Como un suspiro pasó Emmy The Great por Barcelona. Era domingo, día después del concierto de Arctic Monkeys, salió al escenario de La [2] y en apenas 45 minutos ya volvía a bajar de él. Fue una pena, y lo decimos abiertamente, que por cosas de la vida Emmy The Great tuvieran que ejercer de teloneros en Barcelona (de los bonitos Papercuts, que pese a su inmaculada trayectoria no estuvieron muy finos después) cuando en el resto de la mini-gira española (Madrid, Vigo y Ourense) habían gozado de todo el tiempo del mundo al ser el grupo principal de la noche. Una pena porque si algo demostró Emma-Lee Moss mientras estuvo encima del escenario en Barcelona es que su talento como cantautora es enorme, que su capacidad de enamorar al público con comentarios encantadores es total (sean de Friends o de su accidentada gira –vuelos con Spanair incluidos–), y que incluso en una formación reducida (esta vez vino acompañada únicamente de su guitarrista y una teclista que de vez en cuando hacía algunos elementos de percusión) la esencia de canciones como ‘Paper Forest (In The Afterglow Of Rapture)‘ o ‘Creation‘ permaneció inalterable, e incluso ganaron nuevos enteros respecto a sus versiones en disco.

Como un suspiro pasó Emmy The Great, y de tan corto que se hizo, apenas pudo tocar cuatro canciones –contadas– de Virtue, el disco que venía a presentar, más maduro, más trabajado, y de recorrido mucho más largo –ninguna mención, por cierto, al disco navideño que ha publicado junto a Tim Wheeler de Ash–. Ni siquiera su single ‘Iris‘ hizo acto de aparición, puede que por la formación o puede que por la brevedad de su actuación. Empezó, eso sí, en acústico como parece que últimamente acostumbra a hacer: ella, su camiseta de Iron Maiden, su guitarra y su particular versión ‘Eastern Maria‘. Preciosa y conmovedora. Luego aparecieron sus dos compañeros de banda, y… aquello comenzó fatal. ‘Dinosaur Sex‘, la deliciosa canción que abre con calma y vaivén su segundo disco, quedó absolutamente desdibujada por una guitarra eléctrica demasiado alta, una voz de Emma que casi ni se escuchaba, y una especie de desbarajuste general que por suerte duró solo una canción.

A partir de entonces, Emmy The Great pusieron la directa y eliminaron cualquier atisbo de relleno que pudiera haber en su setlist: abordaron la célebre ‘We Almost Had A Baby‘ justo después de ‘Dinosaur Sex‘, hicieron lo propio con ‘Paper Forest (In The Afterglow of Rapture)‘ justo después (lo hicieron tan pronto porque la propia Emma se confundió; aunque bordaron la canción) y completaron el pack de canciones infalibles con la maravillosa ‘MIA‘ y la ya clásica ‘Canopies And Drapes‘ (aún así, una de sus mejores canciones, que como Emma se encargó de comentar es tan antigua que dos de los grupos mencionados en ella se han separado y han vuelto a juntarse). Concierto exprés que, sin embargo, tuvo su momento de receso con la interpretación de la fantástica ‘William Blake‘, nueva canción que habían presentado apenas cuatro días antes en su paso por el programa Hoy Empieza Todo de Radio 3. Y que vio en el final de ‘Creation‘, otra canción de Virtue, una intensa emoción que nos llevó a pensar qué hubiera pasado si hubiéramos tenido a la banda al completo allí delante.

Y todo eso estuvo muy bien, pero luego vino ‘First Love‘, celebrada y querida, y al terminar Emma explicó que la última canción de la noche hablaba de una torre en Londres. Una torre muy cerca de donde ella vive. Y que es horrorosa y bonita al mismo tiempo, y que a ella le produce esta misma sensación. Y entonces empezó a cantar ‘Trellick Tower‘, su canción más sincera y valiente, sobre la ruptura de un amor por causas casi divinas, abiertamente dedicada a su ex-prometido, y aunque el concierto fuera un suspiro, aunque hubiera sido en formato reducido, aunque fuera domingo y el mundo tuviera que acabarse allí mismo… aquello lo compensó todo.

Setlist Emmy The Great (La [2], 29/01/12)

‘Estern Maria’

‘Dinosaur Sex’ (muy mal)

‘We Almost Had A Baby’

‘Paper Forest (In The Afterglow Of Rapture)’

‘William Blake’

‘MIA’

‘Canopies And Drapes’

‘Creation’

‘First Love’

‘Trellick Tower’

Arctic Monkeys han vuelto a cambiar. No es que eso sorprenda a nadie a estas alturas, porque los de Alex Turner ya nos tienen acostumbrados a evoluciones poderosas, pero sí da que pensar cuando el cambio se produce incluso dentro de la gira de presentación de un mismo disco. Nos contaba el propio Turner en una entrevista previa al concierto –que intentaremos publicar pronto– que pese a haber abrazado el pop clásico en gran parte de su reciente y fenomenal Suck It And See, seguramente tiren por otro camino en el futuro inmediato. Que, una vez hecho, quieren volver a la aventura. Lógico: tienen 25 años y ganas de comerse el mundo. En definitiva, lo que vimos el pasado sábado 28 de enero en un Palau Sant Jordi de Barcelona con 9.000 personas fue un grupo de rock tocando canciones pop. Con todo lo que ello implica. Cuatro chavales que nada tienen que ver con los que publicaron Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not hace apenas seis años, cuya ambición parece ilimitada ahora mismo.

