suena Strange Mercy en directo, sin ataduras de tiempo ni las limitaciones de un festival. Y que, además, también llegará a San Sebastián el 21 de junio (teatro Victoria Eugenia) y que coincide con otros temas de actualidad que rodean a Annie Clark, y es que ella también actuó este pasado fin de semana en el Coachella 2012, y se ha anunciado que lanzará un disco conjunto con nada menos que David Byrne, componente de Talking Heads. Al parecer, Clark y Byrne se conocieron tres años atrás en el concierto benéfico que unió a Dirty Projectors y Björk, y a rebufo del disco conjunto que hicieron estos, se inspiraron para preparar el suyo propio. El proyecto se hizo grande, y, según cuenta Clark a Rolling Stone, ya está grabado, y antes de publicarlo los dos artistas harán juntos la gira de presentación del mismo. Un granito de arena más para agrandar la creciente importancia de la señorita Annie Clark, que además se marcó un concierto bestial en el mencionado festival, con crowd surfing includio. Aquí les dejamos el vídeo en todo su esplendor. Feliz lunes.

St. Vincent @ Coachella 2012

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