Pero eso no es malo. Arctic Monkeys constataron que han dado un salto adelante en su directo, que ya son por todos lados un grupo preparado para llenar grandes recintos y cumplir con las expectativas que ello genera. Eso ya lo vimos en su visita anterior a Barcelona, en esa gira de presentación de Humbug que nos dejó maravillados. Pero entonces hubo una diferencia con respecto a esta reciente visita: hubo unidad en el concierto. Arctic Monkeys estaban completamente inmersos en la densidad de Humbug, y eso impregnó todo el concierto, convirtiéndolo en un ejercicio redondo de guitarras reverberadas, coros con eco y desarrollos pausados.

Lo que pasó en Barcelona esta vez, en contraposición, fue que Arctic Monkeys vinieron a presentar un disco repleto de gemas de pop clásico siendo un grupo de rock con tupés y chupas. Y eso derivó en que las canciones rockeras sonaron fabulosas, poderosas y aplastantes (la inicial ‘Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair‘, la colosal ‘Library Pictures‘, incluso ‘Brianstorm‘), pero las canciones pop perdieron todos sus matices por un bajo demasiado contundente (‘The Hellcat Spangled Shalalala‘, ‘She’s Thunderstorms‘ y sobre todo ‘Black Treacle‘). Eso, sumado al injusto olvido de Humbug (de él solo rescataron la imprescindible ‘Crying Lightning‘ y una remozada ‘Pretty Visitors‘; ni siquiera ‘Cornerstone‘) dio como resultado un concierto algo irregular, de un grupo que técnicamente lo tiene todo, que incluso se ha ganado el respeto de muchísimos nuevos seguidores por su demostrada madurez, pero que esta vez chocó con sus propias canciones. Demostraron que, a estas alturas, sus primeras composiciones no tienen secreto alguno para ellos (bordaron ‘The View From The Afternoon‘ y ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor‘ –seguidas– o ‘Still Take You Home‘ casi sin pestañear), que son capaces de manejar el tempo de un concierto a la perfección –inicio demoledor y casi encadenado con ‘Don’t Sit Down…‘, ‘Teddy Picker‘ y ‘Crying Lightning‘. Pero donde se les vio realmente disfrutar fue con canciones como ‘Evil Twin‘ o ‘Library Pictures‘, en los solos, en los desarrollos guitarreros, en las partes instrumentales. Y es por eso que no entendimos la ausencia tan notoria de Humbug, al mismo tiempo que nos resulta lógica la presencia de las canciones de Suck It And See (aunque estuvieran algo deslucidas).

Un Alex Turner (¿demasiado?) desatado, sin embargo, ejerció de buen maestro de ceremonias, amén de una iluminación sencilla pero realmente impactante, casi física en los momentos álgidos de ‘Brianstorm‘ o ‘Library Pictures‘. Pese a la modesta puesta en escena, Arctic Monkeys son capaces de llenar un recinto de miles de personas cuando atacan canciones como ‘Crying Lightning‘, la eterna ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor‘, o ese final apoteósico de la siempre reivindicada ‘Do Me A Favour‘ que tanto les gusta. Seguro que cada fan tenía en mente su bis perfecto, pero en esto Arctic Monkeys no se la jugaron: la canción de pre-cierre de su último disco (‘Suck It And See‘), el hit facilón (‘Fluorescent Adolescent‘) y la intocable ‘505‘, que vio subirse al escenario al eufórico Miles Kane –quien, por cierto, había dado como telonero un concierto con más entrega que técnica– y que fue prácticamente el único punto de amarre imperturbable de un grupo que, pese a este traspiés, sigue en el trono de su generación.

Fotos: Germán Parga

SETLIST ARCTIC MONKEYS (PALAU SANT JORDI, 28/01/12)

‘Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair’

‘Teddy Picker’

‘Crying Lightning’

‘The Hellcat Spangled Shalalala’

‘Black Treacle’

‘Brianstorm’

‘The View From The Afternoon’

‘I Bet You Look Good On The Dancefloor’

‘Library Pictures’

‘Evil Twin’

‘Brick By Brick’

‘This House Is A Circus’

‘Still Take You Home’

‘Pretty Visitors’

‘She’s Thunderstorms’

‘Do Me A Favour’

‘When The Sun Goes Down’

‘Suck It And See’

‘Fluorescent Adolescent’

’505′

La semana pasada hicimos un intensivo en esta banda sevillana que está entre las propuestas más suculentas (y reconfortantes) del panorama nacional. El jueves fuimos a verles a la Joy, donde prácticamente llenaron y el fin de semana, la gente de Sello Salvaje nos invitó muy amablemente a ver a Fiera, su otra cara. Otro proyecto, misma formación. Aquí abajo, las dos crónicas. ¡Qué viva Sevilla!

Pony Bravo @ Joy Eslava (12/01/2012)

Noche psicodélica en Joy Eslava. Minutos antes del concierto, mientras la sala entraba en un lento pero inexorable proceso de abarrotamiento (sólo se libraron algunas zonas de los pisos superiores), la temperatura iba subiendo, gracias a una calefacción generosa y a unos chispeantes temas rollo Nuggets. Ya sabéis: que si teclados, que si susurros en estéreo. Poco a poco, la fiebre se iba incubando. “Fever all through the night”, que diría Peggy Lee.

Pony Bravo aparecieron sin teloneros. Están en un momento de buena forma, presentando para los despistados Un gramo de fe (2010), su segundo LP. Y discazo. Ya no es una sorpresa, sino una realidad. Los conciertos se multiplicaron durante el recién fallecido 2011 al mismo ritmo que sus adeptos y desde indiespot, que seguimos pagando penitencia por descubrirles tarde, estamos convencidos de que lo mejor está por llegar.

El concierto se centró mayoritariamente en el susodicho disco, dejando alguna migaja del debut Si bajo de espaldas no me da miedo (y otras historias) (2008). A destacar la dinámica ‘equipo de volley’ de Pablo Peña, Darío del Moral y Javier Rivera, que pasaban casi indistintamente del bajo a la guitarra, de la guitarra a la batería y vuelta. Sólo un hombre permanecía impasible tras su micro de vocalista titular y su teclado: Daniel Alonso. Impasible, que no inmóvil. Cómo no destacar esos bailecitos en modo “animal de barra” que algún día avergonzarán a alguna adolescente. Muy grande. En lo musical, como siempre, los pasajes instrumentales más pasados (‘Fullero’, ‘Pumare-ho!’ o ‘Hipnosis Groove’) fueron sobresalientes.

Hay que reconocer la habilidad del grupo para meter en la coctelera psicodelia, reggae, reminiscencias arabescas y un generoso aliño de rock andaluz y que la mezcla no sepa a rayos (¿lo pillan?); aunque quizás quepa también reprocharles la obsesión con algunas temáticas. A saber: campo, Dios, drogas. Aunque bueno, ya es mucho y más variado que lo que presentan muchos otros y el fruto que ofrecen, en forma de canciones como ‘Noche de Setas’, con pocos dobles sentidos, es impagable. Pánico en el bungalow. Ese himno psicotrópico se jugó el puesto de canción de honor con ‘La Rave de Dios’, que desató el fervor cuasireligioso del respetable al primer “no hay mejor colocón que el que produce Cristo”. Para entonces, el público bailaba sinuosamente. Cocaína y religión: todos juntos, como hermanos.

Pinche aquí para ver el vídeo

Para entonces el concierto iba camino del final y las posibilidades de escuchar temas nuevos iban menguando. Pero, apropiadamente, teníamos fe y fuimos recompensados. Fue en el bis, cuando Daniel Alonso dejó la pista a Pablo Peña (personaje), que con la camisa sudada y abierta hasta el ombligo se colocó la guitarra en ristre, como un arma, para cant contarnos ‘DNI’, un spoken word que le da hostias todo lo que se menea. Peña narra la chapa (hipotética) que le da el componente de otra (hipotética) banda española en el backstage antes o después de un (hipotético) concierto y mientras preparan unas rayas que no llegan. Algo así. Nos dio tiempo a grabar la segunda mitad (aquí tienen buena parte de la primera, es enorme). “Mi grupo está muy bien: tenemos la pose, tenemos el carisma, tenemos el estilo… nuevos contactos, cuatro videoclips, un DVD, 223.000 amigos. Yo- yo, camello, camello-yo”. En fin, un guantazo al estado de las cosas por parte de una banda que tiene su propio sello y apuestan por un modelo diferente y, al parecer, viable.

Muy bien.

Coraje + Margarita + Fiera @ Nasti Club (14/01/2012)

La verdad es que este cartel, levantado por la gente de La Fonoteca y la de Sello Salvaje, era de los que no hay que perderse. Más por los 8€ que costaba la entrada anticipada. A menos de 3€ por banda, ya nos dirán. Se llenó, claro.

Los primeros en salir fueron Coraje. Con retraso y con la gente aun haciendo cola para entrar por no sabemos qué cosa. Los de Madrid completaron un concierto (necesariamente) breve y bastante irregular. Cuando entran de lleno en la vena canalla y aciertan con la letra (imposible no pensar en Los Enemigos, Gabinete…), molan. Pero la propuesta, muy made in Carabanchel, es poco original y cuando no dan en el clavo suenan a más de lo mismo. En su cuenta de Bandcamp tienen una demo publicada hace menos de un mes en la que pueden echarles un ojo. El final de ‘Niebla‘, el puente de ‘Niño Negativo‘… Hay cosas. Veremos qué hacen con su primer trabajo.

La cosa subió bastante con el punk de colores de otros madrileños, Margarita, que sonaron todo lo bien que les dejó la sala. Su mezcla de surf, punk y rock aderezado con coros supersónicos y percusiones a velocidades de vértigo, funcionó perfectamente. Empaquetada en canciones de menos de tres minutos, entraban hasta por los ojos. La verdad es que desde entonces le hemos dado más de una escucha a su último trabajo, Explota el Cuerpo (2010). Genial ‘Crudo y Crema‘, con ese fondo cacofónico de voces psiquiátricas; impecable el tropicalismo desquiciado de ‘Pieza‘. Y así muchas: ‘Aquí No Cabe el Sol‘, la propia ‘Explota El Cuerpo‘… Originales, precisos y tremendamente divertidos, no se puede pedir mucho más. Chapó.

¿Y qué decir de Fiera? Por su suposición en el escenario, por sus bailes rollo stepping y por su presencia, Pablo Peña ya parece el frontman de Pony Bravo, pero con Fiera ya no cabe ninguna duda. Decir que es cantante y bajista de la banda es tanto como decir que es el responsable del 90% de lo que suena.  Resultan casi excepcionales las canciones en las que Fiera utilizan algo más que una voz, un bucle de bajo tocado con pua y dos o tres elementos de percusión heterodoxa. Su furgoneta debe parecer la del chatarrero. A saber: una chapa como de metro y medio por metro y medio colgada de un marco al efecto (gong low cost); un cubo de cemento, de esos de goma, dado la vuelta (de bombo); diversas chapas, vigas y cosas metálicas esparcidas por ahí (caja, charles, crash…). Había en escena hasta una aspiradora, una paellera y un tubo corrugado de diámetro generoso que, si no recuerdo mal, no llegó a ser usado.

Lo que sale de ahí son desnudos musicales como ‘Pisapapeles‘, canciones como para la banda sonora de la versión sevillana, sucia y post-punk de Fantasía. Dientes que se caen, “mi-ra, mi-na, mi-na-bo”, agentes comerciales con vidas vacía… Un mundo lleno de asco hacia la rutina y los diversos engendros de capitalismo alienador ofrecido en forma de canciones lineales, construidas sobre bucles que varían por milímetros y caminan solos, como con vida propia. La propuesta es tan radical en tantos sentidos que es difícil que a uno le deje frío. Escuchen ‘Euro’ o ‘Cuentas‘ (la de la aspiradora), por ejemplo. Si se meten en ese lenguaje, en esa forma de hacer, si ceden al trance, es posible que queden impresionados. En directo, en una sala como el Nasti, el órdago funcionó.

Crónicas: Álvaro Ramirez y Daniel Boluda
Fotos: Daniel Boluda.

Ah, el noise. Tan preñado de incertidumbre como la vida misma. Es el no-relato, el anticlímax, la constatación sonora de que la realidad es escurridiza e intangible, de que los esquemas y categorías con los que definimos el mundo son artefactos inútiles, y de que incluso dentro del peor caos se puede hallar un instante de belleza. A los que adoren este tipo de música: ¿qué os voy a decir que no sepan de sobra vuestros lacerados oídos? A los que la aborrezcan: ¿acaso pensáis que la vida es estrofa, puente, estribillo? ¿En serio?

El pasado domingo, los amantes del noise tenían una cita de órdago en la madrileña Siroco: las japonesas Nisennenmondai traían munición de grueso calibre, lista para disparar en la incursión ibérica que la semana pasada les llevó, además de a la capital, a Barcelona, Vigo, Oporto y Lisboa. Todo ello cortesía de Giradiscos. Las niponas, que ya estuvieron en el último Primavera Sound, casi consiguen llenar la sala, y eso pese a que el concierto estaba programado un domingo. La dicharachera música disco que sonaba durante la espera ejercía de banda sonora para nuestras expectativas mentales: ¿tirarán de su último LP, Fan, o quizá apuesten por el sólido EP Neji­/Tori? ¿A lo mejor le meten mano al socorrido disco en directo Destination Tokyo? ¿Saldré con acúfenos en los oídos una vez más?

Después de veinte minutos de espera, las componentes aparecen. Afinan. La baterista estira los brazos. No hay sonrisas ni saludos: no hay ceremonia, no hay relato. Nunca muestran su rostro de frente. Que a nadie se le ocurra decir que tienen algún tic oriental. Sin aviso, comienzan. Masako Takada pisa un par de veces el pedal, el bajo tintinea como un martillo gigante, Sayaka Himeno se vuelve una autómata de la percusión durante los diez minutos largos que dura ‘Appointment’, la primera canción. La noción del tiempo también se desmorona, atrapada en un patrón rítmico (casi) inalterable, hipnótico, paroxístico.

El núcleo del concierto está en la pedalera que tienen justo arriba. De ella emanan loops que suenan como sonarían las tripas de Godzilla en proceso de ebullición, bucles de notas agudas y afiladas como clavos, siempre con el apoyo rítmico de batería y bajo, infalibles como un reloj atómico. Definitivamente, son mil veces mejor en directo que en disco. El minimalismo sucio que despliegan viola nuestros oídos, pero abraza nuestros cerebros. Funciona. Alguien a mi lado improvisa unos tapones con el papel de una servilleta. Es inútil.

Llama la atención la actitud del grupo: sin dejarnos ver las artimañas con las que hacía gritar su guitarra, Masako Takada mira de vez en cuando los focos y monitores sobre su cabeza, ensimismada. Después de estallar en un intenso y demencial galimatías al final de ‘Ikkyokume’, se dirige por única vez al público. Con una tímida vocecilla que contrasta con su brutal sonido, empieza una frase trilingüe: empieza por “Hola”, sigue con “We are Nisennenmondai, we come from Tokyo”, y acaba en “Arigato” y una inclinación de cabeza made in Japan.

Para los curiosos, el setlist del concierto se puede degustar, en el mismo orden, en el bandcamp del grupo. Sí, a lo mejor se podrían haber currado algo más el repertorio, a lo mejor hubiera estado bien un poco menos de piloto automático. Sea como fuere, aquellos cincuenta minutos fueron monstruosamente bellos. Esto sí que es un power trio.

Texto: Alvaro Ramírez (@alvarorcalvo)
Fotos: Julio Zamarrón

Cuesta algo entender la espectacular acogida que ha tenido el segundo largo de los norteamericanos Real Estate. Un catálogo de canciones de pop de manual que exigen cierta implicación para evitar quedar relegadas al cajón de sastre. Así que una vez hecho un primer guiño de complicidad y con un tardío invierno asediando Madrid, la Sala Sol es el oasis donde resguardarse del frío y comprobar si el quinteto de Nueva Jersey puede impregnar algo de calidez a un repertorio tan preciosista como aséptico, de la mano de Heineken Music Selector.

El aperitivo lo ponen dos jóvenes imberbes que juegan sus bazas sobre cajas de ritmos y sintetizadores, y tan solo alguna guitarra como concesión a la cultura analógica. Beat Connection se avistan rápidamente como deudores de Cut Copy o Neon Indian, electrónica simpática que echa de menos una formación más amplia que rehuya del exceso de cacharros. El cierre lo hacen con la reseñable ‘In The Water‘, que evoca a un inmaduro ‘Stay Close‘ de Delorean.

Con la sala aún con espacios y con alguna celebridad entre el público, como la ínclita Lourdes Hernández (Russian Red), aparecen encamisados los cinco miembros de Real Estate. Pese al escepticismo inicial, la primera, ‘Beach Comber‘, sirve sobre todo para comprender, aunque no necesariamente para compartir, el embeleso con el que algunos reciben a la banda. Porque es cierto que las canciones de Days son mejores que lo que pueden parecer en un primer momento. Desde luego, no van a optar a banda más salvaje del  momento. Para evitarlo ya pone todo su empeño Martin Courtney, una voz melosa al estilo de Ben Gibbard pero con una abnegada introversión que resulta exasperante.

También queda claro que manejan bien su repertorio dentro del limitado espectro emocional de sus canciones. Los momento más reflexivos de la instrumental ‘Kinder Blumen‘ se contraponen al contenido entusiasmo de ‘It´s real‘, en la que el público se incorpora a lo coros. También rescatan las mejores piezas de su primer LP homónimo de 2009, como ‘Fake  Blues‘. Un bloque central del concierto en el que destacan ‘Municipality‘, ‘Youger Than Yesterday‘ o la estupenda ‘Out of Tune‘.

Precisamente esta última sirve para demostrar sin ambages la predilección de la banda por los desarrollos instrumentales con predominio de las seis cuerdas. De ello es claro indicio el largo e hipnótico deceso de ‘All the Same‘, que desemboca en un primer adiós. La obligada vuelta corrobora las pocas aptitudes vocales del bajista Alex Bleeker en ‘Wonder Years‘ que, para hacer justicia, es el único miembro que supone un contrapunto al marcado estereotipo del resto de la banda y que intenta aliviar el tedio producido por Martin Courtney.  El concierto de una hora casi exacta fue muy correcto tanto en la selección de temas como en la acústica. Y quizá sea ese el mayor problema de todos. Un exceso de compostura que podría presidir un auditorio repleto de corbatas y zapatos italianos.

Texto: Carlos Marlasca 
Fotos: Dani Carretero para Heinekenpro.com

Hace unos días lanzamos a través de nuestro perfil de Facebook un pequeño concurso para escoger a los teloneros de Ezra Furman, el protagonista del primer concierto del ciclo Blogged By Indiespot. Las propuestas se acercaron al centenar, y, totalmente abrumados, decidimos escoger a cinco finalistas para que el público pudiera votar. Escogimos, por diversos motivos, a Partido, Estúpida Erikah, Louisiana, Nando Caballero y J.S.T., para que uno de ellos teloneara al gran Ezra Furman en su visita a Barcelona dentro de su gira europea en solitario. Eso fue el lunes, y en dos días la respuesta no ha podido ser mayor: tanto, que los dos grupos más votados han superado ampliamente los 500 votos, lo que demuestra su esfuerzo y las ganas que tiene de subirse al escenario de la sala Music Hall este próximo domingo 27 de noviembre. Así que junto a los amigos de la propia sala, y vista la reacción provocada, hemos decidido que ambos grupos sean los escogidos para ser teloneros: Louisiana –732 votos– y Estúpida Erikah –634 votos–. Por separado, claro, solo faltaría; pero ante una respuesta tan masiva, solo podíamos premiar a ambos (y agradecer tanto a J.S.T. –406 votos– como a Partido –143 votos– y a Nando Caballero –98 votos– su esfuerzo y participación). Así que, al final, el cartel de este domingo en Music Hall será triple: abrirán la noche a las 19:30h los catalanes Estúpida Erikah, con un disco y un flamante EP a sus espaldas y que se mueven en un folk-pop delicado y costumbrista; les seguirán a las 20h Louisiana, dúo zaragozano formado por Ana Muñoz y Luis Cebrián y que practican un pop dulce y acompasado, con un inminente debut por presentar; y a las 20:30h saldrá a escena el chico de las gafas de sol, Ezra Furman. Bonito cartel para inaugurar cualquier cosa, ¿no? Las entradas, recuerden, siguen a la venta al módico precio de 8€. ¡No se lo pierdan!

El teatro Kapital de Madrid nunca ha tenido fama de ser garito de conciertos. No al menos de los que degustamos por aquí. Siempre ha sido más conocido por sus siete plantas, sus bolas de cristal y arañas de pega colgadas del techo, y por ser lugar de esparcimiento para algunos famosillos. En fin, que la fama del lugar no viene precisamente por ser templo de ningún estilo musical, sino por ser lugar de peregrinación juerguil de la gente guapa capitalina y sus infinitos imitadores. Si las paredes hablaran, ya saben.

Pero aquella noche se gestaba algo especial allí, gracias a Heineken Music Selector: la visita de Fanfarlo, en plena gira española (15 en Madrid, 16 en Barcelona, 18 en Toledo y 19 en Cádiz) y ante las puertas de su segundo disco, que saldrá en los primeros pasos de 2012. Llegamos al concierto con los ecos de su notable debut Reservoir (2009) todavía resonando en alguna parte de nuestros oídos: un disco (otro más) de estos de ahora, donde parece obligatorio incluir al menos un violín y las canciones tienen que estar salpimentadas de “lalalas” y “uououos”. Que alguno de los miembros del grupo lleve un corte de pelo asimétrico, a lo Win Butler, también debe de ser una norma. La sombra de Arcade Fire es alargada.

Como curiosidad, Sergio Vinadé de Tachenko (si no era él, se trataba de su doble para las escenas de riesgo), estaba de pipa por ahí, enrollando y desenrollando cables minutos antes del concierto de Fanfarlo. El concierto estuvo bien, Fanfarlo sonaron perfectamente y, aunque no fueron especialmente simpáticos, tuvieron el detalle de presentar varias canciones del nuevo disco. Controvertida decisión: eso hizo que el efecto karaoke se diluyera un poco y la gente estuviera más dispuesta a escuchar que a moverse, pero no por ello desapareció el puto murmullo de fondo, molesto como siempre. Entre las novedades destacó ‘Replicate‘, de la que hablamos en su momento; ‘Tunguska’, basada en un sexy diálogo trompeta-saxo; la ochentera ‘De.cons.truc.tion’, canción nuevaolera que lleva rulando por ahí desde mediados de octubre; y la solemne ‘Flood’, con ribetes épicos, que tiene pinta de temazo y que fue precedida de una intro a capella entre Simon Balthazar y Cathy Lucas. De lo conocido sonaron, entre otras, ‘Finish Line’, ‘Comets’, ‘I’m A Pilot’, ‘Harold T. Wilkins‘ y en el bis ‘The Walls Are Coming Down’. Canciones que nunca fallan. Buen concierto, y su segundo álbum promete: pero agradan más en disco.

Con Hola A Todo El Mundo (deberían dar más conciertos como titulares) pasó al revés: en disco dan un poco de pereza, pero sus directos son delicia pura. Leche de teta. Los cinco -ellos tres con unas pintas que van desde Jesucristo hasta John Frusciante pasando por David Gilmour; ellas dos estupendas de la muerte- se reparten por el escenario, y ninguno sobra ni hace de menos: desde las castañuelas hasta el banjo, pasando por el acordeón, todo es armonía, buen rollo y paz mundial. Tuvieron una actuación generosa de casi una hora, donde le dieron a su disco debut y al EP de este año, Estela Castiza: ‘Hatem Prayer Team‘, ‘León Comunión’, ‘A Movement Between These Two’ (imprescindible), ‘Maestra Algranza‘… todas impecables. El público se lo pasó pipa.

Y por cierto, aquella noche en Kapital no se vio a ningún jugador del Real Madrid. Ellos se lo pierden.

Texto – Álvaro Ramírez (alvarorcalvo)
Fotos – Carla Mir (heinekenpro.com)

Puede que, al fin y al cabo, no haya sido mala idea haber esperado dos semanas para escribir la crónica del concierto de The Antlers en Barcelona. En caliente, las cosas se ven de manera más pasional (para bien o para mal), y uno pudo quedarse, como sucedió en Madrid, con la sensación de que los de Brooklyn estuvieron algo fríos y desganados. No fue el caso de Barcelona, donde la banda salió a por todas con un Peter Silberman pletórico y el descubrimiento del nuevo guitarrista en directo, Timothy Mislock. Pero sí que se notó cierta uniformidad a la hora de afrontar las canciones en vivo, tanto del reciente Burst Apart como del inolvidable Hospice. Una uniformidad buscada, pretendida, intuyo que persiguiendo una coherencia total que hiciera casar las nuevas canciones –más explosivas, musicales y recargadas– con las antiguas –más emocionales, incisivas y, claro, pasionales–. Un esfuerzo extra, en definitiva, que la mayoría de grupos no hacen, pero que ya sabíamos del cierto, después de verlos en el apabullante concierto del Primavera Sound 2010, que The Antlers sí hacían.

Eso, sin embargo, dio como resultado situaciones extrañas. Porque los que veníamos con el recuerdo de aquel concierto en el escenario Pitchfork, aquella exhibición poderosa, épica y hasta excesiva de The Antlers, vimos cómo las canciones de Hospice, que aquel día sonaron reinventadas en clave apoteósica, perdían gran parte de esa fuerza en pos del concierto global en la era Burst Apart. Sucedió con ‘Kettering‘, disparada como segunda canción del concierto tras la inaugural y lánguida ‘Parentheses‘ (otra apuesta clara que parecía indicar que querían que el concierto fuera in crescendo constantemente). Sucedió en la descomunal ‘Atrophy‘, que recargaron más que en disco pero aún así no terminó de explotar. Y sucedió con ‘Sylvia‘, que pese a cerrar el concierto no tuvo esa intensidad que en su día nos dejó con la boca abierta.

La única que se ‘salvó’ de esa reconversión fue ‘Bear‘, escogida sabiamente como contrapunto íntimo de la velada, y que nos dio pie a pensar que The Antlers podrían jugar más con ese don del que gozan, que les permite tanto sonar emocionalmente intensos como salvajemente estruendosos, sin apenas cambiar de canción. El final de ‘Bear‘, sin duda una de las canciones estrella de la noche, fue colosal, alargado con capas de distorsión y esos momentos de ruido en los que The Antlers parecen sentirse también cómodos. Y fue un final perfecto para una canción cuya sencillez habíamos disfrutado enormemente, en plena mitad del setlist. Una calma en medio de la tempestad que The Antlers podrían explotar más.

El resto del concierto fue prácticamente perfecto. Resulta evidente que las nuevas canciones fueron compuestas como grupo y pensadas para el directo, y para constatarlo tuvimos unas ‘No Widows‘, ‘I Don’t Want Love‘ y ‘French Exit‘ (que, además, tocaron seguidas) que recrearon a la perfección cuando quisieron. Porque ya se sabe que The Antlers son amigos de las reinterpretaciones, y en ‘Every Night My Teeth Are Falling Out‘, por ejemplo, retuercen el ritmo de batería y juegan con la sinuosidad de la canción, para terminar rendidos a la explosión final. Algo similar a lo que hicieron con ‘Rolled Together‘, una pieza clave en el disco que en directo también colocan casi como interludio con un juego de coros preparado a la perfección.

Y luego está Peter Silberman. Él y sus contorneos constantes, él y su timidez encima del escenario –ya un poco mitigada a raíz del éxito vivido, pero todavía presente–. Él y su extraordinaria voz, capaz de clavar notas tan complicadas como las de ‘Hounds‘, tema en el que dio una exhibición vocal que en realidad se alargó durante todo el concierto. Queda claro que, aunque Burst Apart haya sido cosa de tres (Michael Lerner y Barcy Cicci le siguen fiel y atentamente), él sigue siendo quien dirige el grupo, y que The Antlers es en gran medida el propio Silberman. Por eso, creo, se sumó al paseo entre el público con el que el nuevo guitarrista sorprendió en el –también explosivo– final de la esperanzadora ‘Putting The Dog To Sleep‘.

Y no, no hubo ‘Two‘. De hecho, la historia curiosa con ‘Two‘ –más allá de que no entendemos en absoluto que no la toquen, pero eso es una opinión personal– es que no forma parte del setlist habitual de esta nueva gira… pero que la tocaron el día antes en Madrid. ¿Por qué? Al parecer, Silberman contó que el día anterior en Lisboa una chica les había dicho que le había sabido muy mal que no la hubieran tocado, así que como favor o redención o no sabemos qué, la tocaron para los madrileños. No así en Barcelona, donde el bis fue para la preciosa ‘Corsicana‘ (una grata sorpresa porque es una de mis favoritas) y para una ‘Sylvia‘ con baterías medio tribales que concluyó un concierto que, visto en perspectiva, fue prácticamente redondo, y que fue solo empañado ligeramente por el recuerdo excesivamente emocionado del concierto del Primavera Sound 2010. Y hoy, dos semanas después, resulta esperanzador comprobar que un grupo que en su día nos llegó tan adentro, sea capaz de seguir haciéndolo aunque sea por caminos distintos. Así que sí, quizá sí que ha sido mejor esperar dos semanas para hacer la crónica del concierto de The Antlers.

Fotos: la de la portada es de Daniel Boluda en Madrid, y las otras dos de Steven Be en Barcelona.

Setlist de The Antlers en BeCool (05/11/11)

‘Parentheses’

‘Kettering’

‘No Widows’

‘I Don’t Want Love’

‘French Exit’

‘Atrophy’

‘Rolled Together’

‘Every Night My Teeth Are Falling Out’

‘Bear’

‘Hounds’

‘Putting The Dog To Sleep’

‘Corsicana’

‘Sylvia’

El combate de Wilco contra la eternidad se juega en momentos espacio-temporales no sincrónicos, pues no deja de ser extraño que la mejor y más estable formación de la que ha dispuesto la banda del mandamás Jeff Tweedy haya ganado su estatus de clásico con actuaciones sobradamente magistrales sobre el escenario pero cuyas cúspides, es justo señalarlo, han estado ubicadas en momentos de su discografía menos reciente.

Como demostraron en el siempre precioso Palau de la Música Catalana, Wilco es sobre las tablas una máquina perfecta que domina con clase y emoción una amalgama infinita de posibilidades. Dar inicio al concierto con la calma acústica y reflexiva de ‘One Sunday Morning‘ es un atrevimiento, sí, pero no está al alcance de muchos dejar enmudecido al personal con esa entrada, como tampoco es sencillo casar luego a la perfección ese country-folk con los virtuosos y aplaudidos guitarrazos de Nels Cline, sin parecer un Joe Satriani de rebajas, con los devaneos experimentales aprendidos del hoy escondido Jim O’Rourke, con el rock más americano (‘Monday‘) o el pop más épico y romántico (‘A Shot In The Arm‘). Todo ello es señal de identidad de una banda que aparece como imposible cruce del clasicismo de The Band junto al eclecticismo desafiante y chulesco de The Velvet Underground, un turmix irresistible sobre el escenario, lugar en donde mejor suenan sus últimas composiciones (en especial ‘I Might‘, o la sobrecarga de efectos de ‘Art Of Almost‘, un intento en recuperar parte del discurso conceptual de A Ghost Is Born (2004)).

A pesar de presentar el interesante The Whole Love (2011), el grueso del setlist siempre recayó en el imprescindible Yankee Hotel Foxtrot (2002), sucediéndose más temas de éste que del primero, con momentazos del calibre de ‘I Am Trying To Break Your Heart‘ (repleta de cachivaches de Glenn Kotche), ‘War On War‘, ‘Poor Places‘, o la cándida y celebrada ‘Jesus, etc‘. Fulminada más de la mitad del setlist con los dos LP, ya sólo quedaba lugar para una celebración no apta para sensibles, un paseo histórico junto a las inconmensurables ‘Via Chicago‘, ‘Impossible Germany‘ o ‘California Stars‘, demandada mediado el concierto, y que un jovial y relajado Tweedy concedió en los bises a un público entregado y en pie. Hipnotizada la audiencia e hipnotizada la banda, una metralla rockera alargó lo que nadie quería que terminara: ‘Heavy Metal Drummer‘, ‘Monday‘ y ‘Outtaside‘ verbalizaron el amor existente de Wilco con el público barcelonés. Bien pensado no había lucha contra la eternidad, sino que la teníamos ahí arriba, sobre el escenario, delante de nuestras narices.

Texto: Sergi de Diego Mas

Fotos: Heineken (del concierto en Madrid)

Los espacios son elementos circunstanciales que no siempre sirven para sopesar la magnitud de la banda que los ocupa. El miércoles 26 de octubre, a la misma hora que Coldplay se daba su particular baño de masas en la madrileña plaza de toros de Las Ventas, Mogwai se ceñía a un espacio mucho más intimista de la capital en la pequeña sala San Miguel del Palacio de Vistalegre de Madrid. Y si, como indicaba recientemente Diego Manrique, parece que los de Chris Martin están a la búsqueda de la perennidad con estrategias a veces discutibles, los reyes de la épica escoceses saben que lo efímero no entra dentro de su particular diccionario.

Las autores del sempiterno Young Team son conscientes de que el recinto en el que se presentan es un asunto de menor importancia. Da igual que aparezcan sobre una gran superficie, como el escenario Llevant del ultimo Primavera Sound 2011, o que su atmosférica densidad ocupe una estancia más apta para inocentes novicios que para una banda de lleva escribiendo su trascendental epopeya durante casi dos décadas. El objetivo es transformar ese lugar en un inexorable entramado de emociones.

Satisfecho tuvo que estar el ex Super Furry Animals Gruff Rhys de poder telonear a los de Glasgow. Sus gorgoritos electrónicos y sus ademanes de hombre orquesta solo sirvieron para demostrar que cualquier aventura del pasado fue mucho más fértil. Tonadas folk y una aplicada dosis de simpatía que no merecieron demasiada atención por parte del todavía escaso público presente.

No son necesarios los artificios para anunciar la salida de Mogwai. Seis enigmáticas siluetas que no se permiten, a excepción de Stuart Breithwaite, excesivos lujos sobre las tablas, conscientes de que su muestrario solo depende de cada modulación, de cada nota estudiada para alterar el estado anímico de sus agradecidos seguidores. Abrir con ‘White Noise‘ es una declaración de intenciones, un resumen de la idiosincrasia de una banda donde el minimalismo inicial avanza hacia la característica plenitud espacial. Es el comienzo de una primera parte en la que abundan temas dirigidos a incidir en lo sentimental, con las licencias vocales de ‘Travel Is Dangerous‘, la enigmática contundencia de ‘Rano Rano‘, la experimentación electrónica de ‘Mexican Gran Prix‘ o el optimismo itinerante de ‘How To Be a Warewolf‘. La indiscutible excelencia sonora se erige como el pilar de una  experiencia ilustrada por procedentes visuales, un directo que manifiesta la voluntad de travestir cualquier conato de apatía.

En Barcelona, la intensidad fue tal que los cimientos del Casino de l’Aliança del Poblenou temblaron. Literalmente. El sonido, pese a ello, era cristalino: cualquier golpe de bajo se escuchaba con una precisión atronadora, los crescendos elevaban al público (sentado) a otra dimensión, las notas de piano se distinguían clarividentes entre el caos ordenado de ruido que Mogwai generan. Y en esas que, en medio de la quietud forzada por las sillas, un espontáneo baja el pasillo central dirigiéndose al escenario, brazos en alto y sudadera del grupo mediante. Empieza a animar a los de las primeras filas para que se pongan en pie y vibren físicamente con la música de los escoceses. Nadie le hace mucho caso. Pero Stuart ríe. Y el batería del grupo se levanta para darle una cerveza (San Miguel, claro). Y al final, todo el mundo acaba en pie y justo entonces empiezan a desgranarse las primeras notas de la eterna ‘Rano Pano‘. Glorioso.

Obviando su último EP, Earth División, Mogwai tiraron del repertorio de su último Hardcore Never Die But You Will, sin olvidar imprescindibles del catálogo como la aplaudida y estimulante ‘I´m Jim Morrison, I´m Dead‘, o la maravillosa ‘Friend of the Night‘. La aparición de ‘Auto Rock‘ pudiera haber implicado, al igual que en la cita barcelonesa, el auge explosivo y el fin de fiesta. Pero si Mogwai optaron en un primer momento por catapultar la experiencia sensitiva, el cierre significó la explosión de su vertiente más contundente. Tan solo ‘Helicon 1‘ se salvo de la impía quema que emergió de ‘Like Herod‘, ‘Batcat‘ y ‘We´re No Here‘. Un final excesivo con un ensordecedor y prolongado epílogo que no ensombrece la apoteosis de una banda que se antoja eterna.

Por: Carlos Marlasca

Foto interior: Jose Luis Masmano